Anónimo IV

Se canceló la ópera de Wagner "Tannhäuser"en el Teatro Municipal

2009-01-20T05:08:00.000-08:00

Desde 2006 que no sucedía algo similar. El Teatro Municipal suele hacer cambios en sus elencos, pero no bajar títulos ya comprometidos. La suspensión, hace tres años, de "La Gioconda" de Ponchielli y "Elektra", de Strauss, se comprendió como un coletazo de la crisis que vivía entonces el coliseo.

Pero ayer el Municipal confirmó que había pospuesto para 2012 la ópera "Tannhäuser" de Wagner- que originalmente se presentaría en junio de 2009- aduciendo "razones programáticas". Pero todos los cantantes comprometidos para ese título ahora cantarán en la producción de 2007 "Tristán e Isolda", también de Wagner. Así, el tenor Jon Fredric West pasó de Tannhäuser a Tristán; la soprano Kirsi Tiihonen, de Elisabeth a Isolda; la mezzosoprano Petra Lang, de Venus a Brangania; Kristinn Sigmundsson, de Hermann a Rey, y el barítono James Johnson, de Wolfram a Melot.

Por lo visto, se aprovecharán las cualidades tímbricas e interpretativas de las voces, manteniéndolas en el mundo wagneriano. Pero también evitarán los costos de una nueva escenografía ("Tannhäuser" requiere un castillo del siglo XII) y de sus exuberantes recursos corales.

En el público del Municipal hay distintas reacciones. "Me parece una irresponsabilidad muy grande, está pasando lo mismo que en 2006: yo tenía mi abono pagado y cambiaron toda la programación, poniendo espectáculos mucho menos interesantes que los prometidos. Por eso dejé de ser abonado y ahora cruzo los dedos cada vez que compro unas entradas", declara Germán López.

"Me produce sentimientos encontrados. Esperaba ver 'Tannhäuser', que la presentaron en el 83, mientras que 'Tristán...' la dieron hace dos años. Pero todos estamos pasando por una crisis y 'Tristán' es mucha menos gente en el coro y que vestir", comenta Luis Felipe Prats, abonado.

También se suspendió el estreno de la producción propia del Ballet de Santiago "Coppelius, el Mago", y se reemplazará por una nueva revisión de "Cascanueces".

SU HISTORIA EN CHILE DESDE 1897

Según relata Mario Cánepa en su libro "La Ópera en Chile", en 1896 el Municipal planeó cerrar su temporada con "Tannhäuser"; sin embargo, se prefirió una nueva función de "La florista de Lugano", ópera chilena de Eliodoro Ortiz de Zárate. En 1897, "Tannhäuser" tomó su revancha. Las crónicas de la época dicen que no hubo mucho a favor de la música de Wagner, que el público no comprendió el mensaje y que un ballet "malamente improvisado destrozó los cuadros del nacimiento de Venus y la Ronda de la Bacanal". Incluso el tenor (Jean Dimitresco) no se sabía bien su parte. No obstante, la ópera se repitió cuatro veces en esa misma temporada y se revivió al año siguiente (1898) con Eva Tetrazzini, favorita del público, y Fiorello Giraud. Volvió los años 1899, 1917 y 1944. En 1983 se repuso bajo la batuta de Franz-Paul Decker, con Richard Cassily, Marita Napier (en el doble papel de Elisabeth y Venus), John Macurdy y Norman Bailey, con puesta de Roberto Oswald.

IX Festival de Música Contemporánea Internacional de la Universidad de Chile

2009-01-12T05:47:00.000-08:00

Eduardo Cáceres, director artístico del encuentro, adelanta que durante el festival se desarrollarán cuatro grandes hitos. El primero de ellos será el homenaje que se rendirá al compositor, intérprete y profesor de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile Miguel Letelier Valdés, quien fuera galardonado el pasado 26 de agosto con el Premio Nacional de Música por su destacada trayectoria tanto en la docencia como en la composición. De esta forma, para la apertura de la novena versión de este encuentro se presentarán las obras "Tres Canciones" y "Nocturno", ambas de Miguel Letelier Valdés, quien además es reconocido por sus pares como el gran maestro de órgano de nuestro país.

En segundo término destaca la participación del festival en las celebraciones que el Gobierno de Chile prepara para la conmemoración del Bicentenario. Esto se traduce en la invitación especial a compositores e intérpretes de Colombia y Argentina, países que también celebran 200 años de independencia el año 2010. Entre los invitados extranjeros también se encuentran el destacado conjunto coral brasileño Quarteto Colonial, con la obra "Corrosão" de Neder Nassaro.

El tercer hito es la presencia de las tres mejores piezas creadas en el marco del Taller de Composición "Copiu", desarrollado durante 2008 y dirigido por el compositor italiano Luca Belcastro, con el apoyo del Departamento de Música de la Universidad de Chile. Esta importante iniciativa, que se también se lleva a cabo en otros países de Sudamérica, sentó un precedente al crear un espacio de diálogo entre compositores e interpretes.

Por último, un lugar importante en este festival lo ocuparán las obras que utilicen elementos electrónicos en su ejecución. Es por ello que se realizará un concierto especial de piezas electroacústicas con soporte audiovisual e improvisación, el martes 13 de enero a partir de las 18:00 horas. En él se presentarán obras de los compositores nacionales Antonio Carvallo, Bryan Holmes y Andrés Ferrari –último ganador del premio Leonor Hirsch de Buenos Aires, Argentina-, y de los argentinos Alcides Larrosa, Luís Conde y Martín Matalón.

Plácido Domingo niega retiro de la música

2009-01-12T05:32:00.000-08:00

Domingo, que realizó su último viaje a Corea del Sur en 2001 junto a José Carreras y Luciano Pavarotti, tiene previsto interpretar piezas de música clásica y canciones populares conocidas, como “Tonight” del musical “West Side Story".

Domingo se mostró satisfecho por “poder cantar aún” y negó las especulaciones sobre su retirada durante una rueda de prensa en Seúl.

El músico insistió en que no tiene planes inmediatos de retirada aunque reconoció que la hora de dejar los escenarios se acerca. En el concierto, Domingo actuará junto a la británica, Katherine Jenkins, y la surcoreana, Lee Ji-young.

El espectáculo tendrá lugar en el Parque Olímpico de Seúl y contará con la participación de la Orquesta Sinfónica Coreana, dirigida por Eugene Kohn.

Incierto futuro para el New York City Opera

2009-01-05T13:56:00.001-08:00

Con un déficit de 15 millones de dólares, la institución aún no tiene un director. Conocida desde su fundación como "la ópera del pueblo", en contraste con la Metropolitan Opera, allí siguen debutando las voces emergentes que luego se volverán estrellas, como lo hizo Plácido Domingo, en 1966, en "Don Rodrigo", de Ginastera.

Pero, además, su programación siempre se ha hecho con un criterio netamente musical. Hora de revisar, entonces, los enormes aplausos que se ha llevado hace poco el Met por presentar "Moisés y Aarón", de Schoenberg; "Doktor Faust", de Busoni, o "El caso Makropoulos", de Janacek. Producciones todas que fueron puestas en escena mucho antes por el New York City Opera. Ésa es la diferencia entre misión y marketing, argumento principal para rezar con la esperanza de que la entidad sobreviva a la crisis.

Barenboim dirige un Concierto de Año Nuevo marcado por el conflicto palestino-israelí

2009-01-02T11:03:00.000-08:00

El director de orquesta, que también posee nacionalidad española, es un reconocido activista por la paz entre árabes e israelíes. Junto con el escritor de origen palestino Edward Said (ya fallecido) fundó en 1999 la orquesta Diván Este-Oeste. El proyecto, auspiciado actualmente por la Fundación Barenboim-Said, reúne cada año a jóvenes músicos israelíes y árabes y valió a sus dos mentores el premio Príncipe de Asturias de la Concordia en 2002.

En lo musical, el tradicional Concierto de Año Nuevo ha rendido culto, una vez más, a la música de la dinastía de los Strauss. Los tradicionales valses y polcas del rey del vals, Johann Strauss, de su padre y de su hermano Josef, se han combinado con las oberturas de las operetas Una noche en Venecia y El Barón Gitano, también de Johann Strauss, y el Vals español, de Josef Hellmesberger. No ha faltado, en otro guiño al compromiso del director por la paz entre árabes e israelíes, el vals Cuentos de Oriente, de Strauss hijo.

Haydn también 'debuta'

Por primera vez, el programa ha incluido una obra de Haydn (1732-1809), uno de los mayores exponentes del clasicismo, y ha abierto así el año de conmemoración del segundo centenario de su muerte en Viena. El cuarto movimiento de La sinfonía de los Adioses, una de las muchas composiciones en las que Haydn dejó muestras de su sentido innovador y humorístico, ha concluido con la misma dramaturgia de su estreno mundial y los músicos han abandonado, uno a uno, el escenario hasta dejar al director al frente de sólo dos intérpretes.

"La Filarmónica de Viena y yo les deseamos Feliz Año Nuevo", ha dicho Barenboim, en alemán, entre sus mensajes al público. Posteriormente ha interpretado, como tradicionalmente, El Danubio Azul de Johann Strauss.

Y como cierre no ha podía falta la marcha de Radetzky, acompañada, como siempre, por las rítmicas palmadas del público. El director, como es también ya tradicional, se ha aplicado más en dirigir estas que a la propia orquesta.

www.elpais.com

La Novena de Beethoven volverá al Teatro Municipal

2009-01-01T18:34:00.000-08:00

Sólo se realizará una función, el día 8 de enero a las 20:00 horas. La dirección del coro estará a cargo de Jorge Klastornick. Los solistas que participarán en el concierto son la soprano Patricia Cifuentes, la mezzosoprano Evelyn Ramírez, el bajo- barítono Homero Pérez Miranda y el tenor Luis Olivares.

La pieza es una obra representativa de lo fantástico, y fue nombrada Patrimonio Mundial de la Humanidad por la Unesco. Fue estrenada en 1824, cuando Beethoven ya había comenzado a perder el sentido del oído.

Críticas de Barenboim a los ataques

2008-12-30T19:38:00.000-08:00

"Todavía hay demasiadas personas que están convencidas de que pueden resolver este conflicto militarmente. Eso no se puede hacer en absoluto", señaló.

"Naturalmente que Israel no puede aceptar que le tiren misiles desde Palestina, pero este baño de sangre que se está viendo es absolutamente inaceptable", sentenció el maestro, de 66 años.
En opinión de Barenboim, los líderes de Israel "deberían mostrar una inteligencia mayor y más sutil que simplemente mandar tirar bombas y matar gente".

El prestigioso director de orquesta recordó que fue su convicción de que israelíes y palestinos pueden desarrollar una convivencia fructífera la que lo llevó a crear en 1999 la orquesta Diván, integrada por jóvenes músicos israelíes y árabes de distintas nacionalidades. Barenboim confía en que la orquesta no sufra presiones durante su próxima gira.

José Carreras recaudó 5,6 millones de euros para lucha contra la Leucemia

2008-12-22T08:20:00.000-08:00

Un portavoz de la cadena reveló hoy el resultado de la recaudación y señaló que los fondos serán destinados principalmente a financiar la investigación y el desarrollo de nuevas terapias contra la leucemia y el tratamiento de pacientes de avanzada edad.

"Gracias Leipzig, gracias a la gente en casa, gracias a Alemania,” dijo emocionado el tenor español al acabar la gala celebrada en el nuevo recinto ferial de la capital financiera de Sajonia.

A lo largo de las mas de dos horas y media de programa pasaron por el escenario estrellas internacionales como Chris de Burgh y Daliah Lavi, la violinista Anne Sophie Mutter y numerosos actores y cantantes locales para animar a los espectadores a hacer donativos.

A nivel nacional trabajaron mas de 2.000 telefonistas para atender las llamadas de los telespectadores.

La ARD subrayó que la ya tradicional y prenavideña Gala de José Carreras es uno de los programas para la recogida de donativos de mas éxito en Alemania y que, en las 13 ediciones celebradas hasta ahora, ha conseguido acumular mas de 74 millones de euros (unos 104,3 millones de dólares).

Concierto de despedida en Viena del gran pianista Alfred Brendel

2008-12-16T17:18:00.000-08:00

Brendel dará dos recitales, el miércoles y el jueves. El concierto "Jenamy" es una forma adecuada para celebrar la despedida de Brendel, informó AFP.

Esta obra de juventud, escrita cuando Mozart tenía sólo 21 años, está llena de innovaciones formales sorprendentes y tiene una gran exhuberancia melódica.

A pesar de que la inimitable forma de caminar de Brendel --un rápido recorrido a través del escenario-- se ha inclinado ligeramente con la edad y que la artritis le impide tocar obras más exigentes del repertorio, como el "Hammerklavier" de Beethoven o la sonata en si bemol de Liszt, este pianista de 77 años no ha perdido su malicioso ingenio ni su alegría.

Aunque sus detractores lo acusan de ser demasiado austero e intelectual, los otros músicos no están de acuerdo.

En un artículo publicado por el diario británico the Guardian esta semana, su ex alumna, la pianista Imogen Cooper, afirma: "Catalogar de cerebral a Brendel implicaría demasiada frialdad. El siempre ha sido muy meditabundo. Al escucharlo tocar a Schubert, Mozart, Beethoven, Liszt, se siente su profunda comprensión del idioma de estos compositores."

Brendel nació en 1931 en Wiesenberg, que actualmente se encuentra en la República Checa.

Cuando lo interrogan sobre su talento musical, insiste en que no fue un prodigio infantil.

"Mis padres no eran músicos. En la casa no había música. No soy un buen lector a primera vista y no he sido dotado de una memoria fenomenal", afirma en su sitio web.

Además de recibir lecciones de piano esporádicas entre los seis y los 16 años, Brendel tuvo poco entrenamiento formal y se describe a sí mismo como un autodidacta.

Dio su primer recital a los 17 años en Graz (sur de Austria), con obras de Bach, Brahms y Liszt, e interpretó una composición suya.

"Cuando yo era joven mi carrera en general no fue nada sensacional, sino que progresó paso a paso", afirma.

Pero la tendencia cambió radicalmente después de un concierto de Beethoven en Londres --donde vive desde 1971-- y tres grandes empresas disqueras le ofrecieron contratos.

Actualmente Brendel es considerado como uno de los artistas más prolíficos en materia de grabación de discos, con un repertorio que incluye a Bach, Haydn, Weber, Schumann, Liszt, Brahms, Mussorgsky y Schoenberg.

Durante su carrera se concentró fundamentalmente en las obras de Beethoven, Mozart y Schubert.

Fue el primer pianista en la historia que grabó toda la obra de Beethoven para piano y uno de los pocos que grabaron todos los conciertos de piano de Mozart.

Brendel, que ha publicado libros sobre música y poemas humorísticos, afirma que tendrá muchas actividades después de su último concierto.

"A diferencia de algunos de mis colegas, no soy adicto a tocar el piano. Tengo otros intereses además de la música", afirmó en una reciente entrevista.

"Para el año próximo tengo muchos planes. Después de una interrupción de algunos meses, daré conferencias, lecturas, seminarios, y continuaré escribiendo. Siempre estoy escribiendo algo", añadió.

Alternativas Navideñas

2008-12-12T05:28:00.000-08:00

Radio Beethoven presenta un imperdible Concierto de Navidad, al aire libre, el día sábado 20 de diciembre a las 19:30 horas. Se realizará de manera gratuita en el Parque Bicentenario de Vitacura, y en la ocasión el prestigioso maestro Juan Pablo Izquierdo dirigirá a la Orquesta de Cámara de Chile, en un programa que incluirá selecciones del famoso oratorio “El Mesías” de Handel, además de “Los Reales Fuegos de Artificio” del mismo compositor.

Participarán además, el Coro Sinfónico de la Universidad de Chile, la soprano Claudia Pereira, el barítono Patricio Sabaté y la contralto Evelyn Ramírez. No lo olvide, la cita es en el Parque Bicentenario de Vitacura, ubicado en Av. Bicentenario 3800, el día sábado 20 a las 19:30 horas.

El jueves 18 de diciembre se realizará el tradicional Concierto de Navidad organizado por la Universidad Católica. En esta oportunidad se interpretará la “Misa de la Creación” de Franz Joseph Haydn. Participan los coros de Estudiantes y de Cámara de la Universidad Católica, además de la orquesta de cámara de esa casa de estudios, todos bajo la dirección de Jaime Donoso. Será a las 19:30 horas de ese día, en el Centro de Extensión UC, ubicado en Alameda 340, con entrada liberada.

El sábado 13 de Diciembre a las 20:45 horas, el Coro de Cámara Codelco bajo la dirección de Mauricio Cortés, se presenta en un concierto de Navidad en la parroquia María Madre de Misericordia, en Camino Real 4334, Los Trapenses. En la oportunidad será acompañado por la agrupación de música antigua "Extempore" y Virna Osses al órgano. El programa contempla obras de Josquin des Prez, Claudio Monteverdi y villancicos tradicionales. La entrada es liberada.

China y Venezuela crearán orquesta sinfónica juvenil

2008-12-10T18:13:00.000-08:00

Abreu, acompañado de Gustavo Dudamel, habló este miércoles en una rueda de prensa en el Gran Teatro Nacional de China, en la víspera del debut de la Orquesta Sinfónica Juvenil Simón Bolívar en ese país, informa Prensa Latina.

La orquesta se encuentra en Beijing en la primera escala de su primera gira asiática, que también la llevará a Tokio e Hiroshima, Japón, Seúl y Corea del Sur.

Abreu dijo que una orquesta juvenil china vendrá a Venezuela para actuar, intercambiar experiencias y estrechar los lazos con sus pares venezolanos.

Sobre el país que visitan en su gira asiática, Abreu manifestó su admiración por el desarrollo artístico y por los avances logrados en la educación musical de los niños.

'La orquesta que verán actuar mañana bajo la dirección de Gustavo Dudamel es la cúspide de un sistema piramidal en el que participan unos 265 mil jóvenes y niños de medianos y bajos recursos de todas las provincias venezolanas', explicó.

Abreu elogió la creación del sistema, con 34 años de existencia, tanto por su función artística como por su carácter social y ético, puesto que 'la educación musical construye espiritualmente al niño, lo rescata y lo prepara para insertarse en la sociedad', afirmó.

Opinó que este sistema es un emblema también de la estructura integracionista que se desarrolla en América Latina, pues ya la mayoría de los países tienen un sistema de orquestas y coros, y en 2009 se espera la creación de una sinfónica de Iberoamérica.

'De esta manera nos encaminaremos hacia un sistema mundial de orquestas infantiles y juveniles, que ya cuenta con el auspicio moral de la Unesco (por sus siglas en inglés), y se convertirá en una realidad institucional antes de cinco años', expresó.

La embajadora venezolana, Rocío Maneiro, dijo que mañana se hará realidad la promesa del presidente Hugo Chávez de hacer un gran regalo al pueblo chino con la presentación de la orquesta.

VI Festival Internacional de Música Contemporánea de Lima: Un festival para el elogio

2008-12-08T07:54:00.000-08:00

Entre las numerosas actividades es justo destacar el estreno de diecisiete obras, aunque sin duda de distinto valor. Participaron numerosos intérpretes y algunos ensambles de muy alta calidad. Destaco los conciertos ofrecidos por algunos ensambles, especialmente el Ensemble Kuraia (España-Italia), el Trío Arbós (España), L' Instant Donne (Francia), Tambuco Percussion Ensemble (México) y el Ensamble Carivato de Colombia.

Este año el festival se descentralizó, incluido un concierto en Piura a cargo de la Orquesta Sinfónica Municipal de Piura, bajo la dirección de su fundador y titular Manuel Cuadros Barr, en el cual se ejecutó "Canción y muerte de Rolando" de Iturriaga, con Josefina Brivio como solista. Asimismo, otro en Trujillo a cargo de la Orquesta de Barro, proyecto de educación y promoción juvenil de suma importancia que dirige Joe Rodríguez.

El VI Festival de Música Clásica Contemporánea incluyó también dos conciertos de la Orquesta Sinfónica Nacional, uno bajo la batuta del solvente director español Carlos Fernández Aransay, en el cual se estrenó en Lima "Cantus In Memoriam Benjamin Britten" de Arvo Pärt, una de las figuras de mayor importancia en la composición a escala mundial. El segundo concierto fue el de clausura, en el cual la OSN actuó bajo la dirección de Manuel Elías, prolífico compositor y director mexicano de importante proyección continental, fundador y presidente del Colegio de Compositores Latinoamericanos de Música Arte. En este programa la OSN estrenó "Espacios", dos movimientos para orquesta sinfónica del compositor peruano Nilo Velarde, obra que obtuvo en el 2007 el Primer Premio de Composición Casa de las Américas en La Habana y que sin duda es una composición de notable factura y aliento sinfónico. Elías incluyó en el programa una interesante y brillante partitura suya, "Conmemoraciones" para orquesta. En el concierto se escuchó, además, una lograda versión de la "Suite" para orquesta de Enrique Iturriaga, obra de gran calidad, que lamentablemente aún se ha ejecutado poco y que fue ganadora en 1957 del Premio Juan Landaeta en el II Festival Latinoamericano de Caracas. También estuvo en el programa el otro maestro homenajeado en el festival, Luis de Pablo, representado por "Rostro", sugestiva obra fruto de un impulso creativo producido por la contemplación, en un viaje a México, de unas enigmáticas terracotas olmecas.

Los buenos resultados y sobre todo la continuidad tienen artífices con nombre propio, dignos del mayor elogio: Ricardo Ramón, director ejecutivo; Jorge Garrido Lecca, director artístico, y Nilo Velarde, director musical.

Por José Quezada Macchiavello

El pianista Alfred Brendel recibe el premio Herbert von Karajan

2008-12-07T09:18:00.000-08:00

Brendel recibió la distinción a pocos días de su último concierto junto con 50 mil euros (63 mil dólares), que de acuerdo con las condiciones del premio deberán destinarse al trabajo con jóvenes talentos.

"Me alegra por supuesto que el público se lamente un poco", sostuvo Brendel. "Pero es el momento de irme". No es que haya motivos físicos, pero el austríaco admite que ya no está en las mejores condiciones para tocar piezas muy exigentes para el cuerpo, como las sonatas para pianoforte de Beethoven.

Alfred Brendel es también escritor y artista. Nació en la localidad de Wiesenberg (hoy República Checa), tiene nacionalidad austríaca y vive en Londres. En 1975 se casó por segunda vez, y entre sus dos matrimonios sumó cuatro hijos.

Se hizo famoso con sus interpretaciones de Schubert, Beethoven, Mozart y Liszt; de su obra se conoce especialmente la grabación completa de la obra para piano de Beethoven, que fue el primer pianista en interpretar íntegra. Además, contribuyó a liberar de su oscuridad las sonatas para piano de Schubert y el concierto para piano de Schönberg.

Brendel tocó con la Filarmónica de Viena, actuó como solista en salas de todo el mundo, dio clases magistrales a fines de la década del sesenta en Viena y en los años setenta se instaló en Londres. En su carrera recibió cantidad de premios internacionales.

Como autor, publicó numerosos libros sobre música y compilaciones de poesía alemana de humor absurdo.

El premio Karajan se entrega desde 2003 en Baden-Baden. Lo recibieron hasta ahora la violinista Anne-Sophie Mutter, la Filarmónica de Berlín, el pianista ruso Yevgeni Kissin, el director de orquesta Valeri Gergiev y en su última edición el coreógrafo de ballet John Neumeier.

Rick Wakeman en Chile

2008-12-06T07:13:00.000-08:00

Rick Wakeman no actúa como un “rock star”. Su sencillez se nota en el trato con sus colegas músicos de la orquesta, y se nota en su relación con los medios. Está relajado y demuestra su entusiasmo de venir a Chile para realizar este único show, donde el tocará el piano y será acompañado por orquesta y coro locales.

Este es el único concierto en Latinoamérica. ¿Cómo se gestó este show y por qué Chile es el único país afortunado?
Todo comenzó hace siete meses cuando una orquesta en Bulgaria me pidió si tocaría allá con ellos en un formato de piano y orquesta. Querían adaptaciones de algunas de mis obras para esa combinación. El problema es que no habían orquestaciones, pero como yo quería hacerlo, pedí ayuda a Guy Protheroe quien es el director, y trabajamos juntos los arreglos orquestales en un estilo muy clásico. El show salió fantástico y tuvimos mu buenas reseñas. Cuando volvimos a Inglaterra, empezaron a invitarnos de distintas orquestas. Luego, un amigo promotor de Sudamérica me preguntó ¿Vendrías a hacer este espectáculo a Chile en diciembre? Yo dije que sí, que si era un solo show, lo haría encantado. Así que estoy feliz de estar acá y hacerlo.

Su concierto se centrará en sus obras sinfónicas. ¿Habrá además otras sorpresas tomadas de su vasto catálogo, como sus trabajos más cercanos al rock o al piano solo?
Hay de todo. Hicimos arreglos puramente orquestales para “El Rey Arturo” y “Viaje al Centro de la Tierra”, pero también hay piezas menos familiares como “Gone But Not Forgotten”, “The Jig” y “After The Ball”. Sin dejar de lado selecciones de “Las Seis Esposas de Enrique VIII”.

La obra “1984” es un trabajo de culto entre sus seguidores. Tal como “Viaje” es basada en un libro y ocupa coro y orquesta. ¿Está considerada para este concierto?
Estuvo considerada, pero al ir seleccionando el repertorio hubo que sacar cosas. Fue un trabajo muy largo y complejo el escoger y trabajar las orquestaciones, por lo que esta obra no alcanzó a quedar en el programa final.

“Viaje al Centro de la Tierra” cumple 35 años en 2009, y ya se anunció una edición especial en CD para entonces. ¿Qué pasará con el resto de los discos que usted hizo para el sello A&M en los años ’70?
Todos esos trabajos los posee Universal. La semana pasada me junté con ejecutivos de ese sello, y el plan es relanzar todos esos discos, pero agregándoles extras. Lo mismo que con el “Viaje”, que además planeo volver a montar el próximo año. Quizás le agregue pasajes nuevos, y no descarto tocarla en conjunto con “Regreso al Centro de la Tierra”.

Se sabe que el próximo año usted va a interpretar “Las Seis Esposas de Enrique VIII” en su totalidad. ¿Fue concebido este disco como una suite, como seis movimientos de una obra unitaria?
Casi. Originalmente iban a ser siete piezas. La idea original era hacer “Enrique VIII y sus Seis Esposas”, pero luego de que grabé los temas correspondientes a las seis esposas, no hubo espacio para agregar una séptima dedicada al rey, por lo que “Henry” tuvo que ser “decapitado”. Pero cuando lo toquemos en mayo, vamos a tocar esta pieza inédita, “Henry”, y va a haber más música que las seis piezas originales.

¿Cuál es el estado actual del English Rock Ensemble? ¿Hay planes para un nuevo disco o una nueva gira?
El English Rock Ensemble existe todavía y hacemos uno o dos shows al año. Si hacemos “Viaje” el próximo año, la banda estará presente. A veces vamos a festivales, pero ya no estamos haciendo giras especiales. Pensamos que eso lo hace más especial.

Usted lanzó recientemente dos discos, “Retro” y “Retro 2” donde ocupa exclusivamente sintetizadores análogos como el Mini Moog y el Mellotron. ¿Qué ventajan tienen esos teclados sobre los actuales sintetizadores digitales?
Son totalmente diferentes. Los teclados digitales pueden hacer cosas que los análogos no pueden, y al mismo tiempo los antiguos pueden realizar cosas que los digitales no pueden. Supongo que si tienes una paleta de colores, los antiguos instrumentos tienen sus matices propios, y no pueden reemplazarse unos a otros.

¿Ha pensado en la posibilidad de escribir una obra totalmente orquestal, es decir sin teclados ni banda rock?
Lo he pensado muchas veces. En más de una ocasión he comenzado composiciones como un ballet y una opereta, pero el problema siempre es el tiempo. Se necesita harto tiempo para embarcarse en este tipo de proyectos. Espero que en los próximos años yo encuentre ese tiempo para poder terminar algo. Se necesita una concentración total.

¿Qué compositores del presente admira, o al menos encuentra interesantes?
Mis compositores favoritos son principalmente de Europa del Este, como Nikolai Rimsky-Korsakov, Dmitri Shostakovich y sobre todo Sergei Prokofiev. Cuando yo era niño, mi padre me llevó a ver una presentación de “Pedro y el Lobo” y yo quedé fascinado. Esto fue una influencia en obras mías como “Viaje” y “Rey Arturo”, que incluyen narración. Todo porque mi padre me llevó a ese concierto cuando yo tenía 8 años.
En cuanto a compositores vivos, creo que Philip Glass es maravilloso. Tiene harta diversidad. Pero lo que hay que pensar es qué compositores de hoy serán tocados en cien años. Para muchos compositores es difícil establecerse, ya que en los teatros se busca llenar los asientos. Llenar teatros es complicado, y se tocan obras probadas para que esos asientos se ocupen. Algunas orquestas son bien eficientes y ponen obras conocidas, matizando con composiciones nuevas. Pero es difícil.

Por Álvaro Gallegos M.
Radio Beethoven
05/12/2008

Fin de la Huelga

2008-12-03T05:10:00.000-08:00

La inauguración de la temporada lírica en el mítico Teatro La Scala de Milán se llevará a cabo sin problemas el próximo 7 de diciembre, luego de que un sindicato que representa algunas categorías de trabajadores del establecimiento logró ayer un acuerdo con sus dirigentes.

El sindicato autónomo Fials, que representa a algunos integrantes de la orquesta, del coro y del cuerpo de ballet del teatro, había proclamado una huelga que podría haber comprometido la apertura de la temporada, pero la anuló anoche, tras la firma del acuerdo.

Los sindicatos de los trabajadores de la Scala, que durante el 2007 también llevaron a cabo varias movilizaciones, habían conseguido el año pasado un aumento de 11,5 millones de euros para integrar en los sueldos hasta el 2011.

El Fials no estaba de acuerdo con la división de fondos del teatro para los artistas y convocó a la huelga. La situación era tan insostenible, incluso entre los propios trabajadores del teatro, que el director artístico de la Scala, Stephane Lissner, llegó a amenazar con renunciar a su cargo.

Paul Hofhaimer (25/01/1459 - 1537)

2008-12-02T12:13:00.000-08:00

Hofhaimer nació en en Radstadt, cerca de Salzburgo. De sus primeros años de vida, no solo se tiene poca información, sino también es contradictoria. Según el erudito suizo Joachim Vadian, el compositor en sus primeros años era autodidacta, sin embargo existen fuentes que lo vinculan a temprana edad a la corte de Federico III.
En 1478 Hofhaimer viaja a Innsbruck y se presenta ante el archiduque Segismundo de Austria, quien impresionado por su virtuosismo y la belleza de sus obras, decide contratarlo como organista de la corte real. Es muy probable que aquí mantuviera cercano contacto con Heinrich Isaac, quien por aquellos años se convertiría en compositor de la corte.
Para 1490 la oposición de la población del Tirol llevó a Segismundo a entregar el poder a Maximiliano I, quien decidió mantener a Hofhaimer en su puesto, lo que le significó agendar una serie de viajes a lo largo de Europa, donde contribuyó en el diseño y construcción de varios órganos.
Valorando su servicio, el emperador Maximiliano lo nombra caballero y noble en 1515, bajo el titulo de “Primer Organista del Emperador”. Siete años más tarde, viaja a Salzburgo, donde permanece como organista de la catedral hasta su muerte.

La Ópera de Sydney pierde a su creador

2008-12-01T06:23:00.000-08:00

El gobierno local redujo la intensidad de las luces que iluminan por fuera la espectacular estructura en señal de duelo por la muerte de Utzon. Hoy se planea izar a media asta las banderas del puente del puerto de Sydney para honrar al creador de este coliseo.
Kevin Rudd, Primer Ministro australiano, elogió el trabajo del arquitecto danés, cuyo diseño más famoso causó controversia en Australia hace décadas, pero que ahora es considerado como uno de los principales símbolos del país.

Verdi, a la altura de los niños

2008-11-26T19:38:00.000-08:00

Si cada vez hay más padres que educan a sus bebés en la música clásica incluso antes de nacer, ¿por qué no continuar con esa costumbre cuando son más mayores? Así que, con el claro objetivo de conseguir que los más pequeños aprendan a disfrutar de la música clásica, a partir de mañana –y hasta el viernes– llega al Teatro Salón Cervantes la quinta edición de los Conciertos Didácticos organizados por la Concejalía de Educación junto con la fundación Obra Social de La Caixa.

Serán un total de 2.300 alumnos de entre 3 y 12 años de 28 centros educativos de Alcalá los que disfrutarán del espectáculo El metal y sus colores que, según indicó el concejal de Educación, Francisco Bernáldez, “presenta un viaje por los distintos instrumentos de viento de una orquesta a través de diversos estilos y épocas con el objetivo de introducir al público infantil y juvenil en el mundo de la música desde una perspectiva lúdica y didáctica”.

De hecho, los profesores ya han tenido acceso a un CD con la música que se escuchará en el concierto para que puedan preparar al alumno antes de la función y completar y facilitar el aprendizaje de los ritmos y los elementos que la forman. De esta forma, Verdi, Bach, Purcell y otros compositores clásicos, junto con varios temas de jazz o tradicionales, servirán para presentar al público infantil los instrumentos de viento y sus distintos timbres, además de familiarizarlos con el vocabulario propio de este tipo de melodías y con el ambiente que se suele observar en un concierto.

Además, los colores y las imágenes que se proyectarán en la pantalla, el vestuario de los intérpretes, la posición de los mismos en cada pieza y los movimientos entre ellos en cada momento y las transiciones entre las obras están especialmente pensados para ayudar a escuchar, oir y, sobre todo, entender cada obra y cada sonido.

Por otra parte, y tal y como especificó el concejal, “es un espectáculo diseñado para interesar no sólo a los más pequeños sino también a los adultos que los acompañan, tengan o no conocimientos musicales”. Por ello, además de las audiciones exclusivas para los escolares, el viernes a las 18 horas tendrá lugar un concierto especial al que también tendrán acceso los adultos, que podrán acompañar a los más pequeños de forma gratuita hasta completar el aforo del TSC.

Según concluyó el concejal de Educación al respecto, “esta representación, especialmente diseñada para el público infantil, permite que padres e hijos disfruten juntos en un ambiente de magia y diversión desde un punto de vista instructivo y didáctico para todos”.

Escrito por Leticia Timón
Diario de Alcalá

Teatro Municipal presenta su temporada para el año 2009

2008-11-26T08:36:00.000-08:00

Uno de los grandes atractivos será el estreno en Chile de la ópera “Lady Macbeth de Mtsensk” de Dmitri Shostakovich. también volverán al teatro, luego de muchos años, las óperas "Tannhäuser" y "La Italiana en Argel", así como también el "Réquiem de Guerra" de Benjamin Britten.

El Director General del Teatro Municipal, Andrés Rodríguez, acompañado por Marcia Haydeé y Jose Luis Domínguez, presentó la temporada del Teatro Municipal para el año 2009. En la parrilla de ópera, ballet y conciertos se equilibra favoritos del público, estrenos, así como también espectáculos que no se presentaban en más de dos décadas.

En el plano de la ópera, destaca el estreno en Chile de “Lady Macbeth de Mtsensk” de Dmitri Shostakovich. Esta obra de 1934, tan controvertida en su época, contará con la dirección del ruso Dmitri Jurowski, y con la participación de Jeanne-Michèle Charbonnet en el papel de la fatídica protagonista, Katerina. “Tannhäuser” de Wagner y “La Italiana en Argel” de Rossini, en cambio, no se montaban en Chile desde hace un cuarto de siglo, por lo que podrán ser apreciadas por toda una nueva generación. Completan el sexteto de obras, tres grandes favoritas del público: “Turandot” de Puccini, “Los Pescadores de Perlas” de Bizet, y “La Traviata” de Verdi, que será la que dará el punto de partida en el plano lírico.

El 2009, el Ballet de Santiago celebra 50 años, y toda la temporada estará enfocada en esta conmemoración. “La Bayadera” volverá con todo su romanticismo, y con coreografía de Luis Ortizoga. La colaboración entre los bailarines del Municipal y el conjunto rock Los Tres fue tan exitoso, que el montaje “30 y Tr3s Horas Bar”, volverá al escenario capitalino, esta vez con una visión renovada y ocupando una velada completa. La coreógrafa Marcia Haydeé se inspiró en el clásico ballet “Coppelia” para dar vida a “Coppelius, el Mago”, que combinará música de Delibes, tomando también fragmentos musicales del ballet “Sylvia”. Mientras que uno de los puntos altos del año sería una nueva producción de “Don Quijote”, con música de Ludwig Minkus. Una iniciativa propia del coreógrafo Eduardo Yedro es la de realizar un ballet inspirado en la historia de El Zorro, y es por esto que se asoció con el director residente de la Orquesta Filarmónica de Santiago, José Luis Domínguez ,para crear una nueva obra. Domínguez está en proceso de composición de la partitura para una apuesta que promete ser interesante.

En cuanto a la serie de conciertos, se anunció la visita de la Orquesta de Cámara de Berlín, que ejecutará obras de Haendel, Haydn, Purcell y Mozart, y también de la Orquesta Sinfónica de Sao Paulo, con un repertorio a definir. La local Orquesta Filarmónica de Santiago volverá a interpretar luego de muchos años, el colosal “Réquiem de Guerra” de Benjamin Britten, mientras que también se anotan como imperdibles, la intepretación del Concierto para Viola de William Walton y un programa dedicado a Erik Satie, en que se tocará “Entr’acte” en conjunto con una proyección de la película muda realizada por René Clair.

A la edad de 60 años fallece el director inglés Richard Hickox

2008-11-25T05:59:00.000-08:00

Estaba agendado que el director de orquesta británico Richard Hickox dirigiera este próximo jueves una producción de la ópera “Riders to the Sea” de Ralph Vaughan-Williams, pero el maestro, conocido por sus abundantes grabaciones para el sello Chandos, dejó de existir inesperadamente el domingo 24 de noviembre, debido a un ataque al corazón. Venía saliendo de una sesión de grabación en Gales.

La larga carrera de Hickox lo llevó a colaboraciones con agrupaciones como la Orquesta Sinfónica de Londres, la City of London Sinfonia y el conjunto de música antigua Collegium Musicum 90, además de dirigir regularmente a los mejores grupos orquestales del Reino Unido. Actualmente era Director Musical de la Opera de Australia, con la que había renovado contrato recientemente hasta el año 2012.

Stephen Lumsden, agente del maestro Hickox por más de veinte años, manifestó: “La repentina e inesperada muerte de Richard Hickox resonará alrededor del globo, y ha privado al mundo de uno de sus más populares y respetados músicos… miles de músicos sentirán esta pérdida también”.

Jean Mouton (c.1459 - 30/10/1522)

2008-11-21T05:20:00.000-08:00

Nacido alrededor del año 1459 en el norte de Francia, cerca de Boulogne-sur-Mer. Mouton fue contratado como cantante y profesor en la iglesia de Notre Dame de Nesle, en la que, en 1483, se convirtió en maître de chapelle.
En 1500 se sabe que trabajó en la Catedral de Amiens y el año siguiente en St André en Grenoble, en ambos lugares a cargo del coro. Al año siguiente entra al servicio de la reina Ana de Bretaña y es destinado a Grenoble en una posición destacada. Así, Jean Mouton, se convierte en el principal compositor de la corte francesa, cargo que ocuparía por el resto de su vida, escribiendo menudo música para ocasiones especiales como bodas, coronaciones, las elecciones papales, los nacimientos y las defunciones.
Permaneció en el Servicio Real al servicio de François I, acompañándolo en actividades tan importantes como la reunión con el Papa León X en Bolonia en 1515, a quien le agradó tanto su música que lo premió con un titulo honorifico y, probablemente estuvo a cargo de las festividades musicales en la reunión de François I y Enrique VIII en Le Camp du Drap d'Or.
Cerca del final de su vida, Mouton se trasladó a San Quentin , donde falleció el 30 de octubre de 1522.

María Joao Pires: pequeñas manos creadoras

2008-11-16T16:19:00.000-08:00

Su contextura menuda y frágil se contrapone a la fuerza interpretativa con la que se desenvuelve sobre el escenario. Fuerza que se ve alentada por el naranjo intenso de la falda que viste esta noche.

En el Teatro Berliner Philharmoniker, más de 2.500 personas aplauden efusivamente a Maria Joâo Pires, quien acaba de interpretar junto a la Filarmónica de Berlín el Concierto para Piano n° 9 de Mozart, obligándola a salir tres veces para agradecer al público, luego de culminar con un "bis" a dos manos con el director Trevor Pinoc.

En apariencia, nada queda del principio de artrosis en manos y cuello que la llevó a suspender en agosto su visita a Chile, y permanecer en reposo durante dos meses, luego de una extensa gira por Europa.

Hoy, María Joao Pires está en Chile, invitada por la Universidad Andrés Bello, para dar un concierto y ofrecer una master class gratuita a jóvenes estudiantes, donde tendrá la posibilidad de intercalar interpretaciones y conversación. Y no es casual, la educación la inspira y la moviliza al igual que la música.

-Sorprende la manera en que ha conjugado su carrera y su preocupación por lo social. De hecho, acondicionó su granja ubicada en Portugal, como un "centro para el estudio de las artes" para jóvenes, la Granja Belgais.

"El proyecto fue muy bueno al inicio. Era un proyecto de educación en profundidad, que apuntaba a superar la incapacidad de los niños de poder encontrar su identidad, de poder desarrollar su vida y tener oportunidades. Sin embargo, no nos enfocábamos en desarrollar los talentos, porque en principio todos tienen talentos, lo que no tenemos es la oportunidad. Creo que el gran desequilibrio en el mundo son las armas y la mala educación. Desafortunadamente, el proyecto no continúa porque me fui a Brasil".

-¿Cuál es para usted la importancia del arte en el desarrollo de los niños y la juventud?

"Hay algo esencial en el ser humano que debería ser desarrollado desde el inicio, es el principio de que todo el bien que haces a otros hace bien para ti, de todo el mal que haces a otros haces de mal para ti. Este principio se desarrolla muy bien con la comunicación a través del arte. El arte desarrolla en el ser humano algo que es bueno en su esencia, porque es creativo, porque da al ser humano la posibilidad de crear al mismo tiempo en el que se está aprendiendo a dar y a recibir".

-¿De dónde le viene el gusto del piano? Leí que su hermana fue importante.

"Sí, mi hermana tocaba el piano, y yo tenía 3 años cuando empecé a tocar, y me gustaba mucho la música, pero era el único instrumento que tenía en mi casa y empecé a tocar sola, de oído, porque mi hermana tocaba piezas que no eran muy difíciles, de diferentes autores. Nuestra madre no quería que yo tocase porque pensaba que era muy chiquita, pero yo quería mucho!".

-Uno de los autores que la apasionan es Chopin, de hecho es el elegido para el concierto que dará en nuestro país.

"A mi madre le gustaba mucho Chopin, los nocturnos. Ella siempre quiso que tocase los nocturnos, y yo siempre decía un día, más tarde, ahora no, y cuando murió, me sentí muy mal porque no los tenía grabados para ella, fue una pena. Después los grabé todos (risas). Este último disco recopila los tres últimos años de Chopin. Empieza con la sonata número 3 de piano y finaliza con la sonata para violoncello que tocaremos con Pavel en Chile."

-¿Cómo elige lo que va a tocar en un concierto, cómo se inspira, que la mueve?

"Tú sabes que el repertorio es muy grande de piano y yo tengo que escoger bien porque tengo manos muy pequeñas, y con ellas no puedo tocar más que la mitad del repertorio".

-En el mundo de hoy y pensando en que los jóvenes a veces creen que las cosas son fáciles, ¿cuántas horas usted al día dedica al piano?

"Depende. Tienes que trabajar mucho, desarrollar tu técnica propia. Depende de la época de tu vida, dónde estás estudiando. Al inicio necesitas más horas, luego, cuando estás preparando un repertorio necesitas más horas, cuando estas en tour necesitas menos, porque es mas difícil ensayar por los viajes".

-¿Cómo recibe el cariño del público? Por ejemplo anoche cuando la aplaudieron efusivamente después de tocar con la filarmónica de Berlín y finalizar a dos manos con el director, Trevor Pinoc.

"Me gusta tocar con Trevor Pinoc y con la orquesta, es muy ingeniosa. Toqué muchas veces con ellos. Pero no creo que sea especial el hecho de tocar. Creo que especial es la gente que se encuentra para un concierto, lo especial es la música, que junta a la gente y los momentos son los especiales. Puede ser en Berlín con una gran orquesta, o en un pequeño pueblo. No es más especial para mí uno que otro. Pienso que también será especial con la Camerata de la U. Andrés Bello". Interrupciones forzadas

-Hace un par de meses tuvo que suspender su concierto en Chile por problemas de salud, pero sabemos que años atrás estuvo muy enferma."Sí, una operación al corazón me tuvo seis meses sin tocar. Pero estoy bien ahora. De hecho, este disco de Chopin lo dediqué a las personas que salvaron mi vida".

-Ese tiempo para usted como artista debe haber sido doloroso, no poder tocar música.

"No, no, no, siempre me gustó mucho la música, claro que cuando eres joven te gusta la acción, ¿no? Acción de tocar, eres activo. Pero aprendí muy pronto que escuchar es también una acción, es muy bueno, me gusta mucho, si no, no puedo tocar. Hace muchos años tuve un problema con la mano, no podía tocar y mis niños eran pequeños. No me gustaba dejarlos y paré de tocar cuatro años. Y no me hacía falta, me gustaba hacer otras cosas. No es una necesidad, tan grande tocar, no".

-¿Qué opina de la piratería y las descargas por internet?

"Yo no estoy tan preocupada con eso. Pienso que vivimos en un mundo desastroso, más por la maldad, por el número de personas que se está muriendo de hambre, los niños que se mueren cada segundo. Me preocupo muchos más por estas personas que por los discos o la música, porque pienso que la injusticia social es tan grande que va a destruir al planeta. ¿Me perdona?".

"No me preocupa tanto la piratería como las personas que mueren de hambre."

Barenboim y Villazón recaudan 300.000 dólares para sanear la Staatsoper

2008-11-10T17:07:00.000-08:00

Según informó hoy la sala de ópera berlinesa, que dirige Barenboim, el año próximo se organizarán nuevos recitales en beneficio del proyecto de renovación, en los que actuarán los tenores españoles Plácido Domingo y José Carreras, el pianista chino Lang Lang y el director indio Zubin Metha.

El público de la Filarmónica de Berlín se rindió ayer al arte de Barenboim y Villazón, protagonistas estelares de una velada que culminó inesperadamente con "El día que me quieras" de Carlos Gardel.

Una Filarmónica prácticamente llena vitoreó a los dos titanes de la música -perfectamente avenidos- que repasaron junto a la orquesta Staatskapelle algunas de las arias más bellas de la tradición operística por una buena causa: la renovación de la Staatsoper.

Villazón se transmutó sucesivamente en el Don Ottavio y el Tamino que Wolfgang Amadeus Mozart ideó para su "Don Giovanni" y "La flauta mágica", respectivamente, y en el Don José de la "Carmen" de Georges Bizet.

También como personaje del "Eugen Onegin" de Peter Tschaikowsky comprometió su voz con el plan de saneamiento de la sala de ópera berlinesa que supondrá una inversión de 214 millones de euros.

El programa oficial del recital se cerró con "No puede ser", de la zarzuela "La tabernera del puerto" del español Pablo Sorozábal, pieza incluida en el reparto por expreso deseo de Villazón, quien aseguró sobre el escenario que Barenboim y la orquesta de la Staatskapelle son su "familia musical".

"Y como todos somos una gran familia, los músicos y los espectadores, voy a llevarles en viaje hasta mi patria, Argentina", afirmó repentinamente Barenboim para pasar a dirigir el inesperado final, un emotivo y lírico "El día que me quieras" de Gardel, que hizo las delicias del público.

La recaudación de la gala benéfica, cuyas entradas costaron entre 55 y 230 euros (entre 70 y 293 dólares), se destinará a las obras de saneamiento de la sala de ópera.

Durante el tiempo que duren los trabajos, entre 2010 y 2013, sus espectáculos se representarán en el Schiller Theater de Berlín.

El edificio de la Staatsoper, diseñado por el arquitecto Georg Wenzeslau, se construyó entre 1741 y 1743 y es el teatro más antiguo de Berlín.

En julio, la Staatsoper renunció a la remodelación futurista ideada por el arquitecto Klaus Roth, que la habría dotado de mejor acústica, a cambio de la mera restauración que permitirá mantener su auditorio en estilo rococó hecho entre 1952 y 1955 en tiempos de la República Democrática Alemana (RDA). EFE

Los Príncipes de Asturias presiden hoy en Oviedo el concierto de la Orquesta Simón Bolívar dirigida por Dudamel

2008-10-23T07:34:00.000-07:00

La Orquesta Sinfónica Simón Bolívar, máximo exponente del Sistema Nacional de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela, Premio Príncipe de Asturias de las Artes 2008, acompañada por el Coro de la Fundación Príncipe de Asturias y con las voces solistas de Magda Nieves (soprano) y Hadar Halevy (mezzo) interpretarán la Sinfonía n.º 2 en Do menor 'Resurrección' de G. Mahler, según informó la Fundación en una nota de prensa.

Gustavo Dudamel comenzó a estudiar armonía, solfeo y contrapunto a temprana edad. Cursó parte de su formación en el Conservatorio Jacinto Lara y en la Academia Latinoamericana de Violín y, posteriormente, realizó estudios de dirección, bajo la guía de Rodolfo Saglimbeni y del maestro José Antonio Abreu.

En 1999 fue nombrado director de la Orquesta Nacional Infantil Simón Bolívar de Venezuela, con la que actuó en países como Chile, México, Estado Unidos, Francia e Italia. Un año más tarde, junto a la Orquesta de la Juventud Venezolana Simón Bolívar realizó una gira por Alemania, que incluyó un concierto en la Philarmonie de Berlín. Ha dirigido las Filarmónicas de Londres, Israel, Viena, Nueva York, Estocolmo Liverpool y de la Scala de Milán; así como las Orquestas Sinfónicas de Gotenburgo y Frankfurt y la Orquesta de la Academia de Santa Cecilia en Roma, entre otras.

Entre sus actuaciones más aclamadas cabe destacar las realizadas en el Royal Festival Hall de Londres, en el Festival Beethoven de Bonn, en el Carnegie Hall, como parte del festival "Berlin in Lights", y la aparición con la Orquesta Sinfónica de la Radio de Stuttgart en el Vaticano, junto a la violinista Hilary Hahn. En 2007 grabó su segundo disco, Sinfonía n.º 5 de G. Mahler, con la Orquesta de la Juventud Bolivariana Simón Bolívar. En 2008 debutó con la Filarmónica de Berlín.

Por su parte, Magda Nieves, nacida en Puerto Rico, ha desarrollado su carrera en el mundo de la ópera y en el campo del concierto tanto en Puerto Rico y Estados Unidos como en Europa. Su experiencia profesional incluye los roles principales de óperas como, Rigoletto, La Traviata y Aida de Verdi, Carmen de Bizet, Turandot y La Bohème de Puccini, La Viuda Alegre de Lehár, Las Bodas de Fígaro, Idomeneo, Così fan tutte y La Flauta Mágica de Mozart, Jenufa de Janacék, Don Pasquale y Lucia di Lamermoor de Donizetti, Belsazar de Haendel y El Teléfono de Menotti, entre otras.

Hadar Halevy, Mezzosoprano israelí, cursó estudios musicales en la Universidad de Tel Aviv y en la Juilliard School de Nueva York. Obtuvo reconocimiento internacional en el Festival de Wexford en el año 2002, cantando el papel de Bianca en Il Giuramento de Mercadante. Ha actuado en teatros como el Deutsche Oper Berlin, el Semper Oper Dresden, el Hamburg State Opera, el Teatro Carlo Felice en Génova, el Teatro Massimo de Palermo, el San Francisco Opera, el Teatro Regio en Turín, el Teatro Real de la Monnaie en Bruselas, el Frankfurt Opera, el Cologne Opera y muchos otros.

El concierto de mañana cierra la XVII Semana de Música que organiza la Fundación Príncipe de Asturias y Cajastur y que, desde el pasado 17 de octubre, ha celebrado un total de diecinueve conciertos en nueve localidades asturianas: Oviedo, Gijón, Avilés, Grado, Langreo, Luarca, Mieres, Pola de Lena y La Caridad. En el ciclo musical han participado grupos melódicos de registros y tradiciones muy distintas, entre ellos un dúo de viola y piano, un dúo de voz y guitarra-jazz, así como diversos solistas. También tomaron parte en la XVII Semana de Música los ganadores del Premio Fin de Carrera 'Ángel Muñiz Toca' para músicos solistas del Conservatorio Superior de Música 'Eduardo Martínez Torner'.

Oviedo, Europa Press

Primer Ciclo de Música de Cámara en la Sala Lastarria

2008-10-15T14:26:00.000-07:00

Este ciclo contará con la participación de destacados músicos. El lunes 20 se presentarán el guitarrista clásico Nicolás Emilfork (premiado en España, Grecia y Chile) y la mezzosoprano Nurys Olivares. El martes 21, el trío formado por el guitarrista Camilo Sauvalle, el contrabajista Jordi Boltes y el flautista Jeremías Núñez. Y finaliza el miércoles 22 el dúo conformado por el guitarrista Patricio Araya (premiado en Chile y España) y el flautista Juan Pablo Aguayo. Todos los conciertos son a las 20:15 hrs.
Más información en: musicaenlastarria.blogspot.com

Fue dado a conocer el programa de la versión 2009 de las “Semanas Musicales” de Frutillar

2008-10-12T12:32:00.000-07:00

Como ya es característico, actuarán conjuntos como la Banda Sinfónica de la FACH, la Camerata Vocal de la Universidad de Chile y la Orquesta Sinfónica de Chile junto a su director titular, el maestro polaco Michal Nesterowicz. Entre los invitados estelares se cuentan al Cuarteto Orpheus de Bulgaria, el dúo conformado por la violinista Stephanie Sant'Ambrogio y el pianista Jeffrey Sykes, y la destacada pianista chilena María Paz Santibáñez.

También habrá conciertos de música de raíz folklórica y de jazz, entre los que se cuentan una presentación del pianista belga Jean-Phillipe Collard. El cierre será con la Orquesta Sinfónica de Chile y el Coro Sinfónico de la Universidad de Chile, interpretando la obra Stabat Mater de Rossini.

Además se efectuarán 16 conciertos adicionales en las comunas de Osorno, La Unión, Valdivia, Temuco, Puerto Varas, Cochamó, Puyehue, Frutillar Alto, Llanquihue, Puerto Octay y Lago Ranco.

Todo el detalle de la programación se puede revisar en www.semanasmusicales.cl

Radio Beethoven

Pizzicatos, glissandos y armónicos

2008-10-06T16:44:00.000-07:00

No sólo vinieron para su concierto en la Temporada Fernando Rosas del Teatro Oriente. Además ofrecieron clases magistrales para los jóvenes de la Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles, en una hermosa labor para un trío de solo diez años de antigüedad.

Los jóvenes Angela Golubeva (violín), Sebastian Singer (cello) y Martin Lucas Staub (piano) conforman un afiatado conjunto que destaca por su musicalidad y afinación, al tiempo que en su aproximación a las obras que interpretan nos revelan el grado de cercanía que sienten por ellas.

Como primera obra interpretaron el “Trío en Sol menor, Op. 8” de Frederic Chopin, una de las raras composiciones del maestro para esta combinación instrumental. En ella, y haciendo la salvedad del carácter predominantemente pianístico que posee, debemos señalar que el balance entre el piano frente al violín y al cello no fue el adecuado, dado que el poderoso sonido del notable pianista Martin Lucas Staub, opacó a las cuerdas.

No obstante esta consideración, diremos que en el primero de sus movimientos se apreció un buen manejo dinámico, tanto como su musical fraseo. Luego el lirismo irrumpió en el segundo, destacándose la elegancia de la sección central tanto como los diálogos de las cuerdas con el piano.

Creemos que el mayor logro se obtuvo en el “Adagio sostenuto”, que es el tercer movimiento. Ahí se consiguió una enorme expresividad en su cerrada armonía, además de sutileza en los bellos pianissimos. En el cuarto, con su carácter más popular, destacó el ajustado ascelerando final.

La primera parte concluyó con “Estudios poéticos” de la compositora húngaro-eslovaca Iris Szeghy. Es un obra ecléctica en la que su autora no duda utilizar desde los recursos más contemporáneos hasta secciones tonales. En esta partitura los instrumentistas son exigidos al máximo de sus posibilidades técnicas, desafío respondido en nivel de excelencia. “Estudios poéticos” crea atmósferas, colores, timbres y sugerencias a través de pizzicatos, glissandos, armónicos, incluso interviniendo sobre las cuerdas del piano. Su lenguaje recuerda en algunas secciones el expresionismo, no obstante todas estas mezclas conservan siempre el interés del auditor. Aquí el grupo demostró una gran afinidad con la obra, realizando una estupenda versión que el público agradeció con prolongados y efusivos aplausos.

En la segunda parte escuchamos el “Trío en Si mayor, Op. 8” de Johannes Brahms, en el que los visitantes lograron un triunfo mayor, transmitiendo la emoción de su interpretación al público a través de su poderoso, pastoso y emotivo sonido donde la intencionalidad estuvo marcada por los perfectos ataques y respiraciones, además de diálogos sensibles producto de fraseos intencionados. En el “Allegro” inicial fue evidente el arco expresivo y los bellos diálogos entre cada uno de los instrumentos, en medio de balances perfectos.

Su segundo movimiento “Scherzo-Allegro molto” sorprendió con la perfección y carácter de los stacattos, tanto como el juego dinámico y sus articulaciones. En “Adagio” que le sigue dieron rienda suelta a una dolida expresión. En este movimiento cada intérprete tiene oportunidad de mostrar sus cualidades técnicas y musicales dentro de su severa serenidad. El cuarto y final “Allegro” recibió una interpretación entre apasionada y jubilosa, diferenciando el carácter de cada una de las secciones en que se divide, excelente nos pareció el manejo dinámico tanto como la progresión dramática. El público no ahorró sus manifestaciones de admiración ante la estupenda versión, por ello agradecieron interpretando una parte de una obra de Piazzolla.

Jacob Obrecht (1457(8) - julio de 1505)

2008-10-01T11:15:00.000-07:00

Nació en Gante en 1457 o 1458. Hijo único del destacado trompetista Willem Obrecht y de Lijsbette Gheeraerts. Su famoso retrato pintado en 1496 lo menciona como de 38 años, lo que ha permitido ubicar con mayor precisión su año de nacimiento.
Como todo compositor de aquella época, no se cuenta con información certera de sus primeros años. En 1480 un documento oficial lo menciona por primera vez. Jacob Obrecht acababa de ser ordenado sacerdote y con el título de maestro en artes. Es muy probable que en aquellos años de juventud, Obrecht ingresara a alguna universidad y que gracias a su padre aprendiera a tocar la trompeta y el arte del contrapunto.
Entre 1479 y 1484, periodo en el que se ordenó sacerdote, fue maestro de canto en la iglesia de Santa Gertrudis y en la Cofradía de Nuestra Señora de Berg-op-Zoom.
En 1484 fue nombrado maestro de los cantores del coro de la catedral de Cambrai, un trabajo importante y reconocido, pero que sobrepasó a Obrecht, especialmente en el cuidado de los niños del coro. En febrero del siguiente año, presentó una solicitud para el puesto de sochantre en la colegiata de San Donaciano de Brujas. El puesto acababa de quedar libre, pero Obrecht, no lo ocupó hasta noviembre de 1485.
Entre 1492 y 1496, años en los que fue maestro de canto de Nuestra Señora de Amberes, compuso sus principales obras: las misas Maria zart, Sub tuum praesidium y el motete Salve Regina III.
Obrecht hizo al menos dos viajes a Italia, el primero en 1487 por invitación del Duque Ercole I del Este de Ferrara, y el segundo en 1505 . El Duque había escuchado la música de Obrecht, que se sabe fue difundida en Italia entre 1484 y 1484, y al parecer la apreciaba por sobre toda la música de los otros compositores de la época. En consecuencia, invitó a Obrecht a Ferrara por seis mses en 1487.
Durante el segundo viaje, el Duque muere, con lo que Obrecht queda sin su patrocinador y admirador. Después de varios meses sin empleo permanente murió a causa de la plaga en julio de 1505.

Festival Beethoven 2008

2008-09-29T19:10:00.000-07:00

Descubren partitura inédita de Mozart en Nantes

2008-09-17T21:28:00.000-07:00

Según este matutino, investigadores de un instituto alemán fueron quienes descubrieron esta obra de Wolfgang Amadeus Mozart, entre un montón de partituras.

Los investigadores "sabían que en la Mediateca teníamos documentos sobre Mozart, pero no se esperaban un hallazgo semejante", indicó Yannick Guin, concejal en Nantes y ex adjunto para Cultura, citado por Presse-Ocean.

El documento está en dos partes, según un músico nantés interrogado por el rotativo regional y que vio la partitura: primero una "pieza en compás de cuatro tiempos (...) un credo en re mayor, y una segunda parte que sería un primer borrador, a veces ilegible".

Wolfgang Amadeus Mozart, nacido en Salzburgo en 1756, se instaló en Viena en 1781, donde murió diez años más tarde, a los 35 años de edad, y donde compuso sus más grandes piezas musicales.

José Carreras conquista Hyde Park

2008-09-15T10:23:00.000-07:00

El céntrico parque de la capital británica destacó como 'punto caliente' de la velada, junto al también londinense Royal Albert Hall, que ha acogido gran parte de los más de ochenta conciertos que han tenido lugar desde el pasado 18 de julio, cuando arrancó el festival.

Más allá de Londres, la magia de los 'Proms' se dejó sentir en Belfast (Irlanda del Norte), Glasgow (Escocia) y Swansea (Gales) con sendos recitales al aire libre, toda vez que la BBC retransmitió los cinco conciertos por televisión, radio e Internet.

En Hyde Park, Carreras, que triunfó hace años como miembro de los legendarios 'Tres Tenores' (Plácido Domingo, el fallecido Luciano Pavarotti y él mismo), sedujo a los espectadores con varios temas líricos italianos, como 'Chitarra romana', de Eldo Di Lazaro.

En un escenario flanqueado por dos pantallas gigantes, el tenor, vestido de solemne traje oscuro, como el manto de la noche que cayó sobre Hyde Park, se salió del repertorio operístico y sorprendió con una vibrante interpretación del tango 'Lejana tierra mía', del inolvidable Carlos Gardel, muy aplaudido por el respetable.

También cosecharon aplausos la soprano británica Lesley Garrett y el violinista de origen alemán David Garrett, apodado el 'David Beckham del violín'.

En ese programa de música clásica se abrieron un hueco los desenfadados sonidos de 'Bjorn Again', una banda de tributo a ABBA que tocó canciones del mítico grupo sueco, como 'Mamma Mia' y 'Dancing Queen', muy entonadas y bailadas por los 'prommers', como se denomina cariñosamente a los aficionados al festival.

No muy lejos del parque, el público que abarrotó el Royal Albert Hall, cuya monumental arquitectura exterior parece evocar una plaza de toros, disfrutó de la magistral batuta de Roger Norrington al frente de la Orquesta Sinfónica de la BBC.

Obras de Beethoven, Wagner, Puccini y Verdi -entre otros compositores- provocaron una explosión de ovaciones constantes en el auditorio, que, como dicta la costumbre, agitaba con entusiasmo banderitas británicas y de otras naciones.

La desbordada pasión de las audiencias en los cinco conciertos volvió a demostrar el gran tirón popular del certamen, que enamora a los británicos -y a los turistas- tanto por el precio asequible de las entradas, que empieza desde cinco libras (poco más de seis euros), como por la variedad y calidad de sus propuestas musicales.

De hecho, los 'Proms' atrajeron este año a músicos de la categoría del británico Simon Rattle, director de la Orquesta Filarmónica de Berlín, y del pianista argentino-israelí Daniel Barenboim, conductor de la West-Eastern Divan Orchestra, que fundó en 1999 al alimón con el político y pensador palestino Edward Said.

El clímax de la velada llegó cuando las pantallas gigantes de Londres, Belfast, Glasgow y Swansea conectaron con el Royal Albert Hall para escuchar las tradicionales melodías patrióticas, como la emotiva 'Marcha de pompa y circunstancia número 1', de Edward Elgar.

Los asistentes, algunos disfrazados con pintorescas pelucas de colores chillones, tomaron parte activa tarareando, silbando y acompañando con las palmas algunas de las canciones más conocidas, entre ellas la muy inglesa y pretenciosa 'Rule, Brittania!'.

La fiesta culminó -cómo no- con el himno nacional, el famoso 'Dios salve a la reina', coreado con frenesí por la concurrencia.

Los 'Proms', cuyo nombre es una abreviación de 'promenade concert' (concierto de música clásica en el que parte del público permanece de pie en una zona reservada al efecto), dijeron adiós con un castillo de juegos artificiales que iluminó el cielo de Londres.

Italia homenajea a Pavarotti en el primer aniversario de su muerte

2008-09-06T09:46:00.000-07:00

La norteña Módena, donde nació Pavarotti hace 72 años, recordó hoy a su hijo más famoso en todos los rincones de la ciudad emiliana. Desde primeras horas y durante toda la jornada la voz de "Big Luciano" y las óperas que interpretó se escucharon por todas las calles, gracias a un sistema de hilo musical instalado por el Ayuntamiento.

Los escaparates de las tiendas, especialmente las del centro, exhiben fotos de Pavarotti, discos, libros, imágenes del tenor y otro material relacionado con el famoso cantante, fallecido el 6 de septiembre del 2007 en la ciudad que le vio nacer debido a un cáncer de páncreas.

La jornada en recuerdo de Pavarotti comenzó con un misa celebrada en el monasterio de Baggiovara, a la que asistieron Giuliana, Cristina y Lorenza, las tres hijas que tuvo el tenor con su primera esposa, Adua Veroni.

También asistió el alcalde de Módena, Giorgio Pighi; y la hermana del tenor, Gabriella.

Después los homenajes se trasladaron al cementerio de Montale, donde descansan sus restos junto a los de sus padres, Fernando y Adele, y de Riccardo, el hijo que tuvo con su segunda esposa, Nicoletta Mantovani, que no sobrevivió al parto en el que nació su hija Alice.

En la tumba se colocaron ramos de flores y se guardó un momento de silencio. Al acto asistió también el alcalde Pighi.

El acto más importante de homenaje a Pavarotti será esta noche, cuando en el Teatro Municipal, que lleva su nombre, la Orquesta y Coros del Teatro Reggio, dirigida por Aldo Sisillo, interprete la "Misa de Requiem", de Verdi. Mañana, día 7, la orquesta repetirá el concierto.

En esta jornada, el Presidente de la República, Giorgio Napolitano, envió un mensaje al alcalde Pighi en el que alabó las iniciativas en honor de Pavarotti, del que dijo era "inimitable".

"La muerte de Pavarotti ha privado al mundo de la lírica de un protagonista absoluto, del que recordaremos durante muchos años la profunda maestría en el arte del canto, la intensidad expresiva, su humanidad y el compromiso social que lo convirtieron en una figura conocida y apreciada en todo el mundo y para muchos inimitable", escribió el Jefe del Estado.

Napolitano agregó que la "extraordinaria herencia" artística de Pavarotti pertenece al patrimonio universal de la música "y contribuye a mantener viva la sensibilidad hacia una forma expresiva que ha tenido y aún conserva un gran apoyo popular".

Además de en Módena, en la cercana ciudad de Bolonia se oficiará otra misa por el alma del tenor, que se celebrará en la iglesia parroquial de San Juan del Monte, oficiará el obispo auxiliar, Ernesto Vecchi, y a la que asistirá la viuda, Nicoletta Mantovani.

Coincidiendo con este primer aniversario, la casa de discos Decca, que en los últimos meses ya reeditó las obras más célebres del tenor, anunció que sacará en fechas próximas una versión especial de La Bohême, la histórica ópera que interpretó Pavarotti con Mirella Freni y dirigió Herbert von Karajan con la Filarmónica de Berlín.

Además del concierto en el Teatro Municipal "Luciano Pavarotti", Módena homenajea también hoy a su hijo más famoso con la exposición fotográfica "Luciano Pavarotti y Módena".

Se trata de un gran panel de dos metros de altura y 35 metros de largo en el que se exponen las 17 fotografías consideradas más significativas del tenor. La exposición, instalada en el Teatro Municipal, permanecerá abierta hasta el 5 de octubre.

La sureña Nápoles recordará mañana, día 7, a Pavarotti en su edición anual de la fiesta de "Piedigrotta", en la que tenor español José Carreras le rendirá un homenaje.

Roma, que ayer abrió las conmemoraciones con una acto institucional presidido por el ministro de Cultura, Sandro Bondi, al que asistió Nicoletta Mantovani, lo recordará con la exposición itinerante "Luciano Pavarotti, el hombre que emocionó al mundo".

La exposición, que se abrirá el próximo 16 de octubre en el Complejo del Vittoriano, en la monumental Plaza Venecia de Roma, recorre los más de 40 años de trayectoria artística y humana del tenor a través de imágenes, documentos, testimonios inéditos, premios y trajes de escena.

La viuda del tenor, emocionada, aseguró que Pavarotti estaría "muy feliz" con estos homenajes.

Transcurrido un año de su desaparición, Italia no le olvida, al igual que Nicoletta Mantovani, que dijo que echa de menos "la felicidad de vivir, la alegría y el amor por los demás de Luciano".

EFE

Los BBC Proms homenajean a Olivier Messiaen

2008-09-03T08:07:00.000-07:00

Los BBC Proms homenajean a Olivier Messiaen (1908-1992) en el centenario del nacimiento del gran compositor francés, amante del canto de los pájaros y autor de una famosa ópera sobre la vida y muerte de San Francisco.
Uno de los puntos culminantes de esas celebraciones fue la interpretación, este martes, por la Filarmónica de Berlín bajo la dirección de Simon Rattle de su "Sinfonía Turangalia", parte central de la trilogía que Messiaen dedicó a la leyenda de Tristán.

"Turangalia" no es una obra típica del repertorio del conjunto berlinés, pero el maestro de la batuta británica ha abierto a los músicos de la Filarmónica a las vanguardias del siglo XX y la música contemporánea en general con un resultado que sólo cabe calificar de extraordinario.

Rattle es un director capaz de sacar lo mejor de una orquesta, como lo ha demostrado también al frente de otros conjuntos menos prestigiosos, y la interpretación de la pasada noche, con el pianista Pierre-Laurent Aimard y Tristan Murail, que tocó el elemento electrónico conocido como "ondes martinot", como acompañantes fue de las que marcan época.

Mañana, jueves, le toca el turno al "Cuarteto para el Final de los Tiempos", una de las obras para cámara más luminosas del pasado siglo, compuesta por Messiaen mientras estaba encerrado como prisionero de guerra de los alemanes en un campo de concentración en Polonia.

La ópera, que Messiaen escribió pensando en tres compañeros de reclusión, un clarinetista, un violinista y un violonchelista, se estrenó el 15 de enero de 1941 ante una audiencia de prisioneros y sus guardianes.

Sus intérpretes en el Royal Albert Hall londinense serán mañana Martin Fröst (clarinete), Anthony Marwood (violín), Matthew Barley (violonchelo) y Thomas Larcher (piano).

El último concierto de homenaje será el próximo domingo cuando podrá escucharse en el auditorio, en versión concertante, la ópera "San Francisco de Asís" a cargo de la Filarmónica de la Haya y el Coro de la Ópera de Holanda, dirigidos por Ingo Metzmacher.

Josefowicz encantó al público chileno con su talento en el Teatro Oriente

2008-08-30T13:38:00.000-07:00

Con toda la intimidad y la comunicación directa que ofrece la música de cámara, el regreso a los escenarios locales de Leila Josefowicz tuvo una carga emocional fuerte, que fue incrementada por su gran calidad artística, y que resaltó durante todo un concierto del más alto nivel.La violinista canadiense se presentó en un Teatro Oriente repleto, junto al pianista John Novacek, su habitual compañero en música de cámara. Ambos conforman una sólida y afiatada dupla, fruto de una larga y estrecha colaboración.

El programa comenzó con el Scherzo en Do Menor de Brahms. Un punto de partida ágil y que resaltó el virtuosismo de ambos músicos en esta breve pieza. Fue una interpretación que resaltó el lado más romántico del compositor germano, con todo el ímpetu que rebosa gran parte de su producción camerística.

Luego vino la Sonata en Fa Menor Op.80 de Sergei Prokofiev. A pesar de tratarse de una partitura oscura, sombría, Josefowicz y Novacek lograron hacer de ésta, una música reluciente, sin caer en patetismos exagerados. La violinista se lució en el pausado tercer movimiento subrayando con gran fuerza sus partes, lo que fue rematado en el allegrissimo final. Una prueba de fuego para violinistas, con sus constantes pizzicatos que requieren un intérprete en su mejor forma.

La segunda parte del concierto comenzó con el Duo Concertante de Stravinsky. Tratado como si fuera un auténtico Concierto para Violín, la dupla manejo con gran objetividad cada uno de los movimientos de esta suite neoclásica. Siguió la obra “Conversio” del compositor contemporaneo de Estonia, Erkki-Sven Tüür. Fue lo más llamativo de la noche, además de lo más aplaudido, debido a su lenguaje original. Desde un comienzo con dinámicas muy suaves y muy pianissimo, la pieza va incrementando su poder expresivo, con pasajes intrincados, y donde los silencios juegan un rol fundamental. Un magnífico ejemplo de la originalidad del compositor, que se impregna del alto nivel de Josefowicz y su acompañante.

Seguida la ovación, vino la última pieza del programa, el Rondo en Si Menor de Franz Schubert. Toda la expresividad melódica retorno a las manos del tándem para redondear un programa que fue variado en lo estílistico, y parejo en lo interpretativo. La rotunda aceptación y los calurosos aplausos hicieron retornar a la violinista y su compañero para interpretar un arreglo de la pieza “Smile” de Charles Chaplin. Fue una ejecución muy libre, cercana al jazz, y que sirvió de aperitivo de despedida para un concierto emocionante.

Por Álvaro Gallegos M.

Heinrich Isaac (c.1450 - 26/03/1517)

2008-08-25T12:00:00.000-07:00

Compositor flamenco nacido entre los años1450-55 al sur de los Países Bajos. Se le conoce también como Arrigo il Tedesco, es recordado como uno de los compositores contemporáneos a Josquin des Prez más importantes e influyentes. Tras un breve paso por la corte del emperador Maximiliano I de Habsburgo, del cual se registran sus primeras composiciones y donde tuvo la oportunidad de viajar por Europa, ingresa al servicio de la familia Médicis por diez años. Primero se desempeño como contante en la iglesia de San Giovanni, pero no pasó mucho en que sus habilidades le llevaran a asumir el puesto de organista. Se casó en 1494 con Bartolomea Bello en Florencia una vez cesada su labor para los Médicis, sin embargo el matrimonio, aparentemente, no tuvo hijos.
En noviembre de 1496 viaja a Vienna para servir como compositor en la corte del Emperador Maximiliano I. En estos años, Isaac se transformó en referente para muchos compositores alemanes de la época. La belleza y calidad de sus obras, las cuales son más de 100 misas, docenas de motetes y canciones seculares, han inducido a muchos a considerarlo como el segundo de sus contemporáneos, sólo detrás de Josquin des Prez. Incluso en una carta de recomendación de aquellos años se les compara así “Isaac es de mejor naturaleza que Josquin, y si bien es cierto que Josquin es mejor compositor, él compone sólo cuando quiere, y no cuando se le pide; Isaac compondrá cuando usted lo requiera.”
El 26 de marzo de 1517, a tres años de su regreso, Heinrich Isaac fallece en Florencia.

Leila Josefowicz en Chile

2008-08-25T11:06:00.000-07:00

Josefowicz saltó a la dama en 1994, cuando debutó en el Carnegie Hall bajo la dirección de Sir Neville Marriner. A partir de allí ha desarrollado una brillante carrera, realizando grabaciones para el sello Philips y actuaciones en todo el mundo.

Las entradas para este concierto están a la venta en boleterías del Teatro Oriente y los precios son de 25 mil pesos la platea, y 30 mil pesos la platea baja.

Mas información en su sitio oficial:
http://www.leilajosefowicz.com

Falleció destacado violinista de la Sinfónica de Chile

2008-07-20T12:17:00.001-07:00

Con música interpretada en su homenaje por quienes fueron sus compañeros durante muchos años en la Sinfónica de Chile, será despedido el violinista Juan Sebastián Leiva González, quien falleció este sábado 19 de julio, a los 45 años de edad, a causa de un cáncer gástrico que lo mantuvo hospitalizado durante un año.

Sus funerales se realizarán este lunes 21 de julio, luego de una misa que se oficiará a las 09:30 horas en la Iglesia Santa Ana, ubicada en Catedral con San Martín, Metro Santa Ana. Desde allí el cortejo fúnebre se dirigirá hacia el Cinerario del Cementerio Parque del Recuerdo.

Leiva inició sus estudios de violín el año 1971 en el Conservatorio de la Universidad de Chile con la profesora Isis Muñoz. Desde temprana edad se dio a conocer por su gran talento y entusiasmo por el violín y en sus presentaciones llamó la atención por su madurez interpretativa y la belleza en su sonido, cualidades que lo hicieron merecedor de la máxima distinción en su examen de título el año 1992, en el Instituto de Música de la Universidad Católica de Chile.

Durante esos años ya había participado como músico en todas las orquestas profesionales del país y en 1988 se incorporó a la Orquesta Sinfónica de Chile como miembro estable, agrupación en la que formaba parte de los Primeros Violines.

Durante la década de los 90 fue profesor titular de la cátedra de violín del Instituto Profesional Escuela Moderna de Música, labor que desempeñó paralelamente a la música de cámara.

Cristina Gallardo-Domâs liderará encuentro de la ópera en España

2008-06-06T13:31:00.000-07:00

El Campus de Excelencia reunirá a 15 premios nobel (de economía, física, química y medicina) y otras destacadas personalidades mundiales (desde el ex premier francés Michel Rocard al rector de la UNAM de México, José Navarro), quienes intercambiarán sus conocimientos con 100 estudiantes de 15 universidades internacionales y 45 españolas. El encuentro anhela ser una plataforma de discusión de proyectos innovadores.

"El Campus de Ópera se enmarca por primera vez dentro de esta iniciativa global. Decidimos reunir a primeras figuras mundiales con aquellos que ya han empezado exitosamente sus carreras”, dice a este diario el director del Campus de Excelencia, José Ramón Calvo. Entre los asistentes estarán Simonetta Puccini, nieta del reconocido compositor Giacomo Puccini, y Joaquín Turina, crítico de música y nieto del homónimo creador musical, además de renombrados artistas, periodistas especializados y veinte alumnos de canto de escuelas de Japón, Estados Unidos, Corea del Sur, Australia, Italia y España. De Chille intervendrá, en el debate acerca de Puccini, el crítico de ópera de “El Mercurio’’ y editor de “Reportajes’’ del mismo diario, Juan Antonio Muñoz.

Según Calvo, Gallardo-Domâs fue seleccionada de manera natural para el desafío. “Cristina es una de las mejores sopranos del mundo, ha recibido todos los galardones habidos y por haber por sus interpretaciones y está reconocida en todos los teatros como la persona que mejor interpreta, por ejemplo, a Puccini. Entonces era un lujo imposible de evitar tenerla y va a seguir dirigiendo el Campus de Ópera los próximos años. Además, nuestra relación personal es muy estrecha”, comenta.

Calvo explica que durante el encuentro, los estudiantes tendrán, por la mañana, clases magistrales con Gallardo-Domâs y otros tres artistas, para trabajar sobre técnicas vocales, repertorios, estilos y formas de interpretación, en los que estarán presentes compositores, musicólogos, agentes artísticos, críticos y directores de teatros y musicales.

Por la tarde habrá sesiones de mesas redondas dedicadas a debatir sobre asuntos como la higiene vocal, donde participarán otorrinos y especialistas médicos que han tratado a figuras como Plácido Domingo y José Carreras.

También se desarrollará una sesión con el mayor compositor de ópera en español en la actualidad —según Calvo—, el mexicano Daniel Catán (quien compone una ópera basada en “Ardiente paciencia’’, de Skármeta) y también la ópera será analizada desde una óptica comercial con empresarios del Teatro alla Scala de Milán y la Deutsche Opero de Berlín.

EMOL

Los daños por el incendio de la Filarmónica son menores de lo que se temía

2008-05-22T07:58:00.000-07:00

"Soy optimista", añadió el político al comentar el alcance del incendio, que se inició al mediodía del martes, fue controlado llegada la noche y se encuentra extinguido desde esta madrugada, aunque un retén de bomberos permanece en el lugar por si surgiese algún rescoldo.

El fuego se inició al parecer durante unas labores de reparación de soldadura en el edificio y se extendió por el entretecho de la Filarmónica, que se encuentra cubierto por un tejado de metal.

Los bomberos se vieron obligados a abrir grandes agujeros en las placas metálicas del tejado para poder sofocar el incendio, que dio lugar a una fuerte humareda.

La intendente de la Filarmónica, Pamela Rosenberg, decidirá al parecer esta tarde dónde se llevaran a cabo los próximos ensayos y conciertos de la Filarmónica a las órdenes de Claudio Abbado.

Schmitz señaló en ese sentido que "las posibilidades de que podamos volver a ocupar la Filarmónica en breve son muy grandes" y subrayó que “se hará todo lo posible por mantener el amplio programa de conciertos” de la prestigiosa orquesta.

Añadió que el propietario del edificio es la ciudad-estado de Berlín y que la sede de la Filarmónica se encuentra debidamente asegurada para hacer frente a este tipo de siniestros.

Riccardo Muti, director musical de la Sinfónica de Chicago

2008-05-09T08:53:00.000-07:00

El maestro italiano de 66 años será el décimo director de la orquesta.

Deborah Card, presidenta de la sinfónica, anunció la mañana del lunes que Muti firmó un contrato de cinco años y que comenzará sus labores en la temporada 2010-2011. El cargo estuvo vacante desde la partida de Barenboim.

Bajo los términos del contrato, Muti dirigirá un mínimo de 10 semanas de conciertos cada temporada, además de giras nacionales e internacionales.

Como director musical designado, Muti encabezará la orquesta y su coro en sus interpretaciones del Réquiem de Verdi el próximo 15, 16 y 17 de enero, dijo Card.

Nativo de Naples, Muti dirigió por primera vez a la Orquesta Sinfónica de Chicago como invitado en el Festival de Ravinia en 1973. Rumores de que podría asumir el máximo puesto comenzaron a circular tras su exitosa gira europea con la orquesta el año pasado.

"Desde el momento en que el maestro Muti subió al podio a principios de esta temporada, fue evidente de inmediato que algo realmente especial estaba ocurriendo", dijo Card en un comunicado. "La relación entre el maestro Muti y nuestros músicos es eléctrica, y la creación musical fue increíble".

Muti llamó la atención de la crítica en 1967 cuando ganó una importante competencia para directores en Milán. Rápidamente fue designado a importantes cargos en Florencia y Londres. Ha sido director invitado regular del Festival de Salzburgo desde 1971 y es considerado por muchos como un excepcional intérprete de Mozart.

En Estados Unidos, es mejor conocido por su trabajo como director de la Orquesta de Filadelfia, desde 1980 hasta 1992.

Su más prestigiosa designación, como director musical de La Scala de Milán, comenzó en 1986 y terminó con su renuncia en abril del 2005, en medio de una amarga controversia luego que sus diferencias artísticas y de programación con el ex gerente general de la casa de la ópera, Carlo Fontana, llevaran a un conflicto con los músicos tras el despido de Fontana.

Alexander Agricola (c.1446-1506)

2008-05-07T09:58:00.000-07:00

A los 25 años es contratado por el duque de Milán Galeazo Maria Sforza, donde pasa a pertenecer, como cantante, a una de las más prestigiosas agrupaciones musicales de Europa, acompañado de figuras como Loyset Compère, Johannes Martini, Gaspar van Weerbeke, entre otros.
Tras cuatro años en Milán, el duque recomienda a Alexander Agricola a Lorenzo de’ Medici, lo que lo lleva a Florencia por un corto período. Su reputación como compositor ya le hacía famoso por las cortes de Europa, trabajó en Cambrai y posteriormente en la corte real francesa, donde pudo desarrollar a plenitud su trabajo.
Finalmente integra la corte de Felipe I de Catilla “El Hermoso”, a quien acompañó en sus viajes hasta encontrar la muerte, producto de la plaga, el 15 de agosto de 1506 en Valladolid, España.
En su época, fue un compositor muy estimado. Compuso nueve misas, 19 motetes y 93 canciones con textos en varios idiomas europeos. Gran número de sus composiciones se hallan en las bibliotecas de España esperando ser publicadas y analizadas en profundidad. De entre las conocidas y rescatadas, destacan Petrucci (impresa en 1552 y 1553) y Treinta y Una Canciones; también cuenta con un volumen con cinco misas que tienen los títulos Le Serviteur, Je ne demande, Malheur me bat, Primi toni y Secundi Toni.

Encuentran partitura desconocida de Johann Sebastian Bach

2008-04-16T20:46:00.000-07:00

"Bach separó primero los versos del Coral, una conocida canción religiosa, y adornó las distintas partes trabajándolas para órgano. Se encontraron incluso motivos de ese tratamiento", explica Stephan Blaut, uno de los descubridores de la pieza.

Por sus cualidades estilísticas, los estudiosos sitúan la fecha de la obra (que dura entre 5 y 7 minutos), entre los años 1705 y 1710. La pieza se encuentra en una trascripción de Wilhelm Rust (1822-1892), quien fuera cantor y director musical en la Iglesia Luterana de Santo Tomás de la ciudad alemana de Leipzig. Bach mismo ocupó ese puesto desde 1723 hasta su muerte. Rust obtuvo buenas ganancias como editor de los 26 tomos de la primera edición de las obras completas de Bach, de cuya edición fue el principal responsable desde 1858. La biblioteca de la universidad había adquirido en una subasta parte del legado de Rust. La Fantasía del músico fue descubierta entre esos materiales por Blaut y Michael Pacholke, quienes trabajan en la publicación de la obra de Haendel.

Fidelio bajo la direcciòn de Abbado en el Teatro Real de Madrid

2008-04-14T09:18:00.000-07:00

Ocho años después de la segunda versión de Leonore, Beethoven decidió revisar a fondo su partitura, para lo que contó con la ayuda del poeta, dramaturgo y actor Georg Friedrich Treitschke. El resultado, con el título de Fidelio, se estrenó el 23 de mayo de 1814 en el Kärntnertortheater, con una excelente acogida. Desde entonces, la obra se ha considerado un himno a la libertad, al amor y la fraternidad universal, y constituye, a pesar de sus debilidades y su diversidad estilística, una composición única dentro de la historia de la ópera. Tanto Wagner como Berlioz resaltarían las más altas intuiciones musicales en las partes puramente sinfónicas o, en su defecto, no sujetas a las leyes de la escena, lo cual queda de relieve sobre todo en esta tercera y definitiva versión de la ópera, en la que las exigencias de la trama fueron ampliamente sacrificadas para destacar el significado profundo del drama y la visión ética del músico, que vio en el heroísmo de Leonora la tensión hacia los más altos ideales de la humanidad.
Las funciones están programadas para este 21 y 23 de abril de 2008.
Fidelio
Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Ópera en dos actos
Libreto de Josef Sonnleithner, Stephan von Breuning, y Georg Friedrich Treitschke, basado en el libreto francés de Jean-Nicholas Bouilly Léonore, ou L’amour conjugal. Bärenreiter-Verlag; Alkor-Edition. Editores y propietarios
Proyecto coproducido por el Teatro Real, los Teatros de Reggio Emilia, Comunale de Módena y Ferrara y el Festival de Baden-Baden
CORO ARNOLD SCHÖNBERG
CORO DE LA COMUNIDAD DE MADRID
MAHLER CHAMBER ORCHESTRA

Loyset Compère (c.1445 - 16/08/1518)

2008-03-26T18:38:00.000-07:00

Durante 1470 Compère se desempeñó en la capilla del duque Galeazzo Maria Sforza, como cantante, teniendo como compañeros a Johannes Martini y Gaspar van Weerbeke consolidando al conjunto como uno de los más famosos de toda Europa hasta el asesinato del duque en 1476. Posteriormente, prosiguieron años turbulentos para Compère. Acompañó a Carlos VIII en la invasión de Italia en 1494, llevando su arte en medio de la campaña bélica, hasta la invasión de Roma al año siguiente.
Aquellas experiencias entregaron a Compère un inmenso material para motetes y chansons que se conservan hasta nuestros días y que integran a menudo discografía renacentista. También se cuenta en su obra una enrome producción de misas breves, magníficats y algunas piezas religiosas atribuidas a su pluma.
Luego de su experiencia en la ciudad de Roma, los servicios de Loyset Compère se concentraron en iglesias. Cambrai, Douai y finalmente en St. Quentin donde encontró la muerte el 16 de agosto de 1518.

Los mitos de Marco Polo

2008-03-13T08:31:00.000-07:00

por Dr. Holmes

Gran revuelo ha causado en Chile el arribo de Ennio Morricone. Sus melodías profundamente impregnadas en casi cuatro generaciones, que han gozado del cine, de grandes producciones del séptimo arte luchan descarnadamente por conseguir las entradas para sus conciertos. Si bien sus composiciones más renombradas siguen siendo un manjar para mis oídos, donde danzan las repetidísimas melodías de La Misión o aquellos trotes del Western, existe una partitura suprema, maravillosa, olvidada y desconocida, que por sí sola engrandece al músico italiano: Marco Polo.
Marco Polo fue una exitosa mini serie de la RAI para la televisión. La ambientación, su fotografía y por supuesto la banda sonora son increíblemente bellas. El mega proyecto contó con un elenco de lujo: Ken Marshall, Denholm Elliott, Burt Lancaster, Leonard Nimoy, entre otros. Las aventuras del joven mercader de Venecia quedan plasmadas con una gran elegancia. Las locaciones resultan espectaculares, incluso para hoy en día. Inolvidable son los pasajes por el desierto o aquellas inhóspitas tierras del Kublai Khan.

Lamentablemente la serie fue tijereteada por la televisión estadounidense, argumentando que era muy extensa y debían adecuarla para un público masivo. Grueso error y mayúscula ofensa para una magnífica obra. Morricone furioso al ver sus ambientaciones interrumpidas, que terminaron en un salto sin sentido de melodías, decidió vetar la obra. Nunca más la interpretaría y quedaría solamente aquella opera prima en vinilo.

Durante muchos años circulo aquella grabación. A mis manos llegó de muy mala calidad, pero mantenía aquella maravillosa ambientación medieval de forma intacta. Hace poco se rompió el primer mito: Marco Polo apareció en un CD doble, que incluía la musicalización completa que Morricone tejió en 1982.

Un CD maravilloso. El primer corte es de altísimo vuelo, delicado y sublime. Para destacar estan las pistas Nostalgia Del Padre, Il Lungo Viaggio Inizia, Marco Polo E I Mongoli, La Leggenda Della Grande Muraglia, entre otros.
El segundo mito de Marco Polo se romperá el 19 de marzo en Chile: Por primera vez Ennio Morricone interpretará aquella bellísima partitura en vivo. Sin duda un panorama que hace una década habría sido completamente inverosímil…y aún lo es.

Confirmado segundo concierto de Morricone y Sinfónica de Roma

2008-03-13T07:16:00.000-07:00

A esta hora Celfin Capital, la compañía que trae al genio y figura de la música italiana, define el día del segundo concierto, aunque ya está claro que será el jueves, viernes o sábado santo, sólo uno o dos días después de su primera presentación.

Además, se doblará la cantidad de entradas-invitaciones disponibles con respecto al primer concierto de Morricone. Para la cita del miércoles 19 se habían entregado cinco mil tickets al público a través de un sistema on line que colapsó rápidamente debido al fervor de la demanda. Cien mil personas quisieron obtener su ticket, pero sólo cinco mil llegaron a buen puerto. Y se agotaron en quince minutos.

El segundo concierto será absolutamente ciudadano, con diez mil entradas que se distribuirán dentro de los próximos días. Celfin Capital evalúa a esta hora también un sistema de acceso más eficiente que el que produjo el colapso, la frustración y el enojo del público que no logró acceder a un boleto.

La misión musical de Morricone

El compositor italiano llegará a Chile este lunes 17 acompañado de la Orquesta Sinfónica de Roma, formada por 107 músicos. A ellos se unirán en Santiago las 104 voces del Coro Sinfónico de Chile.

El programa de la jornada incluirá algunas de sus célebres obras para spaghetti westerns de los años ’60 como “El bueno, el malo y el feo”, además de temáticas incluidas en bandas sonoras de películas como “Cinema paraiso” y “La misión”.

El concierto original será transmitido en directo por las 20:00 horas por la señal de cable de Canal 13, mientras que la señal abierta lo hará a las 23:15.

Filarmónica de Nueva York llega a Seúl tras su viaje a Pyongyang

2008-02-27T06:19:00.000-08:00

A su llegada al aeropuerto internacional de Incheon, el director de la orquesta estadounidense, Lorin Maazel, manifestó haber recibido una bienvenida "más cálida de lo esperado" por parte de los norcoreanos.

Maazel aseguró que este concierto fue la mejor experiencia, ya que demostró que la música es el instrumento que acerca a la gente.

Una delegación de 280 estadounidenses, formada por los 105 músicos de la orquesta y decenas de periodistas, entre otros, llegó este lunes a Pyongyang para ofrecer el concierto.

Esta fue la primera actividad cultural entre Corea del Norte y EE.UU. en seis décadas de enfrentamientos, en la que se interpretaron los himnos de ambos países además de otras piezas musicales de Wagner, Dvorak, Gershwin y la popular canción coreana "Arirang".

Horas antes de viajar a Seúl, la Orquesta Filarmónica de Nueva York ofreció además un concierto en Pyongyang junto a la Orquesta Sinfónica de Corea del Norte, por primera vez en los 166 años de historia del conjunto estadounidense.

La Orquesta Filarmónica de Nueva York tiene previsto ofrecer mañana jueves un concierto en Seúl.

Concierto en Corea será visto en todo el mundo

2008-01-26T05:51:00.000-08:00

La orquesta comenzará interpretando los himnos de Estados Unidos y Corea del Norte, luego tocará el Preludio al Acto III de la ópera "Lohengrin", de Richard Wagner; la Novena Sinfonía de Anton Dvorak y "Un americano en París", de George Gershwin.

El concierto será en el Gran Teatro de Pyongyang, tras una gira de la Filarmónica por Taiwán, Hong Kong, Shanghai y Pekín. El grupo, que estará en la República Democrática de Corea del 25 al 27 de febrero, partirá luego hacia Seúl, en Corea del Sur, donde ofrecerán un concierto el 28 de febrero.

El espectáculo ha sido comparado con las visitas orquestales de Estados Unidos a la Unión Soviética en la década de 1950 y la "diplomacia del ping-pong" con China en la década de 1970, y ocurre en un marco de esfuerzos internacionales para que Corea del Norte ponga fin a su programa nuclear.

Ennio Morricone dará un concierto gratuito en Chile el 19 de marzo

2008-01-10T07:31:00.000-08:00

El encuentro ya se perfila como el gran hito musical de 2008. Por primera vez, el público chileno tendrá la oportunidad de escuchar en vivo y en directo algunas de las partituras más emblemáticas del cine contemporáneo, y de la mano de su propio creador. Porque para el 19 de marzo y en Santiago está fijado un multitudinario concierto gratuito que ofrecerá el venerado compositor italiano Ennio Morricone (79). El creador más importante del séptimo arte actual es invitado por la empresa Celfin Capital, que celebra sus 20 años, y tiene el patrocinio de "El Mercurio" y Canal 13.

Según Augusto Giusti, gerente de marketing de Celfin Capital, la empresa viene gestionando la visita de Morricone desde marzo de 2007. Añade que el contrato se firmó en noviembre pasado, cuando vino a Chile su representante, Enrico Porreca. El concierto será en un lugar aún por definir en la comuna de Vitacura y por exigencias del propio músico no podrá exceder las 10.000 personas. Para asistir, entonces, habrá que retirar entradas en un lugar que aún no se anuncia.

Morricone llegará a Chile el día 15 de marzo, pero no vendrá solo. Todo lo contrario: lo acompañará una comitiva de 115 personas, entre ellos los 107 músicos de la Orquesta Sinfónica de Roma y equipo técnico. Aquí lo estarán esperando las 104 voces del coro de la Universidad de Chile, que antes habrán ensayado con un director de confianza del compositor. El asesor de Morricone vendrá a Chile a fines de enero y luego volverá en marzo.

El autor de "Cinema Paradiso" tiene fijados tres ensayos con el coro y la orquesta en iglesias de Santiago aún por confirmar. Morricone vendrá con su mujer, Maria Travia, y con su hijo Giovanni, quien será el director de la transmisión de Canal 13, que contará con 14 cámaras y que será emitida en vivo por la señal de Canal 13 Cable y repetida el Sábado Santo por la señal abierta.

El maestro tiene otras actividades agendadas antes del gran concierto: una charla para miembros de la comunidad cinematográfica local, una clínica para la Orquesta Sinfónica Juvenil, y una cena de gala que hará la Embajada de Italia.
El Mercurio

La Ópera en Italia (Vparte) Nápoles

2008-01-08T06:31:00.000-08:00

Alternando diálogos populares con el italiano convencional de la ópera, llevando a la melodía una encantadora variedad rítmica, se coloca como protagonista de la ópera napolitana. Y es eso lo que deja Scarlatti: efectos brillantes aunque no profundos en el repertorio operístico: no había que preocuparse, como lo hiciera Monteverdi, de la emoción que llega al fondo del alma. Bastaban las melodías agradables que alaguen los oídos, y los efectos puramente externos y sin trascendencia. Sin embargo, la importancia de este Scarlatti está en que “ofreció una síntesis de todos los progresos realizados en el siglo que le viera nacer, y que se sentaran los fundamentos del arte clásico en el siglo que le verá morir”. En él se apoyará, por ejemplo, W.A. Mozart.
A partir de Scarlatti, Nápoles llega a ser factor esencial en la música europea: a Nápoles se dirigen en busca de enseñanza, de fama y de dinero, todos los jóvenes compositores de Europa. Entre ellos: Hanel, Gluck.. Estamos en el comienzo del gran cosmopolitismo patrocinado por la ópera.
Finalmente, hay que recordar que Scarlatti, además de autor de teatro musical, es compositor de música sagrada y, en general, polifonista de estilo muy cercano a Palestrina. En este aspecto, recordemos, por ejemplo: casi veinte Oratorios, cerca de 200 misas, además madrigales, motetes, etc.
Grandes triunfos obtuvo también Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736), que tuvo, sobre todo, éxito resonante en 1733 con el “intermezzo” bufo “La serva padrona”, intercalado en su gran ópera seria “Il prigioner superbo”. Es una encantadora comedia bufa que se extendió por el mundo, y debe considerarse como una joya. La “acción” (si así puede llamarse el sencillísimo libreto) se reduce a que una sirvienta astuta consigue que su patrón viejo, malhumorado y rico, se case con ella. No es, ciertamente, lo que el argumento perduró, sino la encantadora música, como ejemplo no solo para la ópera italiana, sino también para la “opéra comique” francesa. Puede además, considerarse esta joya con solo dos personajes, la única ópera sobreviviente de esa época. Aunque no es opera, sino solo “intermedio” entre dos actos de una obra mayor y seria.
Otro valor de esa época es Paisiello,cuyas melodías constituyen “una de las mejores antologías de la música de ese tiempo”. Compone la ópera “El Barbero de Sevilla”, obra que entusiasmó tanto al público, que pareció, después, temeraria la idea de su contemporáneo Rossini cuando quiso poner música al mismo libreto.
Pertenecen también a la escuela napolitana el gran Jomelli y Cimarosa, cuya obra “El matrimonio secreto” es una de las óperas bufas más geniales del siglo XVII.
Diremos que decididamente en Napoles se arrojan por la borda los últimos escrúpulos dramáticos de “ideales éticos, nobles y de profundos sentimientos que formaban hasta entonces la base del espectáculo”. La meta ahora es una ópera melodiosa que dé al cantante innumerables posibilidades de lucimiento, y al autor amplia libertad hacia lo que el pueblo pide, con lo que logra así especial éxito la ópera bufa.
Hubo en toda Italia un florecimiento extraordinario de autores de óperas. Si bien de valor musical innegable, se habían apartado mucho de los ideales de los creadores de las óperas. Los extranjeros acudían a aprender la ópera italiana, y los operistas se esmeraban por satisfacer al público, que no llevaba al teatro mas que “sus orejas”, para escuchar la “música fácil, llena de trinos y adornos” hecha para un “teatro a la moda”.
La ópera, pues, había comenzado en Italia, y estaba triunfando.

Daniel Barenboim dirigirá el próximo Concierto de Año Nuevo de la Filarmónica de Viena

2008-01-02T08:51:00.000-08:00

El legendario crítico de música austriaco Karl Löbl felicitó el martes a los músicos por haber interpretado "el concierto más vienés de la historia" bajo la batuta del francés Georges Prêtre, quien cuenta con larga experiencia con orquestas vienesas. "La palabra que Prêtre más ha repetido durante los ensayos es atmosphère. Decía atmosphère en francés, y nos transmitía la atmósfera con la intensa expresión de su rostro, una atmósfera diferente para cada vals, para cada movimento, como la vida misma", explicó Bladerer en declaraciones reproducidas por el diario El país, de España.

La prestigiosa Filarmónica de Viena carece de director permanente. Entonces son los miembros de la formación los responsables de todas las decisiones, ya sean de carácter administrativo como artístico. La decisión de someter la venta de entradas a sorteo les ha parecido ineludible, dado que la sala sólo tiene cabida para unos 2.000 espectadores. Aunque los precios de las codiciadas entradas oscilan entre 25 y 850 euros, hay quienes llegan a pagar hasta 3.000 euros en la reventa. Siempre llama la atención la gran proporción de espectadores japoneses. No es que el azar se incline más por ellos, sino que en Japón hay varias organizaciones de fans a las que la Filarmónica de Viena privilegia con contingentes reservados.

En 1958 se transmitió por primera vez el concierto por televisión. Hoy llega a 54 países por televisión, y además se reproduce en 300 emisoras de radio en todo el mundo.

2009 será el turno del director argentino-israelí. Barenboim acaba de estrenar Tristán e Isolda para inaugurar la temporada lírica de la Scala de Milán y presenció el concierto en Viena para recibir el año en compañía de la Canciller alemana Angela Merkel y de otras personalidades.

El Clarin.com

Heinrich Finck (c. 1445 - 09-06-1520)

2008-01-02T04:55:00.000-08:00

Su música se compone mayormente de canciones seculares, misas, motetes e himnos. La biblioteca de Zwickau posee un trabajo recopilatorio de cincuenta y cinco canciones, impreso alrededor de la mitad del siglo XVI. Entre su obra cabe destacar su producción sacra, que ejemplifica el paso de la escritura a tres voces con cantus firmus a una más complicada y elaborada de hasta siete voces.
Heinrich Finck murió el 9 de junio de 1527, a la edad de 82 años, en la ciudad de Viena.

El Descargador

2007-12-30T15:20:00.000-08:00

Hänssler Edition Bachakademie (171 CDs)

Diemecke vuelve a la Filarmónica de Buenos Aires

2007-12-26T06:58:00.000-08:00

Enrique Arturo Diemecke ha sido director artístico de la Orquesta Sinfónica Nacional de México, de la Filarmónica Auckland de Nueva Zelanda y de la Sinfónica de Flint, en Estados Unidos, así como director huésped principal de la Orquesta Filarmónica Nacional de Montpellier-Languedoc-Rousillon, en Francia y de la Orquesta Sinfónica de Fort Worth, en Texas.
En marzo de 2000 fue galardonado por la Academia del Disco Lírico en Francia, por la mejor dirección orquestal, con el premio Bruno Walter y Orfeo de Oro por su grabación en vivo de la ópera Parisina de Pietro Mascagni.
Cuando habla de su trabajo subraya en la organización y disciplina: “Una orquesta sinfónica es para mí como un país, con un presidente –el director– que se encarga de que se respeten las leyes, y la ley de la orquesta es la música. Ésta es tan perfecta que no permite interpretaciones que se salgan de la afinación, el ritmo y la armonía”.
Junto a él, trabajará el Maestro Eduardo Ihidoype como Director Ejecutivo de la Orquesta.

Feliz Navidad

2007-12-25T13:19:00.000-08:00

2008 para Bernstein

2007-12-21T11:01:00.000-08:00

producción semi-escenificada de On the Town, su Misa, música para cine, ballet y escena, foros de discusión, así como recitales, conferencias, exhibiciones, films, etc.
Dejamos a continuación la programación de las actividades.
Para mayor información visita www.carnegiehall.org/bernstein

24 de setiembre - Auditorio Stern - Carnegie Hall
Gala de la Apertura de la 118a. Temporada del Carnegie Hall

Orquesta Sinfónica de San Francisco
Dirección: Michael Tilson Thomas
Solistas:
Dawn Upshaw, soprano
Thomas Hampson, barítono
Yo-Yo Ma, cello

Programa
Leonard Bernstein
Suite Fancy Free y una selección de sus obras A Quiet Place, Songfest, Candide, Mass, On the Town, West Side Story y Wonderful Town

25, 26 y 27 de setiembre - Avery Fischer Hall - Lincoln Center

Filarmónica de New York
Direccción: Lorin Maazel
Solistas:
Robert Langevin, flauta
Joyce Yang, piano

Programa:
Gustav Mahler: Adagio de la Sinfonía No. 10
Lorin Maazel; Música para Flauta y Orquesta Op. 11
Pierre Boulez: Improvisation II sobre texto de Mallarmé de "Pli Selon Pli"
Leonard Bernstein: Sinfonía No. 2 "The Age of Anxiety"

24 de octubre - Auditorio Stern - Carnegie Hall

Orquesta Sinfónica de Baltimore
Dirección: Marin Alsop
Morgan State University Choir - Director: Eric Conway
The Brooklyn Youth Chorus - Directora: Dianne Berkun
Dirección de escena: James Robinson

Programa:
Leonard Bernstein - Misa

30 de octubre - Avery Fischer Hall - Lincoln Center

Orquesta Filarmónica de Nueva York
Dirección: David Robertson
Solista:
Michelle DeYoung, mezzosoprano

Programa:
Aaron Copland: Suite Primavera en los Apalaches
Elliot Carter: Of Rewaking
Leonard Bernstein: Sinfonía No. 1 "Jeremiah"
Christopher Rouse: Rapture - estreno para N.Y.

14 de noviembre - Auditorio Stern - Carnegie Hall

Orquesta Filarmónica de Nueva York
Dirección: Alan Gilbert
Solistas
Glenn Dicterow, violín
Ana María Martínez, soprano
Paul Groves, tenor

Programa:
Leonard Bernstein:
Suite Sinfónica de On the Waterfront
Serenata (basada en el Sinposo -Banquete- de Platón)
Suites Nos. 1 y 2 de West Side Story

Este concierto conmemora el debut de Leonard Bernstein en el Carnegie Hall, que tuvo lugar el 14 de noviembre de 1943 al frente de la Orquesta Filarmónica de Nueva York.

16 de noviembre - Auditorio Stern - Carnegie Hall

Orquesta Filarmónica de Israel
Dirección: Gustavo Dudamel
Solista: Eyal Ein-Habar, flauta

Programa:
Leonard Bernstein: Halil, para flauta, orquesta de cuerdas y percusión Leonard Bernstein: Concierto para orquesta "Jubilee Games"
Piotr I. Tchaikovsky: Sinfonía No. 4

24 de noviembre - Avery Fischer Hall - Lincoln Center

Orquesta Filarmónica de Nueva York
presenta a la Orquesta de la Juillard
Dirección: Alan Gilbert

artistas a ser anunciados

Programa:
Leonard Bernstein: Sinfonía No. 3 "Kaddish"
Ludwig van Beethoven: Sinfonía No. 3 Op. 55 "Eroica"

13 de diciembre - Zankel Hall - Carnegie Hall

Miembros de la Filarmónica de Brooklyn
Dirección y piano: Robert Spano

Solistas:
Susan Graham, mezzosoprano
Rod Gilfry, barítono
Ricardo Morales, clarinete
Jeremy Denk, piano

Programa:
Leonard Bernstein: Sonata para clarinete y piano, canciones
Aaron Copland: El salón México (arreglo L. Bernstein)
Leonard Bernstein: Preludio, Figa y Riffs; Arias y Barcarolas

Subastarán una partitura de Mozart

2007-11-30T07:35:00.000-08:00

Josquin des Prez (c. 1450 - 27-8-1521)

2007-11-26T11:12:00.000-08:00

Poco se sabe de sus primeros años de vida. Nació alrededor de 1450 posiblemente en la ciudad de Hainaut, región limítrofe entre la actual Bélgica y Francia. Según algunos estudios recientes, su verdadero apellido habría sido Lebloitte y des Prez un sobrenombre por el cual se le habría conocido.
A temprana edad perteneció al coro de la Iglesia Saint-Quentin, en Francia, donde estudió contrapunto con Johannes Ockeghem a quien admiró y dedico el motete "La Déploration sur la mort Ockehhem" tras la muerte del maestro.
En 1477, el primer registro definido de su actividad muestra que fue cantante en la Capilla de René, Duque de Anjou , en Aix-en-Provence: él parece haber sido transferido a Paris en 1481, junto con el resto de la Capilla, aunque no hay evidencia específica de esto. Desde 1489 hasta 1494, Josquin fue miembro del coro papal durante el reinado del Papa Inocencio VIII . A fines de 1494 estaba en Francia, probablemente al Servicio de Luis XII, aparentemente permaneció allí hasta 1503, cuando el Duque Ercole de Ferrara, Italia lo llamó para su Capilla.
En Ferrara Josquin escribió la exquisita Misa "Hercules Dux Ferrariae", que está compuesta sobre un canto firme derivado de las letras musicales en el nombre del Duque. También compuso allí una colección del Miserere , Salmo 51, para cinco voces, ampliamente conocida como una de sus obras maestras.
Josquin sólo estuvo en Ferrara por un año, y partió en 1504 posiblemente huyendo de la Peste Negra.(El Duque, su familia y dos tercios de la población de Ferrara murieron por causa de la Peste). Su puesto en Ferrara fue cubierto por Jacob Obrecht en 1505, quien murió por la Peste ese mismo año, y por Antoine Brumel en 1506, que permaneció hasta la disolución de la Capilla en 1510.
Josquín fue directo desde Ferrara a su región natal de Condé, sudeste de Lille , actualmente frontera entre Francia y Bélgica, donde se lo nombró proboste de la Catedral. Durante ese período tuvo inmensa fama, e incluso fue reconocido por la corte holandesa, y sus obras interpretadas allí a menudo. Permaneció en Condé-sur-l'Escaut (Francia) hasta su muerte en 1523.
Josquin fue el compositor más importante del alto Renacimiento y su música fue la más variada en invención y la más profunda en expresión. Mucha de su música no puede ser fechada pero por lo general se divide en tres periodos. El primero (hasta alrededor de 1485) se caracteriza por un contrapunto abstracto y melismático a la manera de Ockeghem y por tenues relaciones entre palabras y música. El periodo medio (hasta circa 1505) apreció el desarrollo y la perfección de la técnica de imitación basada en motivos generados por las palabras. Este estilo ha sido visto como una síntesis de dos tradiciones: la polifonía del norte de Dufay, Busnois y Ockeghem, con la cual presumiblemente se formó, y la práctica más cordal y armónicamente orientada de Italia. En el periodo final la relación entre palabra y nota llegó a ser incluso más cercana y surgió un creciente énfasis en la declamación y la expresión retórica dentro de un estilo de la mayor economía.

Sus numerosos motetes abarcan estos tres periodos. Uno del primero, Victimae paschali laudes (1502), ejemplifica su estilo temprano con su densa textura, falta de imitación y un tratamiento rudimentario de la disonancia. Mayor madurez es mostrada en Planxit autem David, en donde se alternan pasajes homofónicos y libremente imitativos, y en Absalon fili mi, con su combinación flexible de texturas. Sus posteriores motetes, como In principio erat verbum, combinan intensidad motívica y concisión melódica con claridad formal. Ellos están compuestos incluso de manera más libre, con musicalizaciones de textos bíblicos en cuatro partes o piezas a gran escala en cantus-firmus. Las texturas transparentes y la escritura a dúo son comunes.

Las 18 misas completas de Josquin combinan elementos de cantus firmus con técnicas de parodia y paráfrasis. Una de las más antiguas, L’ami Baudichon, es una misa en cantus firmus sobre una simple fórmula de danza. La simplicidad de melodía y ritmo y la claridad de armonía y textura rememoran el estilo de Burgundia de las décadas de 1450 y de 1460. Por otro lado, Fortuna desperata es un temprano ejemplo de parodia. La escritura canónica y las figuras ostinato son algunas características. Sus últimas grandes masas, sobretodo la Missa de beata virgine y la Misa Pange Lingua, fueron precedidas por obras en que cada recurso es desplegado con bravura.

La música secular de Josquin comprende tres musicalizaciones de textos italianos y numerosas chansons. Una de las primeras, Cela sans plus, tipifica su observancia de las formes fixes y las influencias del estilo de Burgundia de Busnois y Ockeghem. Posteriores obras, como Mille regretz, son menos canónicos, con una clara articulación de líneas y puntos de imitación obtenidos por una jerarquía de cadencias cuidadosa y balanceada. Algunos, como Si j’ay perdu mon ami, anticipan la popular chanson parisina de Janequin.

Elisa Alsina Cierra el Ciclo Internacional de Piano de Montevideo

2007-11-26T06:26:00.000-08:00

Elisa Alsina es una reconocida maestra de talentosos jóvenes pianistas que actualmente se perfeccionan en el extranjero, ha desarrollado una importante carrera como docente en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, donde se desempeña como Profesora Titular de la Cátedra de Piano.

Conjuntamente con esta labor docente, Elisa Alsina ha participado en
numerosas oportunidades en recitales como solista y en conciertos junto a las principales orquestas del país.

Realizó sus estudios en Chillán, su ciudad natal, los que finalizó en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile.

Se perfeccionó en la Escuela Superior de Música de Varsovia, Polonia,
en la cátedra de piano de la profesora Marguerite Trombini-Kazuro. Al terminar sus estudios actuó en recitales como solista en Polonia, España, Uruguay, además de grabar para la Radio Polaca.

En el campo de la Música de Cámara, ha ofrecido recitales en todos los centros musicales de Santiago, provincias y en Argentina.

En 1970 participa en el Concurso Frédéric Chopin en Varsovia, Polonia, representando a Chile.
En 1986 realizó una serie de recitales en San Salvador, Costa Rica, Guatemala, Honduras, República Dominicana y Miami (EE.UU).

En su carrera ha obtenido varios reconocimientos, entre ellos Premio Municipal de Arte para estudiantes, otorgado por la Municipalidad de Chillán; Premio Rosita Renard, otorgado por la Facultad de Artes de la Universidad de Chile; Medalla de Oro y Diploma de Honor en el Concurso Internacional de Piano Ciudad de Montevideo, Uruguay; Premio Orrego Carvallo, otorgado por la Facultad de Artes de la Universidad de Chile; Primer Premio en el Concurso Nacional de Piano en Viña del Mar y Premio Municipal de Arte para adultos (2002), otorgado por la Municipalidad de Chillán.

En el año 2005 recibió la Condecoración al Mérito Amanda Labarca otorgada por la Universidad de Chile.

XVII Festival Música Chilena Contemporánea

2007-11-07T09:42:00.000-08:00

Fecha: 12 al 18 de noviembre.
Horario: 20 horas.
Lugar: Salón Fresno. Centro de Extensión UC. Alameda 390.
Organizador: Instituto de Música.
Valor: Entrada liberada.
Mayor Información

Johannes Regis (1425 – 1496)

2007-11-02T13:28:00.000-07:00

No se sabe nada sobre su vida hasta 1451, cuando ejerció el cargo de director del coro en la iglesia de St Vincent, Soignies, cerca de Cambrai. Este era un establecimiento musical importante en ese entonces, y varios compositores famosos trabajaron o estudiaron allí, incluyendo Gilles Binchois. Sus primeras composiciones datan se preservan en los cuadernos corales de la catedral de Cambrai, entre 1462 y 1465, indicando que él pudo haber comenzado su trabajo trabajo de composición en aquel entonces. Entre 1464 y 1474 sirvió como secretario de Guillaume Dufay, y vivió posiblemente en Cambrai durante gran parte de sus años de servicio.
En unos escritos del teórico Johannes Tinctoris en el año 1470, le menciona como uno de los compositores más destacados de aquel tiempo, destacando la alta reputación con que contaba por parte de sus pares.
De su música contamos hoy en día con dos misas, siete motetes y dos canciones seculares. Sabemos por algunos escritos de otras misas, de enorme valor, pero éstas se encuentran extraviadas. Es reconocido como uno de los primeros compositores en ocupar cinco voces para los motetes y que su influencia fue enorme en la siguiente generación de compositores.
Johannes Regis murió probablemente el verano 1496, ya que en los registros se encuentra cargo como vacante y posteriormente eliminado.

Discografía

Más allá de las referencias

2007-10-24T20:59:00.000-07:00

por Dr. Holmes

Cuando me sumergí en el gusto por la música clásica (hace muchísimos años), comencé a coleccionar la mayor cantidad de grabaciones, en sus distintos formatos, de las obras fundamentales que todo amante de la música debería de escuchar según un apolillado libro que adornaba mi pequeña biblioteca. Seguí su consejo, pero no pasó mucho tiempo en que me enfrenté al mundo de las referencias.
Recuerdo a un buen amigo de trabajo, que gustaba de la buena música y se manejaba muy bien en todo este mundillo de las referencias: que tal obra es mejor bajo la batuta de tal director, pero que ese mismo no era bueno para Beethoven, si para Mahler, aunque mejor es este otro, aunque la orquesta no está a la altura como esta otra, etc. Para mí, no dejaba de ser un mero capricho, una exquisitez mañosa frente a la música y que salvo pequeños detalles, se terminaba imponiendo la buena partitura por sí sola.
Han pasado los años y si bien no me guío bajo la estrella de las referencias, he descubierto que éstas no son más que la elección democrática de los melómanos luego de escuchar una buena cantidad de versiones de alguna obra. Por lo tanto su valides es de considerar y el seguir aquellos registros garantiza una buena experiencia y por qué no, un desembolse mayor.
Dentro de mi discografía tengo el orgullo de contar con más de algunas referencias, sin embargo, me he encontrado con muchísimas producciones fuera del Olimpo clásico que se han transformado en verdaderas joyas, como tesoros secretos, que no cuentan con el beneplácito crítico, no están bajo la lupa mediática o simplemente no pertenecen a un poderoso sello discográfico. He ahí un verdadero placer, casi de arqueología al encontrar aquella versión y compartir en algún foro o con amigos, aquel buen trabajo.
Si me permiten darles un consejo, no guíen su brújula musical por las referencias y encantadores llamados de las revistas del ramo. La góndola de discos esconde muchos secretos, está en ustedes develarlos.

"La flauta mágica" llega en su mejor versión

2007-10-22T16:20:00.000-07:00

Dentro de las múltiples leyendas que rodean a la figura de Mozart, se encuentra una que asegura que "La flauta mágica" habría sido la causante de su muerte. ¿La razón para afirmar esto?... La masonería -de la cual Mozart formaba parte- no habría visto con buenos ojos que el compositor hubiera incluido en la mencionada ópera toda una serie de símbolos y elementos pertenecientes a los ritos masónicos (supuestamente secretos), lo que habría motivado una suerte de vendetta en la que el veneno se habría convertido en el arma justiciera. Contra este mito son varios los argumentos que se han ofrecido. Uno de ellos es que la masonería, en la Viena de Mozart, no era vista con suspicacias (pese al influjo que estaba teniendo en la naciente revolución en Francia), ni menos tenía el carácter celosamente secreto o clandestino de una secta subversiva. De hecho, muchos personajes de la alta sociedad vienesa, y bajo la mirada benévola del emperador José II, se mostraban abiertamente como masones, sin que esto influyera negativamente en ellos o se riñera con sus creencias católicas.

Una versión revisitada

El que, sin duda, está de acuerdo con que Mozart estuvo completamente en armonía con sus hermanos masónicos es el regisseur alemán Michael Hampe, quien por segunda vez pondrá en escena la obra de Mozart en el escenario del Teatro Municipal de Santiago el próximo sábado 27 (ya lo hizo en 2002). Responsable de innumerables montajes de la mencionada ópera, Hampe ya la ha vuelto a montar (desde su última ocasión en Chile) en 5 escenarios extranjeros, incluyendo ciudades como Tokio, Dallas y Buenos Aires.

Sus jinetas de veterano en "La flauta mágica" se han ido acumulando desde que la llevó a escena por primera vez en 1963. Recordando su primera incursión en "La flauta..." Hampe comenta: "Fue una versión muy naif... bueno, yo era un joven director. Aún así, la recuerdo como una encantadora versión que además contó con algunos intérpretes que después se volvieron famosos, como el caso de Christian Boesch que hizo el papel de Papageno". Boesch después sería el responsable de interpretar a Papageno en la que, para Hampe, es la mejor versión de "La flauta mágica" ("aparte de la mía", como aclara sin falsas modestias) y que es la que hizo Jean Pierre Ponelle en el Festival de Salzburgo en 1979. De ahí, Boesch (quien ahora vive en el sur de Chile y prepara la regie de "El murciélago" para el Municipal) se consagró como uno de los mejores Papageno.

Sobre los cambios de la actual versión de "La flauta mágica", respecto de la que ya realizó en nuestro país en 2002, Hampe cuenta que son varios, pero que se trata más bien de detalles, muchos de los cuales tienen que ver con el hecho de que los intérpretes son distintos y que, por lo tanto, requieren ser manejados según su rendimiento específico. Especificidad que Hampe ilustra con la siguiente analogía: "Adam Smith, el padre de la economía moderna, decía que había una producción agrícola y una producción industrial. El teatro y la ópera estarían más cerca de la agricultura, en el sentido de que se trata de cultivar y hacer crecer. Cada persona es diferente, así como cada vegetal y cada ensalada es diferente. A diferencia de la producción industrial, donde todo es en serie".

De la versión de 2002, el crítico Francisco Gutiérrez comentó: "Michael Hampe junto a Germán Droghetti evita todo exceso innecesario al espíritu de la obra y es de una funcionalidad tal que permite su continuo desarrollo dramático a pesar de las frecuentes mutaciones escénicas. La ambientación de cada una de ellas se logra principalmente mediante la variada y muy acertada iluminación de Ramón López y del llamativo y colorido vestuario de Germán Droghetti". Un comentario que seguramente se repetirá (pese a que no estamos hablando de un producto hecho en serie) ya que Droghetti y López también están en los créditos de esta reposición.

El mensaje masónico

Abordando el asunto de las ideas que animan la obra de Mozart, Hampe afirma que "el gran tema de 'La flauta'... es la gran utopía que busca que el poder y la justicia estén juntos". Una utopía que él relaciona con la francmasonería a la que no deja de lado cuando necesita hablar de la obra de Mozart. Por ejemplo, cuenta que en Dallas dio una conferencia en la que se dedicó a leer una serie de textos, muy parecidos entre sí, sin especificar de qué autores se trataba. Al final, le dio a conocer a la audiencia que los escritos eran de los padres fundadores de Estados Unidos mezclados con escritos de masones de la época de Mozart. "Después, se me acercaron varios hombres de negocios (republicanos seguramente), preguntándome si en Europa yo era considerado un radical", recuerda Hampe riéndose y continúa: "La misma fuente francmasónica de 'La Flauta mágica' es la de personajes como Thomas Jefferson... son las mismas palabras y el mismo tema: 'todos los hombres son iguales'. Y el gran tema de 'La Flauta...' es el poder y la justicia unidos por el bien de la humanidad".

Detective musical

Estas ideas son las que le sirven a Hampe para abordar la pieza de Mozart y para lograr, de mejor modo, la interpretación de la música. Él mismo define su actividad de regisseur como una especie de "detective de la música, que debe averiguar por qué el autor ha escrito así una modulación, un cambio de tempo, y preguntarse además por el sentido de la historia". Por esto, para Hampe no vale la improvisación en esta actividad, y por lo mismo, no mira con buenos ojos que directores de cine o gente sin experiencia se animen a montar óperas. "¿Qué pensarías si yo fuera a hacer una cirugía en tu corazón?", dice Hampe, amenazando con un bisturí imaginario, y continúa: "Conocen la música, pero no tienen la experiencia... si yo no sé cómo operar tu corazón, entonces tú estás muerto. Si haces ópera, necesitas conocer música, y si haces Mozart, debes conocer la técnica de la cirugía, cómo cortar... de otro modo, el paciente está muerto". Consultado por el caso de la joven Katharina Wagner y de la polémica versión que hizo de "Los maestros cantores de Nuremberg", Hampe reanuda su argumento: "¿Cómo podría estar ella capacitada para hacerlo? Ella está operando sin tener el entrenamiento de un cirujano profesional. Entonces el paciente está muerto. La ópera, en este caso, está muerta. 'Los maestros cantores' está muerta. No necesito haber visto ese sinsentido".

JAVIER ROJAHELIS
El Mercurio

Aida of Fire en Chile

2007-10-16T20:29:00.000-07:00

Respondiendo al deseo de masificar el género y acercarlo al público general, entre hoy y el 21 de octubre se presentará una producción lírica que promete romper todos los moldes conocidos en Chile.

Se trata de "Aida on fire", una monumental versión de la ópera de Giuseppe Verdi, que tiene al fuego como protagonista y que ha recorrido gran parte de Europa. La producción será a full, con un despliegue de la más alta exigencia escénica, para lograr una
experiencia operística única.

Walter Haupt, ex director de la Orquesta Filarmónica de Münich, es reconocido por adaptar óperas a grandes recintos, y explica que para esta puesta el fuego es un elemento esencial

"Representa tanto lo constructivo, como lo destructivo y en este título refuerza la parte destructora de la historia, porque Radamés viene de la guerra (un mundo de de muerte). Pero también hay que destacar los efectos luminosos y las proyecciones que
incluirá esta 'Aida', que la convierten en un espectáculo imperdible. Tenemos toda la técnica disponible para generar los efectos más impresionantes. Por eso acá no se verán esos desfiles de elefantes en y caballos, tan propios de la ópera tradicional.

La tecnología permite crear ese efecto". Y con respecto al sonido, Haupt agrega que los cantantes usan micrófonos personales, "para adaptarse a las condiciones espaciales de la Arena Santiago. Para los puritas, quiero decirles que hay que quedarse tranquilos. Hemos respetado el elenco original de 'Aida', lo único que cambia son los efec tos especiales, para darle mayor énfasis a distintas situaciones".

El elenco contempla a 56 músicos, 50 coristas 86 bailarines y 100 técnicos que han montado un gigantesco escenario con la pirámide central. Además, se instalará una pantalla gigante de 12 metros que permitirá leer los subtítulos en español de la historia.

FERNANDO ROSAS (1931-2007)

2007-10-05T08:54:00.000-07:00

El arte nacional nuevamente se viste de negro. Esta mañana falleció el director Fernando Rosas, gran impulsor de las Orquestas Juveniles y Premio Nacional de Música 2006.

El destacado director murió a las 7:30 horas en su casa, a causa de un cáncer que arrastraba desde hace algunos años.

Rosas era licenciado en Interpretación Musical de la Universidad Católica, y luego se especializó en la Juilliard School of Music de Nueva York, a partir de 1968, tras obtener una beca Fulbright.

A lo largo de su carrera, su nombre fue reconocido como uno de los que más contribuyó al desarrollo de la música en Chile, labor que tiene uno de sus mayores hitos en la creación de las Orquestas Sínfónicas Infantiles y Juveniles, de cuya fundación fue director ejecutivo. Previamente, había formado también el Departamento de Música de la Universidad Católica de Valparaíso y la Orquesta de Cámara de Chile, entre otras iniciativas.

La labor de Rosas fue muy reconocida en el mundo de las artes, lo que tuvo uno de sus puntos más importantes el año pasado, cuando recibió el Premio Nacional de Música. Entonces, el jurado argumentó el reconocimiento "en la destacada trayectoria del galardonado como creador e impulsor de las Orquestas Juveniles en nuestro país, hoy en pleno desarrollo. También es señera su profunda dedicación a la difusión de las Artes Musicales a través de ciclos de conciertos, temporadas de música en el Teatro Oriente, programas de radio y televisión".

Además del Nacional, la labor de Rosas fue reconocida con otros galardones, entre ellos la "Orden al Mérito Gabriela Mistral en el grado de Gran Oficial", que le entregó el ex Presidente Ricardo Lagos en 2004. Este año además, la Universidad Alberto Hurtado lo nombró "Héroe de la Paz".

Pese a su delicado estado de salud, Rosas siempre se preocupó de estar al tanto de lo que sucedía en el ámbito musical, entre otras maneras desde el cargo de presidente de la Fundación Beethoven, que ejercía hasta su fallecimiento. Del mismo modo, participó a través de las Cartas al Director de El Mercurio de la discusión en torno al destino del Edificio Diego Portales, sugiriendo que en su lugar se cree una sala de conciertos para cerca de dos mil personas.

Johannes Ockeghem (1410-1497)

2007-09-12T07:45:00.000-07:00

La fecha exacta del nacimiento de Ockeghem es desconocida pero recientes investigaciones sugieren el año 1410. Más incierto aún es su lugar de origen. Se han propuesto Hainault y Dendermonde en Flandes Oriental. La familia pudo provenir originalmente de Okegem, una villa ubicada unas quince millas al este de Bruselas.
Las primeras referencias documentadas sobre Johannes Ockeghem datan de la década de 1440. Entre 1443 y 1444 estuvo como cantante en Notre Dame en Antwerp. Hacia 1446 se había unido a la capilla de Carlos I, Duque de Borbón. Poco después se asoció con la corte francesa y pasó 46 años, hasta su muerte en 1497, sirviendo a tres monarcas sucesivos: Carlos VII, Luis XI y Carlos VIII.
Ockeghem subió rápidamente de posición dentro de la capilla francesa. Hacia 1454 fue premier chapelain y cinco años después fue honrado por Carlos VII con el cargo de tesorero de la rica Abadía de San Martín de Tours. Probablemente fue para la muerte de ese monarca que Ockeghem escribió su famoso Réquiem, considerado como la más antigua partitura polifónica sobre la misa de muertos que hoy se conserva. El hecho de formar parte de la casa real también llevó a Ockeghem a otras labores y en 1470 tomó parte en la misión diplomática a España.
El talento de Ockeghem, que le hace ser uno de los más grandes compositores de la historia de la música, es su habilidad para usar los más enrevesados recursos técnicos en sus composiciones sin que estos nublen la belleza de sus composiciones. Ockeghem compusó en un estilo muy de su tiempo; las voces se mueven con muchísima independencia y siempre en un sentido horizontal, pero sin un predominio del cantus (la parte más aguda). La presencia de un «cantus firmus» (por ejemplo la melodía de una determinada chanson) aparece generalmente en el tenor, y no condiciona el desarrollo de las otras voces, sino que sólo sirve de excusa para marcar un determinado ambiente tonal. La música sacra de Ockeghem ilustra fielmente las concepciones teológicas del momento que le tocó vivir y refleja con un gran apasionamiento los dogmas de fe que representa el texto en cada momento.
Ockeghem fue un genio de la matemática, incluso más genial que Bach a la hora de conseguir rizar el rizo. Su dominio de los cánones en diferentes intervalos y su uso de las prolaciones y del «cantus firmus» ha eclipsado durante décadas lo hermoso de su música. Por ejemplo, en su Missa Prolationum sólo aparecen escritas dos voces, con instrucciones para que se canten cánones en diferentes intervalos y tiempos (prolaciones) para conseguir la obra a cuatro voces que es en sí esta misa. Ockeghem suele aparecer simplemente como un compositor muy habilidoso, pero no debemos dejar que nuestra obsesión por descubrir tal canon o por intuir aquel «cantus firmus» nos impidan disfrutar de la música. Edward Wickham dijo recientemente que el conocimiento de la habilidad técnica de Ockeghem no hace que descubramos la belleza de su música, sino sólo que la admiremos más.
En el año 1988 se conmemoró el quinto centenario de la muerte de Johannes Ockeghem y gracias a eso se realizaron muchas grabaciones de su música.

Chansons
Aultre Venus estés.
Baisiés moy dont fort.
D'un autre amer.
Fors seulement l'actente.
Fors seullement contre.
Il ne m'en chault.
J'en ay dueil.
L'autre d'antan.
La despourveue.
Les desléaulx ont la saison.
Ma bouche rit.
Ma maistresse.
Mort tu as navré/Miserere [i.e., Déploration sur la mort de Binchois].
O rosa bella.
Prenez sur moi.
Presque transi.
Qu'es mi vida preguntays.
Quant de vous seul.
S'elle m'amera/Petite camusette.
Se vostre cuer eslongne.
Tant fuz gentement resjouy.
Ung aultre l'a.
Motets
Alma redemptoris mater.
Ave Maria.
Intemerata Dei mater.
Salve regina.
Ut heremita solus.
Masses and Credo sine nomine
Missa Au travail suis.
Missa Caput.
Missa Cuiusvis toni.
Missa De plus en plus.
Missa Ecce ancilla Domini.
Missa Fors seulement.
Missa L'homme armé.
Missa Ma maistresse.
Missa Mi-mi.
Missa Prolationum.
Missa Quinti toni.
Requiem.
Missa Sine nomine à3.
Missa Sine nomine à5.
Credo sine nomine.

El tenor de la leyenda

2007-09-11T16:11:00.000-07:00

Luciano Pavarotti nació en la ciudad de Modena, el 12 de octubre de 1935, y vivió sus inicios musicales en el coro de la ciudad junto a su padre, Fernando Pavarotti, también cantante. A los 25 años hizo su debut en la ópera, el 29 de abril de 1961 y con el rol de Rodolfo en La boheme. En 1962 daba sus primeras actuaciones con la ópera Rigoletto, en Palermo, y después de causar impresión en la escena lírica italiana debutó a nivel internacional con una versión de La traviata, en Belgrado (ex Yugoslavia, actual Serbia).
Según su biografía oficial, Pavarotti ha desempeñado los roles de tenor en las óperas Aida, La boheme, L'elisir d'amore, La traviata, Madama Butterfly, Manon Lescaut, I pagliacci, Rigoletto, Rosca y Turandot, entre otras. En ellas ha cantado con Montserrat Caballé, José Carreras, Plácido Domingo, Kiri Te Kanawa o Renata Scotto, bajo las órdenes de directores como Leonard Berstein, Herbert Von Karajan y Zubin Mehta, y ha actuado en la Metropolitan Opera (Nueva York), la Scala (Milan), el Teatro Colón (Buenos Aires) y las Opera Houses de Chicago, Hamburgo, Madrid, Roma, Salzburgo o Zurich. En 1996, con motivo de sus 25 años de carrera, presentó actuaciones de gala de La Bohéme y cantó en Beijing, China.

Pero los dominios del tenor italiano sobrepasan la ópera. Su discografía incluye recitales, colecciones de arias, canciones napolitanas y hasta música navideña. Su álbum The essential Pavarotti (1990) fue el primer disco clásico en alcanzar el tope de las listas pop de Inglaterra. Ya en 1993 creó su concierto anual "Pavarotti and friends" en su natal Módena, por donde desfilaron cantantes pop italianos como Eros Ramazzotti, Laura Pausini, Zucchero o Lucio Dalla y de todo el mundo como Liza Minnelli, Tom Jones, James Brown, Stevie Wonder, Eric Clapton, Joe Cocker, Elton John, Celine Dion, Brian Eno, Gloria Estefan, Enrique Iglesias, Grace Jones, George Michael, Spice Girls, Sting o Bon Jovi.

En 1998 ganó un premio Grammy en la categoría Legend award, y entre sus actuaciones más masivas se ha presentado en el Madison Square Garden y el estadio de Wembley, cantó en el londinense Hyde Park de Londres en una jornada de lluvia ante 150 mil personas, en la torre Eiffel de París para más de 300 mil personas y ante medio millón de personas en el Central Park de Nueva York, en junio de 1993. De la ópera se despidió para siempre en marzo de 2004, cuando hizo por última vez su rol en Tosca en el ópera en el New York Metropolitan Opera House, y la crítica acusó el desgaste de su voz. Luego anunció una gira mundial de despedida de cuarenta fechas, y su última presentación en vivo ocurrió en la apertura de los Juegos Olímpicos de Invierno de Turín, en febrero de 2007.

Pavarotti se casó en diciembre de 2003 con su compañera de años, Nicoletta Mantovani, con quien tiene una hija, Alice, y ambas han sido su última compañía, de vuelta en su casa de Módena y definitivamente retirado de los escenarios este año, con la marca de ser el cantante de ópera que más discos ha vendido en el mundo. "Me realimento recordando mi infancia, cuando fui pobre, pero feliz", dijo además en ese diálogo con el periódico italiano. "Soy optimista, lo seré hasta la muerte, y eso lo heredé de mis padres".

Ha Muerto Luciano Pavarotti, Ha Muerto Luciano Pavarotti

2007-09-06T08:23:00.000-07:00

ROMA, sep 6 - Desde directores de importantes teatros hasta aficionados de la música de todo el mundo lloraban el jueves la muerte de Luciano Pavarotti, descrito como un "gran hombre" que logró acercar la ópera a las masas.

La imponente voz de Pavarotti y su deseo de acercar la ópera a personas comunes haciendo presentaciones con artistas fuera del ámbito tradicional de la música docta, como Sting y Bono, lo convirtieron en un nombre reconocido, cuyas acciones permanecerán para las futuras generaciones.

El tenor italiano murió a los 71 años tras una larga batalla contra el cáncer de páncreas.

"Siempre admiré su voz divina, su timbre inconfundible y rango vocal completo", afirmó Plácido Domingo, quien se reunió con Pavarotti y José Carreras en los denominados "Conciertos de los Tres Tenores".

"Amaba su maravilloso sentido del humor", agregó.

Carreras lamentó la pérdida de su amigo cercano y dijo: "Estoy feliz de haberlo conocido".

"Fue, sin duda, uno de los tenores más importantes de todos los tiempos. Fue un hombre maravilloso, una persona carismástica. Y un buen jugador de póquer", dijo Carreras al diario sueco Expressen.

El teatro de la ópera de Viena izó una bandera negra por el fallecimiento del artista.

El Royal Opera House de Londres en el Covent Garden, donde Pavarotti alcanzó la fama en 1963 durante una aparición como sustituto, afirmó que el mundo había perdido "uno de los mejores cantantes de nuestra época".

"El tenía una capacidad única para conmover a las personas con esa cualidad emocional y brillante de su voz. Era un hombre con un toque común y con el talento más extraordinario", indicó.

El presidente francés, Nicolas Sarkozy, dijo que el talento del tenor, "su calidez y carisma sedujeron a todo el mundo".

TRISTEZA EN TODA ITALIA

Nacido en 1935, Pavarotti tuvo orígenes humildes. Su padre era un panadero al que le gustaba cantar y su madre trabajaba en una fábrica de cigarrillos.

Su ascenso a la fama como una superestrella se produjo después de haber trabajado como vendedor de seguros y profesor.

Los italianos comunes, quienes consideraban a Pavarotti como un ícono, quedaron conmovidos ante la pérdida de uno de sus compatriotas más reconocidos.

"Estoy muy triste. El fue un hombre que hizo mucho por propagar la ópera en Italia. Y era una persona que hizo mucho por Italia de cara al mundo", dijo Romolo Franchi en Roma.

Su fallecimiento fue mucho más lamentado Modena, la ciudad natal de Pavarotti, donde los residentes no sólo evocaron al gran tenor sino también a sus días de juventud, cuando se obsesionó con el fútbol, fue vendedor de seguros y trabajó como profesor.

"Hemos estado juntos desde la niñez (...) (De niño) él solía ser el arquero", sostuvo Giorgio Maletti, de 72 años.

Venusta Nascetti, una anciana de 71 años que solía servirle café a Pavarotti en un bar local cuando éste era adolescente, lo recordó como un muchacho "lleno de vida, él tenía un espíritu muy alegre".

"El siempre nos amó de la misma forma en que lo amábamos", declaró a periodistas la mujer, quien llevaba anteojos oscuros para ocultar su conmoción mientras se encontraba fuera de la casa de Pavarotti, hasta donde llegó para presentar sus respetos.

(Redacción Adicional de Jeremy Lovell en Londres, Gilles Castonguay en Modena, Antonio Denti en Roma, Crispian Balmer en París, Mark Meadows en Milán, Bjorn Rundstrom en Estocolmo y Joe Ortiz en Madrid)

Conrad Paumann (1410–1473)

2007-09-02T05:52:00.000-07:00

Nació en Núremberg en una familia de artesanos. Su talento musical fue reconocido desde muy temprana edad, gracias a una excelente educación patrocinada. En 1447 asumió el cargo de organista oficial de Núremberg, cargo que le trajo obligaciones que incomodaron sus expectativas.
Decidió dejar Núremberg y emigrar a Múnich en 1450, donde el duque Albrecht lo empleó inmediatamente como organista de su corte, dándole además una casa. Munich se convierte en su hogar por el resto de su vida, aunque viajó y recorrió muchos países.
No se sabe con certeza el detalle de sus viajes, sin embargo sabemos que fueron realmente extensos, gozando de enorme fama y popularidad en las ciudades que visitaba. Alrededor de 1470 visita algunas ciudades italianas, donde recibe generosas ofertas de trabajo y un rico intercambio de conocimientos con compositores como Desprez, Compère o Agricola.
La mayor parte de su música es instrumental y considerablemente virtuosa. Compuesta e interpretada por sí mismo. Hoy en día solo contamos con una composición vocal, muy ligada al idioma franco-flamenco, lo que indica claramente que Paumann conoció bien esta escuela.

Nuevo director titular de la Sinfónica de Chile

2007-08-26T17:36:00.000-07:00

“Respetando como lo he hecho siempre las decisiones de la mayoría de la orquesta y después de haber escuchado al maestro Michal Nesterowicz en sus dos conciertos anteriores quiero decirles que él será el Director Titular de la Orquesta Sinfónica de Chile durante los próximos dos años”, manifestó Maritza Parada Allende, Directora del Centro de Extensión Artística y Cultural de la Universidad de Chile a los integrantes de la agrupación orquestal en medio de una pausa del ensayo del concierto que se ofrecerá este fin semana. La noticia fue recibida con aplausos por los músicos que el año pasado eligieron por mayoría al joven y talentoso maestro polaco para ocupar este cargo.

La discografía de Hitler

2007-08-09T21:47:00.000-07:00

Entre los discos, que pertenecían a la discografía que Hitler guardaba en su búnker en Berlín, no sólo había piezas de sus autores favoritos Richard Wagner y Ludwig van Beethoveen. La colección estaba también integrada por obras de los rusos Peter Tchaikovsky, Alexandre Borodin y Sergei Rachmaninoff.
Sin embargo, lo más sorprendente se encontró en una grabación del concierto de Tchaikovsky realizado en 1928 con la orquesta Staatskapelle de Berlín, que incluía un tema interpretado por el violinista polaco de origen judío Bronislaw Huberman, quien debió abandonar Europa tras la invasión nazi a comienzos de la Segunda Guerra Mundial.
Según ha informado el semanario alemán Der Spiegel, tras la caída del régimen en 1945, el capitán Lew Besymenski, de la unidad de inteligencia rusa, entró al búnker de Hitler y se llevó los discos.
La hija de Besymenski, Alexandra, los descubrió por casualidad en el ático de la casa de veraneo de su familia en 1991. Cuando le preguntó a su padre de qué se trataba, el anciano evitó referirse al tema.
Pero tras la presión de su hija el ex uniformado de origen judío decidió escribir sus memorias donde relata la sorpresa que se llevó al escuchar los discos.
El anciano, que murió en junio pasado a los 86 años, siempre sintió temor de ser considerado un ladrón, pero su hija aseguró que el militar había tomado las cajas con discos simplemente porque era un amante de la música

Muere la soprano Beverly Sills

2007-07-03T19:04:00.000-07:00

Sills, nacida en Brooklyn en plena Gran Depresión en 1929, interpretó un amplio repertorio que abarcó desde la Anna Bolena de Donizetti hasta la Elvira de Bellini. La cantante también se hizo popular entre aquellos que desconocían la ópera con su propio programa de televisión y con otras apariciones, informó "The New York Times".

Sills se retiró de los escenarios en 1980 y comenzó una nueva trayectoria como directora de la ópera de la Ciudad de Nueva York durante diez años, dejando el centro en mejores condiciones económicas que cuando tomó las riendas.

Ya en 1974 la cantante, que no fumaba, había sido operada de cáncer. El que acabó con su vida fue un cáncer de pulmón especialmente agresivo.

La diva de la ópera

Beverly Sills nació el 25 de mayo de 1929 como Belle Miriam Silverman en el barrio neoyorquino de Brooklyn. La hija de inmigrantes judíos procedentes de Ucrania cantaba en la radio ya a los tres años y tuvo su primer contrato en la New York City Opera a los 26 años, tras realizar sus primeras giras. A ese teatro se mantuvo fiel de por vida.

Allí debutó como Rosalinda en "El murciélago" y cantó casi todos los grandes papeles solistas, convenciendo tanto en papeles trágicos como cómicos.

También en Europa la artista, formada en Estados Unidos en los años '60 y '70, celebró grandes éxitos. En la àpera Estatal de Viena fue la Reina de la Noche en "La flauta mágica" de Mozart, en la Scala de Milán cantó en "El sitio de Corintio" de Rossini, y en Londres asumió el papel protagónico de "Lucia di Lammermoor" en la ópera del Covent Garden.

En 1975 celebró su debut en la Metropolitan Opera de Nueva York. La ovación duró 18 minutos. En 1980, Sills se despidió de los escenarios con una gala en Nueva York. Hasta 1989, fue directora de la New York City Opera. Luego, dirigió el Lincoln Center y la Met, acciones por las que llegó a ser considerada "la esencia de la diva de la ópera estadounidense", según el "New York Times".

En su vida privada sufrió varios golpes. Su hija nació sorda. Su hijo vive en una institución para perturbados mentales. Su esposo, Peter Greenough, murió en septiembre del año pasado, semanas antes del 50 aniversario de bodas.
fuente: EMOL

La Ópera en Italia (IV parte) Roma

2007-07-03T15:19:00.000-07:00

La ópera en Roma, al principio sigue unas tendencias pastorales con Agazzari. Mazzocchi procura conciliar el estilo polifónico con el recitado. En su “Cadenas de Adonis”, el madrigal y el “ballet” desempeñan un papel importante. Landi ofrece en las sinfonías que sirven de preludio a cada acto de la ópera la forma de la obertura italiana con las sucesión de tres movimientos: rápido, lento, rápido. Entre los autores posteriores merece citarse especialmente Luigi Rossi, cuyo “Orfeo” fue la primera ópera italiana representada en París, en 1647.
Pero ya se nota una especie de confusión en esto del afán operístico. Late un afán de renovación o revisión en el campo musical y teatral. De Florencia y Venecia toman las cortes y las ciudades modelos para sus representaciones. Un agudo crítico así define este movimiento: “Dioses del Olimpo, doncellas errantes, caballeros, medioevales, figuras cristianas, personificaciones alegóricas, figuras mitológicas, mundo pagano, mundo cristiano, mundo caballeresco, supersticiones, sensualismo, materialismo, idealismo, cultura humanística, fantasía popular, elementos antiguos y nuevos, todo cabía en el amplio molde del melodrama”.
Al lado de este teatro tan multiforme, aparece en Roma, como palabra sencilla que define una nueva vía, el “Oratorio”.
San Felipe Neri, en 1575, fundó en Roma la “Congregación del Oratorio”, con fin (Como la palabra lo dice) piadoso.
Neri era un hombre perfectamente situado en su época. El hablaba al hombre piadoso y culto de su tiempo. En reuniones concurridísimas se discutían cuestiones del arte y la literatura, filosofía y moral, al lado de lo más importante, las cuestiones religiosas. En una palabra, todos los factores culturales estaban representados en esas reuniones. El principal aliciente era el sermón, que iba precedido y seguido de audiciones musicales. Se trataba de excitar sensiblemente la piedad mediante la puesta en música de un trozo bíblico, intercalado entre la predicación. Pidió a los mejores poetas y músicos de un tiempo (entre ellos Palestrina y Victoria) que compusieran algún “Cantico Espiritual”, o “lauda sacra”, que fuera como ilustración musical destinada a comentar el texto bíblico de sus conferencias, que , efectivamente, atrajeron a las multitudes, alejándolas de “los cantos y placeres licenciosos”, sobre todo durante la cuaresma. El fin era, pues, el que la música prestara un sencillo aporte de sentimiento.
En los inicios uno de los representantes más importantes del Oratorio fue Giacomo Caríssimi (1604-1674), cuyos principales Oratorios son: “Jefté”, “Salomón”, “Baltasar”, “Jonás”.
Importancia excepcional alcanzarán en este género, comositores alemanes, como Schütz, y más tarde Händel y Johan Sebastian Bach.

Gilles de Bins o Binchois (1400-1460)

2007-07-01T12:01:00.000-07:00

Gilles Binchois nació en Mons, hijo de Jean y Johanna de Binche, quién lo más probable proviniera de la localidad de Binche. Nada sabemos de la vida del pequeño Guilles hasta el año 1419, pero es muy probable que comenzara sus estudios y canto en la Catedral de Cambrai de la mano de Dufay. Posteriormente, en el año 1424, tomó el puesto de organista de la iglesia de Sainte-Waudru, en su ciudad natal.
Durante aquellos años de juventud, Binchois estuvo al servicio del Conde de Suffolk, por lo que es muy probable que viajara a Inglaterra por algún tiempo, sin embargo no existe prueba alguna de aquello. Lo cierto es que el haber estado al servicio del duque inglés, le abrió contacto con la música inglesa, conociéndola a cabalidad, lo que queda reflejado en muchos de sus trabajos.
En 1430 entró a formar parte de la capilla del duque Felipe el Bueno de Borgoña, para la que compuso misas, motetes e himnos, los que le dieron prestigio y fama. Gracias a su trabajo y reconocimiento, tras siete años de servicio, asumió el cargo de Secretario Honorario de la Corte.
Su música es muy refinada y algo conservadora para su época. De melodías claras, simples, pero de una enorme hermosura, supo encontrar inspiración en una enorme cantidad de temáticas como la caballería, el amor o la religión.
Guillaume Binchois muere el 20 de septiembre de 1460 en Soignies (Francia), donde ejercía el cargo de Director del Colegio de la Iglesia de San Vicente. La balada Mort tu as navré de ton dart, de Ockeghem, y el rondó En triumphant de Cruel Dueil, de Dufay fueron dedicados por estos grandes compositores, tras conocer de la muerte del gran Gilles Binchois.

Opera Latino Americana (OLA)

2007-06-29T09:17:00.000-07:00

Con 25 delegados de ocho países, representantes de 14 escenarios líricos, junto a cuatro teatros chilenos, concluyó la Primera Reunión de Teatros de Ópera de América.
Entre los puntos más importantes está la decisión de crear la institución Ópera Latinoamérica (O.L.A.), cuya presidencia quedó a cargo de Andrés Rodríguez, director general del Teatro Municipal.
El financiamiento de esta organización estará a cargo, en una buena parte, de los países miembros y hasta el momento el directorio tendrá representantes de Colombia-Ecuador (Gloria Zea, directora de la Fundación Ópera Colombia), México, Brasil, y Uruguay-Argentina (Gerardo Grieco, director general del Teatro Solís de Montevideo).
La idea es formar una instancia de coordinación e intercambio para las producciones de ópera en Latinoamérica, junto con la estimulación de los jóvenes talentos líricos del continente por medio de un concurso anual de voces, con premios en dinero y becas de perfeccionamiento.
Andrés Rodríguez: "Nuestra región produce una enorme cantidad de magníficas voces y dentro de las 20 voces más importantes del mundo, la mitad son de Latinoamérica. Esas cifras indican la necesidad de un mayor cuidado en la promoción y la docencia. No es casualidad la constelación de talentos líricos como José Cura, Verónica Villarroel, Juan Diego Flores, Cristina Gallardo-Domâs, Ramón Vargas, Fernando de la Mora, Rolando Villazón, Juanita Lascarro, Ángela Marambio o Tito Beltrán".
"El concurso, con un grupo de cantantes preseleccionados por los diversos teatros, se efectuará a partir de 2008 en Chile, y luego rotará por diversos escenarios de Latinoamérica, entregando premios en dólares cuyo monto hay que determinar, para ello designamos una comisión".
Entre otras novedades, Rodríguez señala : "Ópera Latinoamérica dispondrá de un equipo de profesores que itinerará por diversos países del área, perfeccionando a los artistas en canto, actuación, preparación musical, dirección escénica, impostación de la voz y otros requerimientos fundamentales".
Ópera Latinoamérica será una tercera instancia a nivel mundial, que se unirá a Ópera América (con teatros de Estados Unidos y Canadá) y Ópera Europa (con 85 grandes escenarios del Viejo Mundo).
Estas tres organizaciones aglutinarán a lo más importante del mundo lírico: "En septiembre, en Los Angeles (EE.UU.), habrá un encuentro de Ópera América al que ya hemos sido invitados para exponer las conclusiones de esta instancia, que comenzará a gestionar su personalidad jurídica internacional", señala Rodríguez.

Al servicio de Elías

2007-06-28T10:51:00.000-07:00

Monumental desafío han emprendido la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil, coros y solistas bajo la dirección de Víctor Alarcón. El bello oratorio “Elías” de Felix Mendelssohn, Op. 70 ha sido presentado el pasado jueves 21 en el Centro de Extensión de la Universidad Católica, como parte de la temporada de Música de Cámara.
por Jorge Cordero C.

No recordaba haber escuchado algún programa en muchos años, que considerara esta monumental obra, por lo que es de agradecer su montaje y de consideración el enorme desafío emprendido por la orquesta.
El resultado ha tenido de dulce y agraz. Creo sinceramente que haber realizado tan solo una presentación del oratorio, ha jugado en contra de los “pequeños ajustes” que requiere una obra de tamaño nivel, pero ¿Qué la hace tan monumental? Pues bien, Elías cuenta con un libreto operístico, con una intensidad dramática al nivel de las grandes óperas italianas. Los coros evocan las pasiones de Bach, exigiendo por momentos, pasajes angelicales, en contraste de majestuosos coros románticos en representación del pueblo de Israel.
El barítono Cristián Moya ha cargado con la presentación a sus hombros. A parte de luchar en restablecer el camino religioso de su pueblo, como Elías, se le ha visto incomodo con la partitura, y como no, si la exigencia es máxima. Esa tensión le restó naturalidad al personaje, pero no ha impedido sortearla y cumplir con su rol. Junto al tenor Iván Rodríguez, han conducido el oratorio en forma aceptable.
Por momentos el coro se ha visto sobre exigido, y eso ha sido percibido por el público. Sin embargo a lo largo de la extensa obra se ha mantenido como un soporte solido, regular, bien ensamblado a la orquesta.
En conclusión creo que la obra ha exigido un mayor número de presentaciones. Los solistas no se han entregado con seguridad en sus papeles, sumado a pequeñas distracciones entre el coro y la orquesta, lo que no empaña en absoluto el resultado de la presentación, que ha alcanzado los requisitos del compositor y ha devuelto a nuestras salas el más grande de los oratorios del siglo XIX.

Solistas: Carolina García, soprano 1. Roxana Herrera, soprano 2. Sofía Pollack, mezzo. Iván Rodríguez, tenor 1. Álvaro Zambrano, tenor 2. Cristián Moya, bajo.
Coro de EstudiantesUC. Director titular, Víctor Alarcón.
Coro de Bellas Artes. Director titular, Víctor Alarcón.
Orquesta Sinfónica Juvenil. Director titular, José Luís Domínguez.
Director General, Víctor Alarcón.

Guillaume Dufay (1397-1474)

2007-06-26T20:01:00.000-07:00

Compositor y musico fraco-flamenco, figura central de la escuela burgundia, es la figura más influyente de la escena musical europea de mediados del siglo XV, reflejado en el hecho de que hay más detalles sobre su música y su vida que de otros contemporáneos.
A pesar de la enorme información con que contamos del compositor, su fecha y lugar de nacimiento no están claras.
Se cree que nació en agosto de 1397 en la localidad de Beersel, en Brucelas. Hijo ilegitimo entre un sacerdote y una mujer llamada Marie Du Fayt. Su madre se habría trasladado junto al pequeño Guillaume a Cambrai, donde a temprana edad comienza su relación con la música en el coro de la Catedral, donde prontamente comenzó a destacar y a ser reconocido por los clérigos por destacadas aptitudes en diversas materias. Ya en 1414 el joven Guillaume era clérigo de la catedral
La catedral de Cambrai contaba en esa época con uno de los establecimientos más ricos de la región y con buenos contactos con Antwerp, Arras, Lille, Tournai y el asentamiento de la corte de Burgundia en Bruselas. Los viajes de Dufay comenzaron al mismo tiempo que el Concilio de Constance, que se realizó entre 1414 y 1418. No se sabe si estuvo presente en el Concilio, donde se reportaron más de 1700 músicos de distintos países. Ingleses, franceses, alemanes, italianos y españoles intercambiaron sus conocimientos y provocaron una influencia sobre otros colegas de la época, la que queda claramente reflejada en las composiciones de Dufay.Los viajes de Dufay le llevaron en 1420 a la costa adriática al servicio de la familia Malatesta, con la cual mantuvo una extensa y amistosa relación. Desde 1428 hasta 1433 estudió en Roma. En los años siguientes conoció y entabló amistad con el compositor Gilles Binchois. Numerosos contactos con las principales figuras de la época como Donatello, Brunelleschi, el Papa Eugenio IV, Antonio Squarcialupi, Johannes Ockeghem, la familia Medici y la casa de Savoy influyeron y enriquecieron su actividad como compositor. Los textos de sus canciones contienen aspectos muy personales de los contextos sociales y las reacciones políticas de su época con las que estuvo directa o indirectamente en contacto.
Luego de una larga enfermedad, Dufay muere el 27 de noviembre de 1474. Poco antes de morir pidió que se interpretara su motete Ave regina celorum, lo que fue imposible de organizar en tan breve tiempo. Dufay fue enterrado en la capilla de St. Etienne en la Catedral de Cambrai, tras una piedra tallada con su retrato, destruida posteriorormente y recuperada el año 1859. La piedra sepulcral se encuentra actualmente en un museo en Lille.
Actualmente se conservan más de 200 obras de Dufay y en todas se aprecia un desarrollo de los elementos personales de un estilo que, no obstante, apunta hacia los cambios comunes del siglo XV. Hay música secular con elementos improvisatorios y otra música religiosa más compleja. Como la mayoría de sus colegas contemporáneos, Dufay trabajó sobretodo como música de iglesia, especialmente cantante. Al servicio de la iglesia fue refinando una música más compleja y basada en un intenso estudio de las relaciones matemáticas y lógicas entre los intervalos.
La mayoría de sus misas, motetes e himnos fueron concebidos para ocasiones litúrgicas especiales. Había pasado cinco años trabajando en la capilla papal en Roma. Y para los Concilios de Basilea de 1438 y 1439 Dufay compuso algunas obras como representante de catedral de Cambrai. De hecho, fue en 1439 que finalmente retornó a Cambrai y finalizó sus años de viaje.

La Opera en Italia (III parte) Venecia

2007-06-24T10:12:00.000-07:00

Vemos pues, como, por obra de Monteverdi, lo que en Florencia era una obra de “camerata”, de minoría, toma en Venecia amplio vuelo y respaldo popular. La suntuosidad de sus fiestas, el marco dorado de su paisaje, el colosal empuje dado por sus pintores, aficionados a la música todos ellos, la tradición musical de San Marcos, todo esto da a la obra dramática iniciada por Monteverdi, un preciso encaje de solemnidad y de aparato.
DESPUÉS DE Monteverdi Se hizo célebre en Venecia Francisco Cavalli (Pier Francisco Caletti Bruni), autor de 41 óperas, con las cuales en breve ganó popularidad y el predominio en el mundo musical veneciano. Eclipsó a los demás operistas, los cuales, para ser aceptados por el público, se veían obligados a verter sus producciones en los moldes de Cavalli. La fecundidad de Cavalli ha sido asombrosa y, por lo mismo, a veces es descuidado, como que hubiese trabajado a la ligera. Parece que siguiera el lema de los pintores de Venecia de sus tiempos: “fa presto”. Se alejó poco a poco de los recitativos y rebuscó arias elaboradas y conjuntos corales de efecto sobre el auditorio.
A la muerte de su maestro Monteverdi, Cavalli quiso recoger la herencia; pero ello hubiera requerido un genio análogo. Sin embargo, óperas de Cavalli extienden su éxito fuera de las fronteras italianas.
Sobre todo la ópera histórica alcanzó en Venecia excelente resultado. Su acción se complica con las más extrañas aventuras. Lo sobrenatural y lo fantástico, lo gracioso y lo burlesco ocupaba en ella lugar preferente.
La característica principal en Cavalli es la gran riqueza melódica en el “recitativo”, junto con sus breves y concisas melodías de carácter popular.

The Beautiful Names

2007-06-19T10:18:00.000-07:00

Hoy se estrena en la catedral de Westminster una controvertida y, a la vez, muy significativa obra compuesta por Sir John Tavener. Bajo un acalorado debate previo a su primera interpretación, encargada a la batuta de Jiri Belohlavek con la sinfónica y coro de la BBC, se ha acalorado el ambiente cultural londinense. La obra en cuestión titulada 'The Beautiful Names' cita los noventa y nueve nombres de Dios según el Islám. Todo cantado en árabe y un constante llamado a Alá. Si estos antecedentes ya son polémicos para algunos conservadores, que escucharán estas alabanzas en la catedral de Westminster, ha sido mayor su incomodidad al saber que todo el programa ha estado auspiciado por el Príncipe Carlos.
La trayectoria de Tavener (no confundir con John Taverner 1490-1545) ha estado marcada por su profunda búsqueda religiosa, que encontró acogida en la Iglesia Ortodoxa Griega en 1977. Interesado especialmente en el misticismo, encontró una fuente inagotable para su trabajo, que luego encontró en el hinduismo y el Islam.
La obra, de setenta minutos de duración, está dividida en once grupos de nueve 'zonas tonales' y cada nueva sección comienza con un llamamiento a Alá.
Pese a su énfasis en el Islam, Taverner se refiere también en la obra al sufismo, el hinduismo y al budismo en su elección de estructura, tonalidad e instrumentación.
El estreno será transmitido en directo por la BBC3 en el siguiente enlace.

Mi encuentro con Zelenka

2007-06-18T19:41:00.000-07:00

por Dr. Holmes

En medio de los textos de estudios, acompañado por un buen café llegó a mis oídos por primera vez la música de Jan Dismas Zelenka. Un viejo disco de mi padre que contenía la bellísima Missa dei Filli por la Tafelmusik Baroque Orchestra. Bajo la excusa de “utilizar” música de fondo para mis estudios, comenzó a interferir en mi atención y a protagonizar en mi cada pasaje de aquella misa. Algo me acercaba a Bach, a sus cantatas y claro luego entendí aquella cercanía y admiración del Maestro por Zelenka, que incluso lo llevo a caminar muchos kilómetros para ir a escucharle.
Tanto el compositor checo, como Bach fueron considerados como músicos anticuados por muchos críticos contemporáneos, sin embargo Zelenka, a diferencia de Bach, perdió la fe en su trabajo, dejando la composición a pocos años de su muerte.
No pasó un año y pude obtener mi segundo disco del compositor, uno de sus tres oratorios: “I Penitenti al Sepolcro del Redentore” con la Capella Regia Musicalis. No demoré mucho en llegar a casa y prestarme a escucharlo y de inmediato encontré algunas similitudes con el disco anterior: El lenguaje contrapuntístico de Zelenka volvía a aparecer y quizás con cierta razón un estilo anticuado para sus años de vida, sin embargo de una hermosura suprema.
Es notable la cercanía de su música con el estilo italiano, especialmente en las variables armónicas en la orquestación, que hace de su música algo vivo, fresco, muy bello de escuchar y quizás porque no de ver (no he tenido la suerte de asistir a un programa con alguna de sus obras).
Aunque en más de una ocasión me han insistido en incursionar en sus tríos, mi siguiente adquisición fue la misa Gratias agimus tibi por la orquesta checa, dirigida por Jiri Belohlavek y el resultado fue igualmente reconfortable. La suerte ya no contaba en la discografía, estaba ante un gran compositor y así como Bach admiró su música, no me cabe duda que cada día serán más los adeptos a su obra, en especial (y a desconocimiento de sus tríos) de su música sacra.

John Dunstable (1390-1453)

2007-06-18T08:32:00.000-07:00

Compositor, astrónomo y matemático inglés. Nació en Inglaterra hacia el año de 1390, muy probablemene en Dunstable, Bedfordshire. Muchos detalles de su vida son conjeturas debido a la poca y confusa información con que se cuenta hoy en día, por ejemplo no sabemos nada de sus orígenes en la música y menos quienes ejercieron como sus maestros.
Estuvo al servicio del Duque de Bedford, el cuarto hijo de Enrique IV y hermano de Enrique V y bajo este trabajo es muy probable que visitara Francia entre 1423 y 1429 de donde importara novedosos conocimientos musicales para la música inglesa. Fue reconocido por el teórico flamenco Johannes Tinctoris como el padre de la llamada contenance angloise influenciando compositores de la Escuela de Borgoña.
Una vez fallecido el Duque de Bedford, Dunstable sirvió en la corte de su hijo mayor, el Duque de Gloucester. Durante muchos años, y así lo demuestran los textos de algunas composiciones, se mantuvo muy relacionado a la Catedral de Saint Albans, centro importante en el desarrollo musical de la región.
Sus composiciones, generalmente a tres o cuatro voces, se caracterizan por la utilización de intervalos de sextas y terceras entre las voces, en lugar de las cuartas, quintas y octavas, más consonantes, así como por la importancia que da al aspecto melódico, en relación con el texto escrito.
John Dunstable falleció la víspera de navidad de 1453, siendo enterrado en la iglesia de St Stephen Walbrook en Londres, bajo el epitafio “Conocedor del secreto de las estrellas”, lo que fue destruido por un voraz incendio en el año 1666, pero restaurado en1904.

Retroperspective 1981-2007

2007-06-15T12:04:00.000-07:00

Una de las máximas autoridades de la música antigua Philippe Herreweghe celebra sus sesenta años con una edición de lujo. El sello francés Harmonia Mundi, para el que ha trabajado por más de 25 años con una envidiable discografía que supera los cien discos, ha decidido sacar al mercado una fina selección del trabajo registrado por el director belga.
Desde el inolvidable registro de la Pasión según san Mateo de Bach, que a mediados de la década de los ochentas marcó por su carácter historicista, hasta su Pierrot Lunaire de Schoenberg, pasando por obras de Schütz, Purcell, Mozart, Beethoven, Bruckner, Mahler y otros conforman en 2 cds un serio repaso al trabajo de Herreweghe.
Un verdadero desfile de orquestas, conjuntos vocales y solistas que han trabajado con el director, se inscriben en un completísimo libreto informativo, que no ahorra en fotografías y detalles sobre los registros citados.
Al trabajo se suma el DVD “Philippe Herreweghe: et le verbe s’est fait chant” que recorre los ensayos, tomas de conciertos y entrevistas al mismo director. El hilo conductor del registro es la constante lucha entre las percepciones historicistas y actuales sobre la interpretación de las obras antiguas, algo que inclusive en este trabajo no queda superado.
En conclusión podemos decir que tenemos en nuestras manos un trabajo de lujo, con un sonido maravilloso al igual que su presentación. Para todos aquellos que vean sufrir su bolsillo en adquirirlo, tengan la seguridad que se ubicará entre los destacados de vuestra cdteca.
mas información

Royal Festival Hall abre nuevamente sus puertas

2007-06-13T11:06:00.000-07:00

Luego de varios años de reparaciones, abre sus puertas el Royal Festival Hall de Londres. Desde la fachada hasta los más mínimos detalles en su interior, han pasado por la mano profesional de los técnicos y restauradores desde el 2002. El mayor logro ha sido mejorar la acústica del recinto que era provocado por las paredes internas que absorbían el sonido en lugar de reflejarlo.
El costo total de la remodelación ha alcanzado los 170 millones de euros, auspiciados por la lotería nacional y el Arts Council británico, sumado a las donaciones de instituciones y particulares.
El Royal Festival Hall fue inaugurado en 1951, tras la destrucción en la Segunda Guerra Mundial del Queen’s Hall y poder albergar las cinco orquestas sinfónicas que había entonces en Londres. Célebres músicos como Toscanini, Ormandy, Kempe, Brendel, Clifford Curzon y otros han pasado por este recinto artístico.
Con una monumental presentación de la London Philharmonic, la London Philharmonia, la London Sinfonietta y la Orchestra for the Age of Enlightenment, se ha inaugurado este lunes 11 una nueva etapa para uno de los recintos más clásicos del mundo.

La Opera en Italia (II parte) Florencia: La “Camerata Fiorentina”

2007-06-11T10:32:00.000-07:00

Lo mismo que en el siglo XIV, al hablar del “ars nova”, vuelve a desempeñar ahora Florencia un papel de primera importancia en la evolución musical.
En casa del Conde Bardi se reunían algunos amantes del clasicismo griego. Asiduos a esta especie de círculo literario, llamado por ellos “camerata” o cenáculo, eran Julio Caccini, Yacopo Peri, Octavio Rinuccini, Jerónimo Neri, Vicente Galilei (padre del célegre Galileo Galilei). El entusiasmo por el teatro griego, los ha llevado naturalmente al deseo de imitarlo. Galilei en su “Diálogo acerca de la música antigua y moderna”, desaprueba la música contemporánea, más inclinada a lo exterior, a impresionar los sentidos y elogia la música griega, más profunda y reflexiva. Ataca la polifonía que por su misma naturaleza obstaculiza la comprensión de las palabras, y exalta la música griega, que, según el principio platónico, era, como debe de ser, “la servidora de la palabra”. Puso en práctica sus ideales musicando el episodio de Dante, del Conde Ugolino, y las Lamentaciones de Jeremías. Se trataba de canto a una sola voz con acompañamiento de viola. Su ideal aparece claro en las siguientes palabras del mismo Galilei: “El músico debe observar como habla el príncipe con su vasallo, con un suplicante; cómo habla el enamorado con su amada, el que se queja, el que da gritos, el temeroso, el alegre.”
Los aplausos que cosechó Galilei y los imitadores que entusiasmó, son pruebas de que tuvo éxito. Jacopo Peri musicó el libreto de Rinuccini, “Dafne”, que ha sido en verdad la primera ópera, moldeada según los propósitos de la “camerata”. En verdad era un recitativo, una declamación apasionada, más que melodías con ritmo determinado. Se ejecutó para el carnaval de 1594, con mucha solemnidad y éxito.
“Dafne” fue, pues, la primera ópera (aunque aún no se llamó ópera sino melodrama) nacida del círculo florentino; y el año de su estreno, 1594 es particularmente significativo. En el mismo año morían los dos máximos representantes del estilo anterior, los geniales Palestrina y Victoria. Significativa coincidencia: “Dafne” inició algo completamente nuevo. La ópera no podía seguir el estilo polifónico anterior: en ella debía dominar la monodia.
Tres años después de “Dafne”-que no conocemos por haberse extraviado la partitura- Orazio Vecchi, compone el “Amfiparnaso”, en cuyo prefacio expone teóricamente la idea de la ópera. El cree posible cierta conservación de la polifonía acompañando una acción teatral. Pero no sería así.
El año 1600 dos óperas se estrenan en el Palacio Pitti de Florencia; ambas se titulan “Eurídice” y están compuestas sobre versos de Rinuccini; una por Peri, y la otra por Caccini. En ellas domina el “recitativo”.
Es decir: especie de declamación que mantiene una altura musical superior a la de la palabra hablada, pero no se eleva (o lo hace sólo en casos excepcionales) a una línea verdaderamente melódica. Es una forma intermedia entre la palabra hablada y el canto melódico. Se usó en la ópera antigua como lazo de unión entre los “números musicales”, para llevar adelante la acción dramática, dado que su rápido “parlando” permite vivacidad, comicidad y un libre desarrollo del juego escénico. Con todo, dice K. Pahlen, el recitativo nunca fue considerado un aporte primordial de la ópera; sino por sus alumnos, así como los grandes pintores ejecutaban sólo las figuras centrales, dejando muchas veces los detalles secundarios a sus alumnos.
La novedad de los miembros de la “camerata” halló buena acogida en Mantua, Bologna y Parma. No faltaron los opositores a estas novedades, como era de esperarse, pues por entonces la polifonía contaba con verdaderos genios y obras cumbres, mientras no puede decirse otro tanto de los miembros de la “camerata”, la mayoría de los cuales eran literatos y los músicos con quienes contaban no eran en verdad grandes maestros, como para competir con los anteriores.
Por otra parte, también la música popular había hecho grandes progresos en su estilo melódico, que los de la “camerata” no quisieron aceptar, prefiriendo a toda costa en los “solos” el recitativo, mientras en los conjuntos corales no supieron desligarse de la polifonía. La idea nueva corría el riesgo de morir en su propio nacimiento, a no ser por un genio que la salvó definitivamente: Claudio Monteverdi.

Dominique Meyer será el nuevo director de la Opera de Viena

2007-06-08T12:42:00.000-07:00

El francés Dominique Meyer, actual director general del Teatro de los Campos Elíseos de París, fue nombrado nuevo director de la Opera de Viena a partir de 2010, anunció el ministerio austríaco de Cultura.
Meyer, de 51 años, reemplazará a partir del 1 de septiembre de 2010 al actual director Ioan Holender, quien dirigía la célebre institución desde 1992.
El francés será asistido por un nuevo director musical, el jefe de orquesta austríaco Franz Welser Most, actualmente encargado de la Orquesta de Cleveland en Estados Unidos.
Holender, quien en febrero decidió no prolongar su contrato que vence el 31 de agosto del 2010, se retirará ese año siendo el director que más tiempo ha estado a cargo de la "Casa del Ring", junto a los históricos nombres de Gustav Mahler (1897-1907) y Herbert von Karajan (1956-1964).

Oswald von Wolkenstein (1377-1445)

2007-06-06T13:27:00.001-07:00

Wolkenstein es considerado uno de los más importantes músicos de la Edad Media. Nació en 1376 o 77 en el Castillo de Schöneck, en Tirol, en el ceno de una noble familia. Retratos de aquella época muestran al compositor con un ojo dañado, lo que junto a otros antecedentes demuestran que fue provocado por un accidente en su niñez.

A los diez años emprendió un valioso viaje de aprendizaje por Europa, que lamentablemente fue interrumpido el año 1400 cuando se entera del fallecimiento de su padre en su natal Tirol, que le llevaría por siete años una dura lucha por su herencia con sus hermanos Michel y Lienhard.
A partir de 1415 sirvió al rey de Hungría Segismundo de Luxemburgo, que en 1433 se convertiría en Emperador de Germania, donde adquirió numerosos contactos y aprendizajes en música, política y poesía.
Wolkenstein poseía un amplísimo conocimiento cultural, nutrido gracias a sus constantes viajes por Europa y Asia Menor y el conocimiento de diez idiomas. Todas estas características ayudaron a Wolkenstein a desempeñarse como diplomático y a importar a tierras germánicas los nuevos tratados de la polifonía francesa.
La mayoría de sus canciones son monofónicas, aunque también escribió trabajos polifónicos. Sus melodías sin embargo son de alta calidad. Hay tres grandes temas en sus trabajos: viajes, Dios y burdeles.
Utilizó siempre la notación francesa, así como los ritmos de aquella región. Incluso en algunos trabajos se puede apreciar el trabajo de contrapunto en tres voces. Sin embargo, y a pesar de algunos rudimentarios trabajos, no desarrolló la polifonía en su obra.
Oswald von Wolkenstein murió el 2 de agosto de 1445 en Merano, al sur de Tirol. Lo enterraron en el monasterio de Neustift (norte de Brixen).

Director del Teatro Municipal será jurado de Operalia en París

2007-06-05T14:42:00.000-07:00

El Director General del Teatro Municipal de Santiago, Andrés Rodríguez, fue invitado a participar como jurado en Operalia 2007, importante certamen que se realizará entre el 24 y 30 de junio en París.
El grupo de expertos también estará integrado por los directores generales de teatros como el Covent Garden de Londres, Real de Madrid, de Burdeos y Châtelet, entre otros.
Operalia es uno de los concursos de ópera más prestigiosos del mundo, y fue creado por el afamado tenor español Plácido Domingo para apoyar a los talentos jóvenes de la lírica mundial. Han participado artistas que hoy triunfan en el mundo como Inva Mula, Rolando Villazón, Vitaly Bilyy, Elizabeth Futral y Hiu He, entre otros.
El próximo 24 de junio el Director General del Teatro Municipal de Santiago, Andrés Rodríguez participará como jurado en el Concurso creado por el tenor español Plácido Domingo, Operalia 2007, a efectuarse en la ciudad de París, en el Teatro du Châtelet.
Este concurso es una competencia abierta a todas las categorías de voz para cantantes entre 18 y 30 años y fue creado por Domingo en 1993 para ayudar a jóvenes talentos de la lírica –sin importar sus medios económicos- a desarrollar una carrera artística en los más importantes teatros de ópera del mundo.
Un total de 175 mil dólares serán distribuidos entre los primeros, segundos y terceros lugares, además de los dos premios especiales para cantantes de zarzuela, ofrecidos por Plácido Domingo en honor a la memoria de sus padres y otro premio especial para el participante que recibe el mayor número de votos de la audiencia, quien también participa.

Orden del Sol del Perú para Juan Diego Flórez

2007-06-05T07:50:00.000-07:00

El tenor peruano Juan Diego Flórez, considerado por la crítica como el sucesor de Luciano Pavarotti, recibió el lunes la más alta condecoración otorgada por el gobierno de Perú en reconocimiento a su destacada trayectoria artística y profesional.
Flórez, de 34 años, fue distinguido con la Orden del Sol del Perú en el grado de Gran Cruz, la cual recibió de manos del propio presidente Alan García en una ceremonia realizada en Palacio de Gobierno.

Un discurso emotivo, pero con una dosis de reclamo. Así lo dejó notar el tenor. "Esta condecoración es para aquellos jovenes que vencieron sus miedos y lograron un sueño", indicó Juan Diego, para luego recordar el poco apoyo que reciben quienes desean involucrarse en una carrera musical.
"En Perú, sabemos, hay pocas posibilidades de hacer música. El Conservatorio está pobremente equipado, con pocos instrumentos", puntualizó.
"En 1991 tuve que volver a un antiguo local del Conservatorio de Lima para continuar mi formación, pero los estudiantes fueron nuevamente desalojados. Nos dijeron que realmente aquel se podía caer y tuve que suspender por más de un semestre mis estudios", acotó.
Flórez recordó que debido a ello tuvo que viajar al extranjero para perfeccionar su registro vocal, sin embargo nunca olvidó sus raíces peruanas.
En otro punto de su disertación solicitó a Alan García que apoye la difusión de shows culturales. "Agradezco la sensibilidad del Presidente por la cultura. He sabido que tiene interés por mermar los impuestos de los espectáculos culturales. Sería muy bueno", sostuvo el consagrado artista.
El jefe de Estado agradeció a Flórez porque los peruanos tienen en él "a un mensajero, tienen un punto de referencia para su autoestima", saber que "somos de los grandes en la Tierra". García añadió que "la figura arquetípica" del tenor representa para la juventud "la posibilidad de tener un futuro diferente, distinto a la evasión y al facilismo".

Sólo para la Gloria de Dios

2007-06-04T11:16:00.000-07:00

Sin duda estos últimos años la discografía internacional ha entrado en un fuerte receso. Posterior a los años de bonanza en la década de los noventas, donde se presentó un enorme florecimiento de sellos discográficos, proyectos varios y el apoyo a una nueva camada de artistas, se ha contraído el mercado privilegiando las re-ediciones y los compilados de viejas grabaciones. La vida de los directores y músicos se torna aún más difícil, debiendo ceñirse a los requisitos impuestos por los grandes sellos y guardando los sueños de clásicos ciclos y de obras poco conocidas.
El director holandés Ton Koopman a mediados de la década pasada decidió formar su propio sello discográfico bajo el nombre de Antoine Marchand, luego de que Erato cancelara su ciclo de cantatas de Bach.
Hoy es el turno de John Eliot Gardiner, que durante muchos años se ha enfrentado a las grandes discográficas, básicamente por su obstinada búsqueda de consolidar ciclos de compositores barrocos. El reconocido director británico emprende, a sus 61 años, la vía independiente convencido de que el futuro de la música clásica reside en los pequeños sellos discográficos. "Las grandes compañías han dejado de cumplir su función, pero el mercado discográfico de música clásica no ha muerto. La fortaleza está ahora en los pequeños sellos", defiende.
La inauguración del nuevo sello independiente Soli Deo Gloria es uno de los hechos más significativos de los últimos tiempos en la industria discográfica. El proyecto que Gardiner tenía en mente desde la ruptura de su acuerdo con Deutsche Grammophon para la edición de las 198 cantatas sacras de Bach, que el director inglés fue grabando en vivo durante una peregrinación con el Coro Monteverdi y The English Baroque Soloists por distintas iglesias europeas en 2000, en celebración del 250 aniversario de la muerte del Kantor.

La edición completa de las cantatas ascendería a más de 50 discos, aunque el proyecto abortó rápidamente (los álbumes lanzados con el logo Bach Cantata Pilgrimage son grabaciones que ya estaban el catálogo de Archiv de desde comienzos de los años 90). Gardiner piensa ahora editarlas por su cuenta, bajo la misma inscripción que Bach ponía al fin de sus cantatas, y que se traduce como "Sólo para la Gloria de Dios". Los interpretes serán pagos por medio de las regalías, y la productoria Isabella de Sabata asegura que los costos de cada álbum se cubrirán con la venta de entre 4.000 y 5.000 placas; aunque mientras tanto el proyecto tiene varios benefactores entre la aristocracia inglesa (de donde proviene Gardiner) y recibió la bendición de Alberto Vilar, el mayor mecenas con que la ópera y la música clásica cuentan en la actualidad.

Zarzuela en Los Angeles: "Luisa Fernanda"

2007-06-01T08:37:00.000-07:00

El tenor español Plácido Domingo estrena este fin de semana en la Opera de Los Angeles la zarzuela "Luisa Fernanda" con la dirección de Emilio Sagi, la soprano Karen Vuong y el tenor mexicano David Lomelí. María José Montiel tendrá el papel principal, Domingo será Vidal Hernando y Antonio Gandía le dará voz a Javier. "Esta producción se hizo originalmente para La Scala de Milán y se ha convertido en un vehículo de exportación para un género tan español como la zarzuela", dijo en la rueda de prensa el director de esta obra, Emilio Sagi, cuyo bisabuelo interpretó a Vidal Hernando en el estreno de Luisa Fernanda en 1932.
La historia es un triángulo amoroso donde dos hombres se pelean por el amor de la bella Luisa Fernanda con la lucha de republicanos contra monarquistas.
Domingo busca revitalizar e incentivar la opera y en general la actividad cultural en el público estadounidense, que en California, durante el último tiempo se ha mostrado muy decaída. Para ello se buscan precios módicos una renovada cartelera.

Leonel Power (1375-1445)

2007-05-29T09:03:00.000-07:00

Fue uno de los últimos exponentes de la música medieval inglesa y actor importante en la incorporación de los patrones renacentistas en la música. No se sabe con certeza la fecha de nacimiento de Power, sin embargo es muy probable que naciera en Kent entre los años 1375 y 1385. Se le vincula al servicio del duque Tomás de Clarence, donde habría estado a cargo del coro de la capilla. De sus años de madurez se sabe poco, no existen muchos escritos referentes a sus labores, lo más probable es su vinculación con la capilla real cumpliendo labores de educador y maestro de coro.
Gran parte de su obra se encuentra en el viejo manuscrito de Pasillo, la fuente más completa de la música sagrada inglesa del siglo XV. Es innegable su influencia posterior en la composición musical inglesa, la búsqueda constante de un sonido pleno, vigoroso enlazado constantemente por terceras y sextas. Leonel Power fallece el 5 de junio de 1445, siendo enterrado al día siguiente bajo una pomposa y concurrida ceremonia.

Bach y Haydn en cartelera

2007-05-29T08:10:00.000-07:00

La Camerata de la U. de los Andes bajo la batuta de Eduardo Browne, presentarán una jornada dedicada a Bach y Haydn este miércoles 30 de mayo. La cantata BWV 51 “Jauchzet Gott in allen Landen” (Alaben al Señor en todas Partes) será interpretada con la participación de la solista Paulina González.

Esta cantata fue escrita para el domingo 17 de Septiembre de 1730 en Leipzig. Es una de las cantatas más conocidas de Bach y presenta algunas características interesantes que escapan al modelo de composición de aquellos primeros años. Es una obra exigente para la soprano, de alto virtuosismo y tesitura extremadamente aguda manteniendo durante la obra un continuo dialogo con la trompeta.
La jornada incluye además la sinfonía N°44 de Haydn conocida como “Sinfonía Fúnebre”. Está en mi menor y bajo un tiempo de adagio y dentro de oscuros y cautivantes pasajes, la obra nos guía al recogimiento. Fue escrita en 1771 y a petición del mismo compositor se interpretó el movimiento Lento en sus exequias.

Rodolfo Fischer: "El formato de los conciertos tiene más de un siglo, se puede reformular"

2007-05-28T07:18:00.000-07:00

El director adelanta su variada y exigente agenda de conciertos para este año y su sueño -pronto a cumplirse- de contar con una orquesta propia. Ayer tomó la batuta en Concepción y prepara su regreso al Teatro Colón de Buenos Aires.

Domingo 27 de mayo de 2007
El Mercurio-Artes & Letras
por Maureen Lennon Zaninovic
En Suiza, el país donde nació hace 39 años, Rodolfo Fischer vive con su esposa y sus dos hijos mellizos, quienes ya han comenzado a resentir la intensa rutina de un papá director de orquesta:

"Lo más difícil de esta carrera son los continuos viajes que me impiden estar todo lo que quisiera con ellos. Max Valdés me lo advirtió: 'Hay que acostumbrarse a este ritmo. La vida del músico es así' y tiene toda la razón; pero cuesta aceptarlo", dice en un plano más confesional.

Itinerar ha sido parte esencial de su vida desde que empezó, a los cinco años, sus estudios de piano en Ginebra y que después continuaría en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile Chile. Fischer, además, aprendió dirección orquestal en el Curtis Institute de Filadelfia. Riguroso y ciento por ciento profesional, su talento y dedicación le permitieron ser director residente del Teatro Municipal durante cuatro años (hasta el 2002); donde además de asumir la conducción de la temporada oficial de la Filarmónica, tuvo a su cargo más de 20 óperas. Hoy es una de las jóvenes batutas chilenas con una mayor proyección internacional, con conciertos y presentaciones por todo el mundo.

No más Mozart

Ayer, y en un breve regreso al país, dirigió a la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Concepción (entre otras piezas, el Concierto doble para violín, de Brahms y Petrouchka, de Igor Stravinsky:

"Es una pena, pero no coincidieron las fechas para participar en los 150 años del Teatro Municipal. Me habría encantando", agrega.

-¿Balance 2006?

"Agenda copada y fue curioso, porque me tocó dirigir las tres óperas de Da Ponte: 'Don Giovanni', en Dortmunt (Alemania), 'Così fan tutte' en el Teatro Colón' (mi debut en ese escenario) y 'Las Bodas de Figaro'; esta última en gira y con 5 orquestas danesas. Así que fue un año muy mozartiano y lleno de revelaciones. Mozart es un libro de muchas opciones, desde lo más Barroco que se está haciendo hoy (me gusta mucho esa opción), usando la sonoridad de los instrumentos originales, hasta el empleo de orquestas románticas. Por otro lado, al verme envuelto en una situación como la de Dinamarca, con triple elenco y con varios cambios de orquesta, cada función me fue aportando una arista nueva y enriquecedora. Estoy muy contento con todas las puertas que se me están abriendo. Fue un muy buen 2006, con 100% de reinvitaciones a todos los lugares donde me tocó dirigir. Y eso es un indicador de que las cosas van bien. El 12 de agosto, por ejemplo, tengo una gala muy importante en Dinamarca (Orquesta Sinfónica de Odense)".

Dirigirá a José Cura

-Leí en una entrevista que no quería que lo encasillaran en la ópera alemana...

"Esas cosas suceden por factores tan simples como el que uno se apellide Fischer (risas). Lo más divertido es que la gente sigue creyendo que soy de origen alemán, cuando mi abuelo era húngaro. Otro ejemplo de que uno no tiene control sobre este tipo de situaciones ocurrió cuando el director general del Teatro Colón me dijo: 'No te voy a dar el 'Don Giovanni', en 2007, porque no quiero que te encasillen en Mozart. A cambio te voy a asignar la dirección 'Samson y Dalila', de Camille Saint-Säens, a partir del 24 de junio y con el tenor José Cura en el elenco (como el Colón está cerrado por refacciones, las funciones se trasladarán al Teatro Coliseo), además de un par de conciertos junto a la Orquesta Filarmónica'. Y la verdad es que no puedo estar más que contento. El público argentino es espectacular, demasiado efusivo. Mi debut en ese país ocurrió, en 2004, en el Teatro Avenida, con 'Ariadne auf Naxos', de Richard Strauss. Fue una cosa espeluznante, maravillosa. Me fascina el mundo de la ópera. Nací entre medio de cantantes y bambalinas. Mi mamá, Elba Rojas, trabajó 10 años como pianista del Teatro Municipal; así que conozco de primera fuente este mundo. La música sinfónica, en cambio, es más rápida y solitaria. En Europa, por ejemplo, todo se maneja en tres días. Uno llega a un escenario, ensaya, actúa y se va. No hay tiempo de conocer a las personas que uno tiene delante. La ópera tiene algo más familiar que me encanta".

Con cata de vinos

-¿Cómo fue su debut en el Colón, con "Così fan tutte"?

"Me preparé muchísimo y, gracias a Dios, todo resultó bien. Como la producción fue tan chilena (del Teatro Municipal de Santiago), al final terminé haciendo una degustación de vinos para toda la orquesta; claro que con todas las viñas que a mí me gustan (risas). Tuve un elenco fantástico. Un amigo me dijo que me tocó dirigir a la selección de los cantantes argentinos. Además, tener detrás a ese coloso como es el Colón, con el público que se te viene encima, es una sensación irrepetible. Pocos teatros tienen esa calidez acústica. Es como estar dentro de un contrabajo".

-Es casi un lugar común decir que los argentinos aprecian mucho más a sus artistas...

"Y saben muchísimo. Y lo más increíble es que, en plena crisis, en 2002, los teatros estaban llenos. El tema de la audiencia y del recambio de público nos concierne a todos. En Chile, por ejemplo, el acceso al centro se ha vuelto más difícil y, por otro lado, está la gran cantidad de alternativas que uno tiene para ocupar en el tiempo libre. A un joven le cuesta mucho decidir qué va a hacer el 16 de junio, a las 19:00 horas. No tiene idea y esa decisión supone abonarse a una temporada. Por otro lado, con las jornadas de trabajo tan largas, es imposible llegar temprano a una función. También está el hecho de que la música clásica no es un espectáculo multimedia, como un IPod, donde cambias una canción cuando lo desees. El desafío es cómo llegar a esa generación multimedia".Ipod, el nuevo Dios

-Alejandro Jodorowsky decía que el dios actual es el IPod, ¿Está usted de acuerdo?

"Totalmente. Es el objeto más de culto que ha aparecido en los últimos 20 años. En este nuevo escenario tecnológico, el desafío para mí, como director de orquesta, es captar la atención del público durante dos horas, cautivarlos con un espectáculo que es básicamente auditivo, sin acción en escena. He analizado la realidad de muchas orquestas norteamericanas, como la de Chicago, y ha sido una constante cómo les cuesta captar nuevas audiencias. Antes se confiaban en un abono vendido a tope, pero hoy apenas llegan a un 80%. Este fenómeno no tiene que ver con un desinterés por la música clásica. Cada vez se abren más salas, pero también hay más opciones. Una persona puede ver, tranquilamente, un DVD de su conjunto favorito desde el sofá de su casa o seguir una música desde su IPod, mientras está haciendo otra cosa. ¿Cómo hacer para que los jóvenes entiendan que el espectáculo en vivo es una experiencia única e irrepetible?. Esa es nuestra responsabilidad. Por otro lado, el formato de conciertos tiene más de un siglo, así que perfectamente puede reformularse".

-¿Sueños?

"Me gustaría tener una orquesta propia. Estoy en conversaciones avanzadas (todavía no puedo adelantar mucho) y dentro de lo posible, tener mi agenda dividida entre óperas y conciertos y, ojalá, entre Latinoamérica y Europa".

-¿Y el Teatro Municipal?

"Eso requiere que sea titular en otra orquesta. Llegar sin esa experiencia a un escenario tan importante como el Municipal, puede ser muy peligroso".

En una línea...

Directores favoritos: Carlos Kleiber, John Eliot Gardiner y Mariss Janson.

Un sueño no cumplido: Dirigir la tetralogía de Wagner

Sus mellizos: Se divierten mucho conmigo.

Chile: Siempre está ahí, en mi corazón.

Fundación de Orquestas Juveniles: Gran trabajo, pero sugerirá exigirles más a los niños y espero que sea fuente de recambio de público.

Premio Nacional de Música: Se lo daría a Alejandro Guarello.

Mendelssohn a subasta (Madre, me siento extraño)

2007-05-24T09:49:00.000-07:00

Una partitura autógrafa de Félix Mendelssohn Bartholdy (1809-1847), con una canción inédita del compositor (1825), fueron subastadas en £21,600 por la casa Sotheby. La canción va acompañada de otras dos composiciones para voz y piano, una de las cuales se conocía hasta ahora solamente por un fragmento conservado en Berlín.

Las nuevas piezas pertenecen al Mendelssohn joven. El dr Simon Maguire, experto de Sotheby's, comenta sobre el manuscrito en Sotheby: “El Mendelssohn joven es el arquetipo del gran talento musical precoz, aún más que Mozart. Él escribió obras maestras perfectas a los dieciséis años: tener nueva música de él es como tener un nuevo poema de Keats.”
La composición "Seltsam Mutter geht es mir" (Madre, me siento extraño) no aparece registrada en la documentación existente sobre el autor. Data de los años 1824-25 y está compuesta en tonalidad de Do mayor.
De mayor interés desde el punto de vista musical, según Simon Maguire, es el descubrimiento de la versión completa de "Der Wasserfall", de la que sólo se conocía la primera página. Pertenece a la misma época que el "Octeto" y tiene un considerable interés por su carácter eminentemente experimental.

La Opera en Italia (I parte)

2007-05-23T13:42:00.001-07:00

Ópera es una palabra italiana que significa obra, deriva del latín opus, en plural ópera, de idéntica significación. Incorporada al habla corriente, se designa con ella la obra teatral más completa por la riqueza y variedad de los elementos que la componen.

La música escénica es antiquísima. Ya hemos visto, con referencia al teatro griego, la gran intervención que se le concedía. Pero de allí había mucho trecho que andar hasta llegar al género en que la música desempeña constante papel para convertirse en el principal elemento de las artes que concurren en la representación.

El camino de la monodia a la polifonía palestriniana evidentemente era ascendente. Pues bien, la ópera produjo desde el primer instante una verdadera revolución, como que se quisiera desandar lo andado y llegar a crear como estilo propio el de la monodia acompañada. Es decir, en lugar de que concurran a la construcción musical varias voces, todas en pie de igualdad, en el nuevo género deberá prevalecer una sola, como dueña y señora, llevando un acompañamiento instrumental del cual habrá de surgir la armonía.
Como esta novedad surgió en Italia, se la llamó “Ópera in música” lo cual significaba “obra musical”.
Pero hay que entender bien que el nuevo género, la ópera, no es el del drama con canto sino el del estilo musical dramático. La ópera, pues, sólo pudo existir desde el día en que se pudieron traducir musicalmente la acción escénica, las palabras, el diálogo y el juego de las pasiones.
En Módena, Orazio y Vecchi, eximio polifonista del siglo XVI, aplicó la forma del madrigal a asuntos dramáticos. Estos asuntos no se representaban: el argumento era explicado por un recitador y, luego, ejecutado musicalmente por el coro. Así la polifonía seguía triunfando; el coro expresaba alterativamente los sentimientos de los personajes. Al entablar un dialogo dos personajes, el coro se dividía en dos grupos que representaban a esos dos interlocutores.
La opera, pues, no nació de improviso: fue germinando de formas y tendencias, musicales y teatrales.

El Barroco - La Opera Italiana - Revolución Musical del Siglo XVII

2007-05-21T15:19:00.000-07:00

En el Barroco, palabra que designa un estilo artístico y también un período que se extiende desde finales del siglo XVI hasta avanzada la segunda mitad del siglo XVIII, se modifica profundamente, el mapa musical de Europa.

La influencia italiana se extiende por todos los países, tanto en el campo de la Opera como en el de la música instrumental. El hombre del barroco vive una época de crisis tanto económica como espiritual que en la música tendrá un sentido dramático y expresionista. Dentro del Barroco, podemos señalar tres períodos:

1. El Barroco Temprano, que va desde aproximadamente, 1580 hasta 1630 o 40, en el cual se busca explorar nuevas sonoridades y disonancias con obras poco extensas y marcando diferencia entre las obras vocales e instrumentales. A finales de este período aparecen las primeras Óperas y Oratorios. Comienza a hacerse uso del continuo.

2. El Barroco Medio, ubicado entre 1630 ó 40 y 1680 ó 90, caracterizado por el desarrollo y auge de la Ópera, el Oratorio y la Cantata. Y un último período,

3. El Barroco Tardío, entre 1680 ó 90 y 1759, cuando surgen y se consolidan las nuevas formas musicales, las cuales adquieren una mayor dimensión y duración. Se desarrolla la música instrumental y domina sobre la vocal.

En 1759 se inicia un período de transición hacia el clasicismo musical conocido como Preclasicismo, cuyas características no son claramente diferenciables; algunos compositores escribirán sus obras dentro de los tres estilos. Por eso, muchos autores prefieren englobarlo dentro del Clasicismo en general.

En los comienzos del Siglo XVII, coincidiendo con el segundo período señalado, se crea un estilo nuevo de composición musical, se trata del ESTILO MONÓDICO, dicho en otras palabras: la línea melódica o melodía principal es apoyada en armonías, nace así, LA ÓPERA, cuyos primeros argumentos fueron totalmente inspirados y tomados de la literatura clásica griega, se pretendía reeditar una forma artística del pasado: el Drama Griego.

Jacopo Peri (1561-1633), cantante y compositor italiano nacido en Roma, que se había formado musicalmente desde muy joven en Florencia con Cristofano Malvezzi, hizo carrera de organista y de cantante y en 1588 pasó a prestar servicios como músico en la Corte de los Médicis; compuso la ópera Dafne (1594) la cual se estrenó en el palacio del Conde Jacopo Corsi, cuyo manuscrito se perdió, con textos del poeta y libretista ya nombrado, Ottavio Rinuccini (1562-1621), este autor literario se había nutrido en la poesía renacentista cortesana de su época.

En sus dramas, el acento carga en el aspecto lírico, a despecho de la escena. Era poeta de la corte y sus creaciones líricas y dramáticas surgieron, generalmente, al servicio de ella y dentro del espíritu cortesano.

En sus libretos, glorificaba las hazañas de sus señores y sus piezas dramáticas estaban destinadas a proporcionarles esparcimiento.

Es pues, en Italia donde la fusión y compenetración del drama con la música se realiza de manera verdaderamente armónica; ellos se extasían al escuchar ópera porque les habla en un lenguaje de sentimientos liberados de las cadenas del razonamiento. Se abandonan a la pasión y se entregan al deleite sin intentar controlarlo. Todo esto favorecerá el florecimiento de la Opera, un género exclusivamente italiano, con raras excepciones, para un pueblo pletórico de vida y arte.

La primera ópera aún conservada es Euridice presentada en el Palacio Pitti de Florencia para la fiesta nupcial del convertido al calvinismo (promulgó el Edicto de Nantes 1598), gran aventurero amoroso y primero de la Casa de Borbón, rey Enrique IV de Francia (rey 1589-1610) con María de Médicis (nativa de Florencia) el 6 de octubre de 1600, luego de la anulación de su matrimonio con Margarita de Valois (fin de la dinastía Valois y comienzo de la dinastía de los Borbones). Esta ópera fue compuesta por Jacopo Peri, con algunas arias y otros aportes del músico contemporáneo y maestro de Peri, Giulio Caccini (1550-1618), temprano autor de Cantatas con su Nuove Musiche (1601). Peri, como buen cantante que era, asumió el papel de Orfeo en el estreno.

En el ámbito de la música religiosa, el compositor Emilio dei Cavalieri (1550-1602) aplica las nuevas ideas teatro-musicales a viejas formas de teatro medieval y crea el Oratorio y T.L de Victoria compone su Officium Defunctorum (1605).

También, Claudio Monteverdi (1567-1643), director en San Marcos de Venecia, quien se destaca como maestro autor de Madrigales, tanto A Capella como Dramáticos o A voci et Istromenti, con argumentos del poeta Torquato Tasso (1544-95).

Por encargo del Duque de Mantua y con libreto de Ottavio Rinuccini, estrena en 1607 su primera obra lírica La favola in musica L’Orfeo, primera gran ópera de la história de la lírica, editada en 1615; y un año más tarde Lamento d’ Arianna (1608), ópera que también alcanzó gran éxito y le dio fama. Lamentablemente, no nos ha llegado sino un corto fragmento de la misma.

Monteverdi organiza la orquesta para sus óperas, despoja a sus personajes de arcaicas vestiduras y busca un completo realismo en sus obras; desarrolla el Bel Canto Arioso y encasilla los recitativos dentro de límites muy definidos. Nunca prolonga demasiado su declamación recitativa. Llegó a un estilo basado en la sucesión dramática de las formas cerradas, separó el recitativo del aria, la forma estrófica, los ritornellos, insertó danzas e intervención de coros; encarnando y sintetizando todas las tendencias musicales del Barroco Temprano.

Así mismo y como lo mencionamos, destacan en este período, las óperas compuestas por Marco Antonio Cesti (1623-1669) discípulo de Carissimi, cantor en Roma y Florencia y maestro de capilla en la Corte de Austria en 1666. Es autor de las óperas L´Orontea y L´Argia, Tito, Le disgrazie d´Amore, Il Cesare amante y del oratorio Judicium Salomonis, además de motetes y cantatas y por un representante de la ópera romana, Stefano Landi (c.1590-1655), autor de las óperas La Morte d´Orfeo e Il Sant´Alessio, presentadas con el auspicio de los príncipes Barberini y otros mecenas, en el elegante teatro construido para tales fines.

Y el cantante, violinista y compositor, perteneciente a la nobleza, Alessandro Stradella (c.1645-1682), autor de las óperas El Esclavo Liberado, La Fuerza del amor paterno, y otras, además de motetes, canciones religiosas y madrigales.

Hemos visto como, en 1637 se construye el Primer Teatro Lírico del Mundo, se trata del Teatro San Casiano en Venecia. De inmediato, proliferaron estas edificaciones en el resto de Europa.

Este acontecimiento, mueve a Monteverdi, quien desde 1630 se había dedicado a la vida religiosa ordenado como sacerdote y lo lleva a componer sus últimas grandes óperas, entre las cuales se han conservado Il Ritorno d´Ulisse in Patria (1641) y La Incoronazione di Poppea (1642), esta última, constituye la más moderna y teatral de las óperas de este período. En ella, la perfección estética de la fábula pastoril se sustituye por la fuerza del melodrama.

Los venecianos, por su parte, ávidos del espectáculo de moda, reciben con gran entusiasmo, las obras de su primer gran compositor de las óperas Le Nozze di Teti e di Peleo, Gli amori di Apollo e di Dafne, se trata de Pietro Francesco Cavalli (1602-1676), discípulo y luego sustituto de Monteverdi en 1668, como Maestro de Capilla en la Catedral de San Marcos. Gradualmente, Venecia fue cediendo su supremacía en la ópera a Nápoles, la mayor ciudad italiana a comienzos del siglo XVIII.

En Nápoles, se destaca como compositor de óperas el ya mencionado Francesco Provenzale (1627-1704), profesor en el Conservatorio de Sta. María di Loreto entre 1663 y 1674; más tarde entre 1675 y 1701 profesor en el Conservatorio de Turchini. Se le considera fundador de la Escuela Operística Napolitana. Es autor de Lo schiavo di sua moglie, Difendere l´offensore y otras seis óperas, nueve cantatas y música sacra. Resalta también en Nápoles el importante compositor de esta escuela, Alessandro Scarlatti (1660-1725), nombrado maestro de capilla de la corte en su ciudad natal y más tarde en Florencia, donde fue protegido por Fernando de Médicis. Luego fue a Roma. En 1706 y junto a Corelli y a Pasquini, formó parte de la Academia de los Arcades fundada en Italia hacia 1690 con el propósito de retomar los principios renacentistas. Finalmente, regresó a Nápoles. Es conocido como autor de más de una centena de óperas, entre ellas figuran: L´Errore Innocente, ovvero Gli equivoci nel sembiante, L´honesta negli amori, Il Pompeo y otras; 200 misas, cantatas, concerti y Oberturas con varios Tempi o Movimientos, de las cuales se derivarían más tarde las Sinfonías clásicas. Con su ópera Rosaura introdujo innovaciones en el recitativo secco; el Aria con Da Capo, y además, comenzó a utilizar la Obertura Italiana o Sinfonía con un esquema organizativo de los movimientos o tempi (Allegro-Lento-Allegro) y una formación orquestal muy similar a la de los primeros sinfonistas clásicos (Sammartini, Stamitz, Monn, Haydn).

En estos años, se inicia en Nápoles la Era del Bel Canto, consistente en una emisión tersa y cristalina, con una técnica que permitía competir con los instrumentos en el virtuosismo, ágil y capaz de los más extraordinarios matices en la potencia y el timbre, que desarrollará el cultivo de las artes vocales hasta lograr resultados magníficos.

A la Escuela Napolitana pertenece también el destacado compositor Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736), quien en sólo 26 años de vida segada por una tuberculosis, pudo componer muchas óperas, tales como La Salustia, Lo frate´ nnamurato, escrita en dialecto napolitano; Il Prigoner superbo; Il maestro di Musica y La Serva Padrona, la más celebrada de las Óperas Cómicas u Ópera Buffa, de su época; además, es autor del Oratorio La Morte di San Giuseppe y varias obras para voces, cantatas y música instrumental: 1 o 2 conciertos y más de 10 sonatas.

La Música Religiosa

Junto a la música litúrgica, compuesta para las ceremonias del culto, existe en el Barroco una gran producción de música de profundo contenido espiritual; ubicada entre la profana y la litúrgica y que, pronto integra el repertorio de conciertos, destacan en este género: el Oratorio, la Cantata, las Pasiones y el desarrollo renovado del Motete. En la Iglesia católica se robusteció el culto a los santos. Es el momento de una iglesia con un clero ataviado con ornamentos rícamente confeccionados, grandiosa arquitectura, altares adornados de oro y plata, música vibrante de coros múltiples, orquesta y grandes órganos; elaboradas procesiones con la participación de los feligreses acompañados de orquestas de instrumentos de viento y percusión. La historia y la filosofía entran al servicio de la Iglesia Católica, la filología educa a sus ministros y la música y las artes contribuyen a la glorificación de su remozada omnipotencia. Sobre tales parámetros, se estableció un sólido plan de instrucción que aseguraba una educación modelo pero al mismo tiempo, muy rígida. Se establecían así, las bases para el Barroco de la Iglesia Triunfante del siglo XVII, que venía a hacer contrapeso a los repertorios musicales reformistas: Luterano, Calvinista y Anglicano.

El Oratorio y la Cantata

Esta forma musical toma el nombre de la Orden Religiosa Oratoriana fundada por el florentino, Felipe de Neri, quien tenía la costumbre de hacer cantar cada día en su comunidad religiosa de Roma los himnos llamados Laudi Spirituali, compuestos en estilo polifónico por su amigo, Giovanni Animuccia (1500-1571), quien se desempeñó como maestro de capilla del Vaticano desde 1555 hasta su muerte; luego, por Giovanni Pierluigi Da Palestrina y el español cantor del Coro Papal, Francisco Soto de Langa (1539-1619). De origen profano, el auténtico Oratorio, nace pues en Roma pero rápidamente, se extiende por toda Europa. Adopta la monodia y adquiere varios elementos de las óperas: los recitativos, dúos, coros, solos y partes narradas por un cronista; sin embargo, no estaban destinados a la representación escénica, es decir, los personajes no actuaban, solo se limitaban a cantar. Se escribían en lengua latina (Oratorio Latino) o propia del país (Oratorio Volgare) sobre textos religiosos.

El primer Oratorio conocido se llama Rappresentazione dell’ Animo e del Corpo, fue compuesto por Emilio de Cavalieri (1550-1602) y presentado hacia 1600 en Roma, en la Capilla de los Oratorianos (Neristas). En esta obra, realidad y fe, razón y afecto, alternan humilde, fuerte y rudamente de episodio en episodio. El tono de la prédica se transforma en una voz celeste; el fin práctico trasciende en el éxtasis.

Giacomo Carissimi (1605-1674) maestro de capilla en Assisi y luegop en Roma (Chieza de Sant’ Apollinaire). Perfeccionó el Oratorio en latín, concretando la participación de personajes y dándole mayor importancia a la melodía; agregando además, partes corales muy emotivas. Conservamos sus motetes, misas, cantatas sacras, dúos vocales y cerca de 15 de sus Oratorios: Historia de Job, Balthazar, Abraham e Isaac, El Ultimo Juicio, Jonah y otros.

La Cantata podemos encontrarla en Italia, en la Nouve Musiche (1601) de Giulio Caccini (1588-1618) y Varie Musiche (1609) de Jacopo Peri. Aunque el término Cantade, solo aparece por primera vez en Alessandro Grandi (¿?-1630) quien lo utiliza para una de sus obras en 1620. En la Escuela Boloñesa, con Giovanni Colonna (1637-95), Giuseppe Tosi (¿1620-¿?) y Alessandro Stradella (1645-82), quien perfecciona y desarrolla cantatas Da Chiesa, Da Camera, sagradas y profanas. En la Escuela Napolitana destacan las numerosas Cantatas de Alessandro Scarlatti (1660-1725).

En Alemania se desarrolla el Oratorio, a partir de las Canciones Sacras, Madrigales, Motetes y Pasiones de Antonio Scandellus (1517-80), natural de Dresde, luego de sus visitas a Brescia (1567), y también con las Cantiones Sacrae del ya nombrado Heinrich Schütz (1585-1672) en 1623, quien además, con sus Symphoniae Sacrae se convierte en un Precursor de las Cantatas Alemanas, las cuales permitían destacar las cualidades virtuosistas de los cantantes solistas. Comenzaron siendo un aire (aria) para una sola voz y luego se agregaron duos, coros, recitativos y ensambles.

Schütz también introdujo en Alemania las Pasiones Responsoriales (Pasiones según San Mateo, San Lucas y San Juan, hasta 1665), espécie de cantata para conmemorar la Pasión y Muerte de Cristo y en la cual sólo se canta, no se representa; en ellas, los textos del narrador están a una sola voz; los soliloquistas a dos o tres voces y el pueblo o turba polifónicamente al estilo coral.

Las Pasiones alcanzarán un sitial preponderante en la segunda mitad del siglo XVIII con las Cantatas de Pasión, los Oratorios de Pasión y en especial, con las Pasiones Oratoriales compuestas por Johann Sestian Bach, en ellas se cantaba en coro con acompañamiento de bajo continuo y orquesta de diversos instrumentos alternándose recitativos y arias encomendadas a solistas. Hacia el norte de Alemania, el compositor y organista Dietrich Buxtehude (1637-1707), escribió numerosas Cantatas a las cuales agregó los Corales al estilo de los usados por la Reforma Luterana. Johann Kuhnau (1660-1722), se desempeñó como organista y Maestro de Capilla en St. Thomás de Leipzig, autor también de obras instrumentales, Sonatas Bíblicas, precursoras de la música descriptiva, Motetes, Himnos, etc. Fue el predecesor de J. S. Bach en el cargo de Maestro de Capilla en Leipzig.

Las Cantatas en el Barroco Tardío, alcanzaron su punto culminante con la extensa y maravillosa obra de Johann Sebastian Bach (1685-1750), quien compuso cinco (5) Ciclos de cincuenta y nueve Cantatas (59) cada uno, de los cuales se conservan tres. En el Oficio Religioso Luterano las Cantatas se ejecutaban antes y después del Sermón del Celebrante, razón por la cual a menudo, estas Cantatas eran bipartitas.

Las Cantatas Profanas (ó Seculares) tuvieron mucha aceptación en Alemania, donde destacó el compositor Reinhard Keiser (1674-1739) formado en Leipzig, autor de óperas, oratorios históricos, una Pasión según el evangelio de San Marcos, y cantatas profanas; Georg Ph. Telemann y también, J. S. Bach (p.e. Cantatas: Der Schulmeister y Die Landlust, de Telemann; y las Cantatas N° 202, Weichet nur, ßetrübte Schatten, y N°212 Mer hahn en neue Oberkeet de Bach) entre otros, escribieron Cantatas Profanas y les dieron características totalmente diferentes a las compuestas en Italia. Bach escribió 23 Cantatas Profanas. En todas sus Cantatas, el compositor acuñó un lenguaje musical propio con motivos y ritmos similares en pasajes de texto que guardaran similitud. Los compositores de Cantatas que siguieron a J. S. Bach, a finales del siglo XVIII, cayeron en esquemas muy estandarizados y poco interesantes; sus textos también se mostraron fuera de moda y fosilizados, todo lo cual influyó en la decadencia del género.

En Francia aparece la Cantata hacia 1695, con el Adieu de Tircis à Climeine del compositor Michel Pignolet de Montéclair (1667-1737) y luego con la aparición del primer libro de Cantatas (1706) de Jean-Baptiste Morin (1677-1745). Las Cantatas francesas utilizarán el patrón de alternar tres arias y recitativos (p.e. Le Retour de la Paix, Pignolet de Montéclair). En cuanto a la temática, darán preferencia a los textos y poesías amatorias. Las más interesantes Cantatas francesas pertenecen a los compositores Louis-Nicolas Clérambault (1676-1749) y por supuesto, a Jean-Philippe Rameau (1683-1764), quienes escribieron Cantatas antes de 1733; después de esta fecha, el género declinó en importancia a favor de la nueva y más breve Cantatille del Rococó.

En Inglaterra, la Cantata fue muy bien recibida por parte de los poetas y compositores ingleses quienes siguieron los patrones y estilos de los italianos en sus recitativos y arias. Johann Christoph Pepusch (1667-1752) aclamado por sus Six English Cantatas (1710) fue el primer cultor de este género en Inglaterra. A partir de 1740, la estructura Italiana cedió el paso a un estilo inglés más rejalante y ligero lleno de melodías sencillas y pegajosas. Este cambio se nota en las Cantatas de Charles John Stanley (1713-1786) y de manera especial en las obras de Thomas Augustine Arne (1710-1778) presentadas en 1755, dotadas de una orquestación con acompañamiento de una gran orquesta de cuerdas e instrumentos de viento que marcan el fin de la Cantata dentro de las formas de cámara en Inglaterra y dan paso a nuevos géneros como las óperas pasticcio, las odas dramáticas y óperas-baladas.

Johannes Ciconia (ca. 1335 o ca. 1370-1412)

2007-05-21T08:51:00.000-07:00

No existe claridad sobre la fecha de nacimiento del compositor, debido a que en muchas investigaciones se le ha confundido con su padre adoptivo, compositor igualmente llamado Johannes. Sin embargo existe consenso en catalogar su obra desde el año 1390. Ciconia nació un 10 de junio entre el lustro que abarca el 1335 y 1370.
Ciconia heredó los estilos de los grandes compositores del siglo XIV, entre otros los de Guillaume de Machaut y de Francesco Landini. Pero evolucionó gradualmente hacia nuevas técnicas y su acercamiento resultó en un glorioso cuerpo de obras tardías que sentaron las bases de mucha música importante en el siglo XV.

La música de Ciconia pudo ser el equivalente internacional más cercano al estilo gótico en el arte. Pero parte de la fascinación de su música está en el rango de estilos distintos que empleó en el curso de una carrera relativamente corta.
Aunque se conservan cerca de cincuenta obras de Ciconia, su biografía y su carrera han provocado mucha confusión. Lo que han establecido los investigadores es que Ciconia fue hijo ilegítimo de su sacerdote en Lieja. Hacia 1391 estaba en Roma como capellán del cardenal francés y, tanto como se ha llegado a saber, pasó el resto de su carrera en Italia, siendo el primero de una distinguida serie de compositores del norte que concretó exitosas carreras en Italia en los siguientes 150 años.
Ciconia pasó la última década de su vida en Padua y formó parte de los extraordinarios desarrollos políticos en las relaciones entre Padua y la cercana Venecia. De hecho compuso obras para celebrar la cesión de la Comuna de Padua a la República de Venecia.

Emerson String Quartet: Brahms en su cumpleaños

2007-05-19T13:48:00.000-07:00

El Emerson String Quartet se ha convertido en estos últimos años en una verdadera fábrica de producción musical. Las más exitosas presentaciones en Europa y Estados Unidos con un inagotable repertorio dan nacimiento a una cadena de discos alabaos y premiados alrededor de todo el mundo.
Drucker y Setzer en el violín, Dutton en la viola y Finckel en el cello conforman este exitoso cuarteto que junto al pianista Leon Fleisher han plasmado bajo el sello Deutsche Grammophon un maravilloso disco que incluye los cuartetos Op. 51 y 67 de Johannes Brahms y su maravilloso quinteto Op.34.

El cuarteto N°2 Op.51 se encuentra dentro del selecto grupo de las más bellas composiciones para música de cámara. Pertenece al período medio, nostálgico, otoñal, aún bajo algunas influencias de Beethoven. La interpretación alcanza el nivel de intimidad y entrega de otros célebres registros, especialmente en el Quasi Menuetto que nos lleva a los pasajes más nostálgicos de la obra, que luego abre paso a Trio y un Finale interpretado de forma brillante.
El quinteto Op.34 resulta una verdadera joya y la gran excusa del disco que viene a celebrar los treinta años del cuarteto. El pianista Leon Fleisher toma la dirección de la obra de forma brillante avanzando a la complementación perfecta entre el cuarteto de cuerdas y el piano. Para quienes conocen un poco más del pianista oriundo de San Francisco sabrán del merecido reconocimiento a su trabajo, no solo por la impecable interpretación, sino por las serias dificultades que han aquejado a su mano derecha. Discipulo de Artur Schnabel y con una ascendente carrera, Fleisher se le presentó una distonía muscular que no solo le impidió tocar el piano, sino realizar labores tan básicas como peinarse o lavarse los dientes.
Sin el menor rastro de sus dificultades, Fleisher nos abre las puertas del elaborado quinteto que tanto le costó ver la luz. A sus veinte años Johannes Brahms comenzó a esbozar el quinteto con dos violonchelos. Años más tarde lo cambia a sonata para dúo de pianos, pero su sonoridad y falta de cuerdas no convencen al compositor alemán. Finalmente en 1864, tras la ayuda de Clara Schumann, Brahms se convence de dar por terminada la partitura como Quinteto para piano y cuerdas, firmando así, una de las más notables obras del repertorio clásico.

Placido Domingo: 40 años de Carrera

2007-05-17T12:02:00.000-07:00

VIENA.- El tenor Placido Domingo festejará sus 40 años de carrera en la Opera Nacional de Viena (Staatsoper) el próximo sábado con una presentación única donde mostrará intacta a sus 66 años la pasión por su arte.
"Es una semana emocionante para mí. Fue un sueño comenzar a los 26 años en Don Carlos en Viena", en una ciudad excepcional por su belleza y por "su amor a la música", declaró a la prensa el tenor y director de orquesta español.
Plácido Domingo recordó asimismo que en esa ocasión inicial casi se cae sobre la orquesta, debido al gran entusiasmo que traía entonces.
A su lado el director de la Opera Nacional, Ioan Holender, quien fue su agente en la época, habló con entusiasmo "de un hombre y artista simplemente extraordinario", que goza de una prodigiosa memoria musical.
"Era un bulímico que una noche de 1993 fue capaz de cantar dos papeles en dos teatros de la capital austriaca y tomó además el tranvía entre ambos para descansar un poco", agregó.
"Mi pasión por salir a escena sigue siendo la misma que hace cuarenta años", indicó el tenor y jefe de orquesta español, que dirige también las óperas de Washington y Los Angeles .
"Tengo mucha suerte de poder cantar a mi edad, 66 años", destacó.
En cuanto a los secretos para haber llevado con éxito tal carrera, figuran "quizás el haber trabajado tanto para ser tenor pese a tener voz de barítono lírico" y "tomar muy en serio una carrera que exige demasiada concentración", dijo.
Por último agregó que tal vez debe agregar el saber "utilizar el silencio para cantar".
El sábado Domingo interpretará una vez más los temas de "La Walkiria" de Richard Wagner y luego en la segunda parte "Otelo" de Giuseppe Verdi.
La presentación de gala, con el teatro lleno, como es costumbre en Viena, será transmitida en directo por una pantalla gigante en la plaza Herbert von Karajan -director que Domingo admiraba mucho- y en una serie de cadenas de radio europeas.
La transmisión en pantalla gigante al exterior de la ópera será la norma a partir del año próximo para todos los espectáculos, indicó Holender.
Entre sus proyectos más ambiciosos, está la producción de un nuevo Ring wagneriano en Washington y Los Angeles, "mi sueño norteamericano" y en 2009 una ópera del mexicano Daniel Catán, inspirada en el filme "El Cartero", donde cantará en el papel del poeta chileno Pablo Neruda, precisó a la AFP.
La opera vienesa publica en esta ocasión dos obras, con homenajes al tenor: "Plácido Domingo, 40 años en el Wiener Staatsoper".

Francesco Landini

2007-05-16T17:27:00.000-07:00

Desde muy temprano comenzó sus estudios de composición, el laúd, flauta, guitarra y especialmente el órgano, el instrumento en el cuál sobresale tanto como para ser llamado degli Organi (François de Francesco del órgano).
Se cree que nació en Florencia, aunque su sobrino, el humanista Cristoforo Landino, sitúa su lugar de nacimiento en Fiesole. Su padre, Jacopo del Casentino, fue un pintor conocido de la escuela de Giotto.
Según nos cuenta Villani, el rey de Chipre, quién estuvo varias veces en Venecia en la década de 1360s, le concedió una corona de laurel. Posiblemente, Landini, estuvo alguna temporada en el norte de Italia antes de 1370.
En 1361, fue contratado como organista en el monasterio florentino de Santa Trinità y a partir de 1365, en la iglesia de San Lorenzo . Según Villani, estuvo involucrado en las controversias políticas y religiosas de su tiempo, si bién mantuvo buenas relaciones con las autoridades florentinas. Landini conoció a muchos otros compositores del Trecento como Lorenzo da Firenze, con quién trabajó en Santa Trinità, así como Andrea da Firenze a quién conoció en la década de 1370s.
La influencia de Guillaume de Machault se siente particularmente en sus melodías decorativas. 154 trabajos se podían preservar en las bibliotecas de Italia y de Alemania. La biblioteca Nacional de París también tiene dos manuscritos. Son notables por su pureza armónica y la belleza de su expresión de la melodía. Los madrigales “occhi del agli del piant del gramo” y “por el dolce del piaga del mia” son consideradas obras maestras.
Landini está enterrado en la iglesia de San Lorenzo en Florencia. Su tumba contiene una imagen suya con un órgano portátil similar al mostrado en la ilustración que acompaña éste artículo